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Baraka (1992)

Baraka, el reportaje de la belleza vs la oscuridad de nuestra Madre Tierra. Dirigida por Ron Fricke con Patrick Disanto en 1992 es una película que se basa en el sentido visual para comunicar su mensaje. Es un documental que depende en el uso de música y ruidos en vez de usar algún tipo de diálogo. Por lo tanto, demuestra escenas de paisajes, culturas y monumentos distintos alrededor del mundo.  

En conclusión Baraka, nos hace reflexionar sobre el papel del humano ante el mundo. Este mismo, sirve como advertencia de como nuestras acciones siempre tienen consecuencias. Es importante que apreciemos las maravillas que nos rodean, ya que se pueden ir perdiendo por nuestra actitud hacia la vida.

Baraka (1992)

Baraka el reportaje de la dualidad de nuestro hogar. Detrás de las maravillas de nuestro alrededor se esconde mucha oscuridad. En el documental, se enseñan muchas imágenes demostrando la belleza que nos rodea. Sin embargo, también se enfoca en el impacto negativo que nosotros hemos dejado en el planeta. Al ver la película es claro que existen diferentes aspectos de nuestro mundo, los positivos y los negativos.

               Primero, la hermosura que nos entorna. A través del documetal se demuestran elementos como la naturaleza, la cultura, la religión y la comunidad. Causando que el espectador vea los grandioso de nuestro alrededor. También, al ser acompañado por música y cánticos encantadores, se crea una esencia impactante. Asimismo, se representa el planeta como un lugar extraordinario, ya que solo se ve lo admirable.

               Segundo, el daño que hemos causado. Este enfoque deja a los espectadores contemplando como nuestras desiciones tienen consecuencias. De igual forma, muestra destrucción, guerra, muerte, contaminación, extrema pobreza, mujeres y menores en industrias, crueldad hacia los animales y más. Esta perspectiva sirve como una evidencia del efecto que ha dejado el toque humano en nuestro ambiente. Por otro lado, nos sugiere que con el seguimiento del tiempo las condiciones de nuestro planeta van a empeorar. Por lo tanto, deberíamos protegerlo.

               En conclusión, nuestro planeta presenta dos aspectos contrastantes. Aunque, es más fácil aceptar lo hermoso que nos rodea, es necesario saber que nos acompaña mucha oscuridad. Si nos enfocamos en lo atractivo que nos demuestra Baraka, se ve todo el amor que le tenemomos a nuestro hogar. Por el contrario, si vemos lo negativo se nota la poca importancia que le damos. El filme muestra como lo perfecto e imperfecto conviven entre si. Siempre existirá una dualidad entre ambos, sin embargo no significa que lo imperfecto no puede mejorar.

Gestión Arquitectónica 

Alrededor del final de la clase, se discute el cuestionamiento de realidades. Por ejemplo, como el astrolabio y el nivel trabajan en las misma realidad. Ya que el astrolabio funciona si el planeta es esférico y el nivel funciona si es plano. Otro ejemplo sería la ciencia y la religión. Aquí se ve una esencia contrastante entre distintos temas o objetos. Este cuestionamiento resulta ser bien esencial ya que demuestra como diferentes realidades pueden coexistir.

En conclusión, esta clase sirvió como herramienta para generar un mayor entendimiento sobre el lado filosófico de la arquitectura. A pesar de que muchos de los elementos mencionados parecían no guardar relación con el tema, participan en la definición del concepto en su totalidad. Esta clase ayudó a no solo adquirir conocimiento técnico, sino a también saber interpretar diversos enfoques que enriquecen la arquitectura.

¿Qué es diseñar?

El diseño como el equilibrio entre la razón y la solución. La acción de diseñar se basa en un proceso riguroso de análisis y creatividad. Sin embargo, también sirve como una manera de superar un obstáculo. Por lo tanto, el diseño propone un valor que va más allá de lo técnico.

Primero, el diseño demuestra ser un fundamento que implica mucha acción y pensamiento. Asimismo, el diseñador debe considerar distintas variables como: la intuición y la racionalidad. En otras palabras, debe poder generar ideas espontáneas basadas en los elementos y limitaciones que lo rodean. Es necesario considerar el rango de alternatives para poder elaborar algo nuevo. Este es un campo en donde cada paso debe justificarse con una mezcla de creatividad y juicio.

Segundo, el diseño puede crear diferentes alternativas para enfrentar conflictos. Se apoya en entender un problema y crear un sistema de orden. Además, ofrece claridad y lucidez para el que lo necesita. Diseñar puede ser visto como un método de darle sentido a la realidad. Por ejemplo, al crear un objeto como una silla o un celular, la experiencia del usuario puede ser facilitada. El diseño es una herramienta de transformación que enriquece nuestro entorno.

