El Tarot de Oro

En 2005, A. Atanassov creó un mazo de Tarot inspirado en las pinturas de Gustav Klimt.

Por Julia Pérez Bustamante, en Tres Mancias Consultoría

De todos modos, Secesión sí contó con un órgano oficial, la revista Ver Sacrum (Primavera Sagrada), que se editó entre 1898 y 1903. El nombre hacía referencia a un poema romántico de Ludwig Uhland, y también a un rito de la antiguedad según el cual cada cierto número de años, y en relación con la primavera, se expulsaba a los jóvenes de la ciudad o tribu a fin de que fundaran una nueva. El rito tenía un carácter marcial, ya que una nueva fundación solía implicar batallas. La portada del primer número mostraba las raíces de un árbol en flor, portando en sus ramas los escudos de armas de la arquitectura, la pintura y la escultura, y rompiendo las duelas de un tiesto que se había quedado pequeño. Entre sus páginas se leía:

Afortunadamente, Klimt no teorizó sobre sus obras, dejando así la puerta abierta para apreciarlas por fuera de categorías y denominaciones. De hecho, ¡sus pinturas resultan más modernas que las postmodernas! La Secesión tampoco se manifestó con estatutos o similares, y sus miembros se hallaban más cerca de la Gesamtkunstwerk u "obra total de arte", uniendo en una misma síntesis la tipografía, los elementos gráficos, las ilustraciones e incluso los espacios en blanco.

Los miembros de Secesión consideraban a PALAS ATENEA, la diosa de la guerra, como el espíritu tutelar de la agrupación, y Klimt la retrató junto a sus armas en su pintura homónima de 1898, un lienzo en el que porta un yelmo y una coraza en su pecho.

Entre 1899 y 1907, Klimt realizó tres pinturas para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena, aunque en 1945 fueron quemadas ante el avance de las tropas nazis. Eran Jurisprudencia, Medicina y Filosofía. Dos figuras en JURISPRUDENCIA inspiraron arcanos: el hombre envuelto entre los brazos de un pulpo y la figura en el medio de un trío en el borde superior.

La pintura MEDICINA está aludida en varios arcanos. La figura central que mira de frente, que está segura y sabe lo que hace, es la diosa griega Higía asociada a la higiene y curación. Detrás de ella, hay una columna de desnudos encorvados, dormidos, dolorosos, con un esqueleto de perfil y hasta con una embarazada esperando (la única otra figura que también mira de frente pero, además, con rostro complacido). También hay una única figura separada del resto, a la izquierda, que extiende desganada su brazo, así como un hombre hace lo mismo hacia ella.

En FILOSOFÍA, hay una atmósfera de progresiva juventud, desprendimiento y libertad. En la parte izquierda inferior, una figura masculina, vieja y atormentada. En la parte superior, figuras muy jóvenes y asombradas. En el trasfondo derecho, los rasgos de un rostro que se desintegra en calma. En la parte inferior, un rostro femenino parcialmente envuelto pero claramente iluminado en contraste fantástico con el resto de luz, y de ojos muy blancos, como de otro mundo, similares a los de Palas Atenea.

En 1902, Klimt hizo el mural FRISO DE BEETHOVEN, una alegoría para homenajear al compositor en el aniversario 75 de su muerte, y que acompañaba a la estatua que Max Klinger había esculpido también en su honor. Con un total de 34 mts., el mural se divide en tres partes sobre un fondo blanco. De izquierda a derecha: El anhelo de felicidad, Los poderes hostiles e Himno a la alegría.

En El anhelo... hay figuras estiradas, suspendidas en el aire a lo largo de toda la extensión horizontal del borde superior, como buscando, intentando alcanzar, pero con sus ojos cerrados. Por debajo, tres figuras desnudas y otras tres vestidas. Las desnudas dirigen su atención a las vestidas y tienen las manos juntas, como suplicantes. El conjunto vestido está formado por un caballero acorazado, de perfil serio y que porta una espada, con dos figuras de fondo: Ambición sosteniendo una corona de laureles, y Compasión con un gesto similar al de las figuras durmientes que dibujaba el pintor.

El caballero se dirige hacia Los poderes hostiles, la segunda parte del mural en el que se encuentra Tifón, el mítico gigante alado con cuerpo de dragones y serpientes, que escupía fuego y provocaba huracanes y terremotos. El antiguo monstruo está representado por un enorme mono peludo, también alado y acompañado por nueve figuras en tres grupos: tres Gorgonas y, asomando por detrás Enfermedad, Locura y Muerte, mientras que a su izquierda se juntan las complacidas Lujuria, Impudicia y Desmesura. Aún más hacia la izquierda está Pena, desnuda y como envuelta en un fino tul transparente negro, entre los reticulados de las pieles de colas de serpientes.

Las fuerzas enemigas inspiró la carta XV El Diablo, en la que el mono ya no es tan abarcativo como en el original (no tiene alas). El protagonismo de Pena, cuya presencia abarca casi la mitad de la pintura, es reemplazado por el de Locura, con sus brazos al modo de la clásica dominación en El Diablo. Las figuras están todas tristes, sobrias, ¡hasta sus tetas estás caídas por demás! La complacencia también ha desaparecido, y las Gorgonas ya no expresan la malicia que las caracteriza sino pesar, congoja interna, en una identidad mezclada con la Pena perdida...

En la última parte del mural, Himno a la alegría, aparece Poesía representada como una figura de túnica dorada que toca la cítara. Y con ella, las figuras suspendidas, anhelantes, finalizan su extensión y búsqueda. A continuación, Klimt parece haber dejado un espacio blanco, seguido por Las Artes, bajo la forma de cinco figuras femeninas dispuestas una sobre otra, dos de ellas con gesto de espera y las otras tres con un brazo extendido, al modo en que lo hacía la figura separada en Medicina, con su mano caída. Más hacia la derecha siguen 9 figuras, también femeninas, flotando en el aire al modo de un coro. Ya finalizando el muro, hay dos figuras desnudas, abrazadas y unidas en sus pies y tobillos por un hilo que los envuelve como una madeja.

La pareja podría estar sobre un fondo amarillo, con efluvios que emanan de sus cabezas, pero la composición también sugiere un movimiento que abre el fondo arqueado. La idea de apertura aparece en los pequeños elementos flotantes que se elevan en el aire, compuestos por tres bordes que podrían agrandar o achicar el espacio en sus núcleos, al modo de compuertas modernas. La idea también se desprende de las dos esferas en la parte superior, como soles, que emanan franjas azules hacia los costados externos, tal vez empujando hacia afuera las partes del arco. Atanassov se inspiró en esta parte del mural para diseñar la carta XIX El Sol. Algunas adiciones y sustracciones restringieron el concepto de apertura, el que sólo se mantuvo a través de los pequeños elementos flotantes. Pero la pareja ya no tiene hilos en sus pies, y ambos están sobre un fondo de líneas amarillas y oscuras que enfatiza la idea de efluvio en la misma unión, y no tanto la de apertura de arco. Otro cambio, también contrario a la misma idea, es que las esferas superiores ahora aparecen contenidas en una figura circular, con emanaciones que ya no son azules y que tampoco traspasan el perímetro delimitado.

Un año después del Friso..., en 1903, Klimt compuso ESPERANZA I, pintura en la que aparecen dos grupos de tres figuras cada uno. El primer grupo está al frente: una mujer embarazada de perfil, desnuda, lleva una corona de flores nomeolvides en la cabeza que, a su vez, alcanza a o se extiende sobre la cabeza de una forma oscura que la envuelve. La forma tiene garras, ojos y parece sonreír (por un color levemente más claro con forma de labios, lo que resulta en un efecto súper actual, ¡casi un emoji!).

En RETRATO DE FRITZA RIEDLER (1906), además de contrastes también aparecen fusiones y perspectivas. Los contrastes se observan entre fondos (rectángulos sobrios, vitrales) y entre colores (fríos en el vestido y el asiento, cálidos en el fondo).

DANAE (1907) refleja a la figura homónima griega, hija del rey Acrisio de Argos (Peloponeso, Grecia), a quien una profecía había vaticinado que sería asesinado por su nieto, por lo que encerró a Danae en una cámara subterránea o torre de bronce. Allí fue visitada por Zeus, quien tomó la forma de una lluvia dorada y la fertilizó.

En el mismo año, Ferdinand Bloch-Bauer, un hombre adinerado que había hecho su fortuna en la industria azucarera y que apoyaba las artes y la labor de Klimt, le encargó un retrato de su esposa. Los contrastes y fusiones en RETRATO DE ADELE BLOCH-BAUER I son muy similares a los de la pintura de Fritza del año anterior.

Entre 1907 y 1908, Klimt compuso EL BESO, la famosa pintura que recuerda el momento en el que Apolo besa a la ninfa Dafne antes de que ella se convirtiese en un árbol de laurel. Ambos habían sido alcanzados por las flechas de Eros, el dios del amor, aunque la punta de flecha de Apolo había sido de oro, mientras que la de Dafne había sido de plomo, lo que hacía que la ninfa lo rechazase.

Terminada en 1907, SERPIENTES DE AGUA I fue una de las pocas pinturas en acuarela y témpera (la mayoría fueron óleos). De formato muy diminuto (50 x 20 cm), mostraba dos figuras abrazadas (no necesariamente mujeres ambas) que comúnmente son vistas como en una escena lésbica, aunque los cuerpos semidesnudos, superpuestos y abrazados son una constante en las obras, y esta pintura no necesariamente tendría un concepto sexual de base. El oro claramente añade un efecto 3D a una composición en la que hay un pez de gran cabeza a la altura de los pies de las figuras: los extremos quedan así asociados, lo que es un típico significado de la serpiente como símbolo esotérico.

Klimt hizo dos versiones de la historia de Judith que relata el Antiguo Testamento, una en 1901 y otra en 1909. Judith había sido una judía de la tribu de Simeón, viuda de Manasés, cuya ciudad Betulia estaba sitiada por las fuerzas del general asirio Holofernes, quien había sido enviado por el rey Nabucodonosor de Babilonia. Judith logró entrar en la tienda de campaña del general y lo decapitó. Luego, el ejército asirio huyó y fue derrotado. La pintura de 1901 la representa como una figura muy sensual, carnal y en 3D, en contraste con las ropas bidimensionales y el fondo plano, mientras que la cabeza de Holofernes apenas aparece en la esquina inferior derecha. Pero Atanassov eligió la versión de 1909, de decadencia y muerte adornadas, para ilustrar la carta XI Fuerza.

En JUDITH II, la figura ha quedado como estrecha entre marcos, con manos crispadas como garras aunque sus muñecas lucen pulseras. El asesinato como tal cobra más importancia, ya que Holofernes está mucho más presente que en la versión anterior. Además, la carta añade aún más adornos en los marcos, y Judith refleja esa expresión de fijeza y rigidez que traducen los persistentes labios cerrados de Atanassov.

En sus últimos años, Klimt pintó ADÁN Y EVA (1917-18), en una escena bastante sensual y sexual. El cuadro inspiró la carta XIV La Templanza, aunque esta incluye el símbolo de la manzana prohibida, y la figura carece de las formas voluptuosas y expresiones placenteras de la pintura.

Nota de la autora:  las imágenes aquí mostradas tal vez no sean reproducciones fieles o completas de los originales.