En síntesis, saber que es diseñar es poder ver todas las perspectivas del concepto. Es una trayectoria que prioriza el uso de la creatividad y la imaginacion. Por otro lado, empuja a los diseñadores a poner en practica su juicio crítico para transformar problemas en soluciones significativas.

3 documentales

En conclusión, la arquitectura no se limita simplemente a crear edificios, sino que se convierte en un medio para integrar nuestro ambiente. Al igual que los arquitectos representados en los documentales, se debería priorizar diseñar con consciencia y en sintonía con nuestro entorno.

Eames: The Architect and the Painter

Como la armonía y la individualidad, de dos personas pueden trabajar para llegar al mejor resultado. De esta manera, en la relación de Ray y Charles Eames la combinación de talentos distintos generó un balance creativo. Por otro lado, las tensiones en su relación personal influyeron en la manera en que su trabajo fue percibido. Ambas proposiciones mencionadas, demuestran la importancia de su vínculo para su producción artística. 

Primero, lo esencial de sus destrezas particulares. Al ver el documental, se ve como Charles aportaba su visión arquitectónica. No solo resaltaba en la arquitectura, sino que era considerado un buen organizador y voz principal de los proyectos. Asimismo, Ray aportaba una visión artística y compositiva. Ella tenía un talento especial para las texturas, colores y combinaciones. Jugaba un rol esencial en la creación abstracta de las composiciones.

Las diferencias entre ellos, ayudaron a crear una mejor armonía en su ambiente. Charles era considerado más dominante, causando que ambos chocaran en el intercambio de ideas. Ray, aunque discreta, tenía una presencia esencial en el trabajo. También, ya que en la epoca se veía mucha desigualdad de género, Charles era descrito como el líder de la compañía. Cuando en verdad era una participación mutua entre ellos.

En conclusión, los dos aspectos contrarios como los mencionados pueden trabajar de manera positiva juntos. Aunque aveces, sus fricciones eran recurrentes, aún así su relación ayudaba a que sus diseños se produzcan de la manera más eficiente posible. Por otro lado, sus personalidades y intereses diferentes, se complementaban en su trabajo.

El Sistema Espacial

La arquitectura no solo consiste en crear edificios y estructuras, sino en organizar el espacio de forma eficiente y innovadora. El sistema espacial se trata de tener conciencia hacia el espacio que nos rodea y saber usarlo. Por lo tanto, el mismo nos ayuda a configurar el diseño arquitectónico y encontrar el valor dentro de la estructura. Por otro lado, el espacio también define la experiencia que el arquitecto quiere crear para el público. Ambas proposiciones demuestran que tener un buen entendimiento del espacio es esencial para lograr una arquitectura equilibriada y funcional.

El espacio tiene un rol orientador dentro de la composición arquitectónico. A tráves de el se pueden determinar los sistemas y jerarquías que trabajan en armonía con el entorno. Este orden permite que cada espacio cumpla con una función específica, que responda a la necesidad del cliente. Esto mismo se ve en el Centro Popideu en Paris, diseñado por los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers. El espacio grande y flexible juega a favor de las varias experiencias del lugar. También, si un diseñador quiere aprovechar la luz o ventilación natural, puede crear dependiendo en los mecanismos del entorno. De esta manera, el sistema espacial determina la funcionalidad del proyecto arquitectónico.

El sistema espacial define como el idividuo experimenta la arquitectura. La forma en que los espacios trabajan influye en las sensaciones y emociones que provoca la estructura. Por lo tanto, el arquitecto puede crear una experiencia única para el usuario. Como en los Baños Termales de Peter Zumthor, donde cada espacio se caracteriza con unos materiales específicos para crear una sensación distinta en cada uno. De esta forma, este sistema puede comunicar ideas a través de la relación del humano con su entorno.

En conclusión, el sistema espacial es el corazón del diseño arquitectónico. Las proposiciones mencionadas demuestran como la organización y la experiencia de la estructura es determinada por el espacio. La arquitectura llega a su mayor potencial cuando el entorno que lo rodea es considerado. Por lo tanto, el sistema espacial le da significado al diseño.

Sistema Espacial y Material

Ambos sistemas, ya sea espacial o material, cumplen un papel distinto, pero resultan fundamentales en la creación del proyecto. El sistema espacial organiza y define las relaciones entre los ambientes. Por otro lado el sistema material otorga resistencia y estabilidad a las estructuras. Como mencione anteriormente, aunque tienen funciones distintas son importantes para crear arquitectura duradera y habitable.

El sistema espacial estructura la jerarquía del proyecto y determina como se utiliza el espacio. Asimismo, se establecen los proceso y conexiones entre los ambientes. Este sistema no solo resalta el aspecto físico , sino que define la interacción del público creando experiencias y percepciones únicas. Un diseño espacial en su mayor potencial, debe responder a las necesidades humanas y integrar los sistemas de su alrededor.

En cambio, el sistema material se centra en la estabilidad y comodidad del edificio. Toda construcción esta compuesta por elementos sometidos a fuerzas físicas, por lo que el material debe garantizar consistencia y durabilidad. Además, este sistema permite alcanzar comodidad mediante el aislamiento térmico y la protección frente a la intemperie.

En conclusion, ambos sistemas deberian ser utilizados de manera integrada al diseñar. De esta manera son componentes inseparables en la arquitectura. Las proposiciones demostradas eseñan que el primero le da forma al espacio y organiza la experiencia, mientras que el segundo aporta solidez y seguridad.

Estilo y Ornamento

El estilo y la ornamentación actúan como medios que impulsan la innovación en cualquier proyecto de diseño. El estilo se trata de la originalidad y loa autenticidad de una composición. Por otro lado, la ornamentación o decoración se puede describir como el elemento que define una estructura. En otras palabras, puede conceptualizar qué propósito o mensaje se quiere comunicar. Ambos aspectos, no solo embellecen un diseño, sino que representan culturas y tendencias.

El estilo como manera de expresar y comunicar valores estéticos.  Por ejemplo, al ver el estilo de diferentes arquitecturas en Europa, se ve un uso consistente de elementos barrocos con mucho decoro y simetría entre los patrones. El estilo de un diseño define los elementos primarios que lo distinguen a otros. El mismo puede ser descrito como la manera en que un arquitecto expresa sus ideas. De esta manera, el estilo sirve como el elemento fundamental para poder crear composiciones únicas. Por el contrario, también sirve como forma de mantener un sentido de cultura, usando una forma reconocible de diseñar dependiento de la epoca o del entorno.

La ornamentación es un aspecto esencial de la arquitectura. A través de tiempo, la ornamentación a funcionado como un medio de comunicación estética y cultural. Cada cultura tiene algún tipo de decoración que se utiliza para entender y celebrar las normas del mismo. Además, un edificio no es entendido sin su ornamentación.  Por otro lado, la ornamentación no se limita a un valor estético o simbólico, sino que también juega un papel estructural al fortalecer y dar coherencia al diseño.

En conclusión cada proyecto arquitectónico debería tener un equilibrio claro entre estos dos elementos. Ambos permiten comunicar ideas y valores a través de su forma y detalle. Juntos consiguen que un proyecto no solo cumpla su utilidad práctica, sino que también exprese belleza y pertenecer.

Secrets of the Parthenon

El Parthenón, un monumento descrito como excelencia clásica. Esta estructura fue creada en pleno apogeo de la Atenas del siglo V a.C. El mismo fue creado para glorificar a la diosa Atenas. También es expuesto como un símbolo de ideales y democracia, de la civilización griega en esa epóca. El Parthenón ha sufrido de golpes de guerra, fuegos y hasta terremotos por 2500 años, resultando en su deterioro actual. Por lo tanto, han pasado 30 años tratando de repararlo, una tarea que no ha resultado fácil.

El equipo del documental analiza como los antiguos arquitectos, diseñaron el Parthenón en aproximadamente 8 a 9 años, con ideas y sistemas que hoy en día consideramos innovadoras. Además, si se evalúa como ellos crearon esta estructura sin planos y procesos que utilizamos en el presente, es un monumento muy avanzado. Por ejemplo, las columnas abarcan curvaturas sutiles, que corrigen efectos visuales y refuerzan la impresión del edificio. Otro ejemplo interesante es como los arquitectos llegaron a tenernos una exactitud geométrica, sin ninguna herramienta moderna. Cada uno de los bloques de mármol son únicos, colocados perfectamente para encajar una posición específica.

Su estructura física no es lo único que fortalece la maravilla que es el Parthenón, su historia también respalda su magnificencia. El edificio ha vivido múltiples vidas, fue un templo pagano, iglesia, mezquita, víctima de explosiones y restauraciones fallidas. El documental provee mucha información sobre el Acropolis Restoration Project, que lleva décadas en proceso y ha invertido mas de 100 millones de dólares. Demuestran el reto impresionante de restaurar las miles de piezas que incorpora este espacio. Por otro lado, se ve como el Parthenón es caracterizado como un ícono de la civilización occidental, ya que su composición  ha influido en la creación de otros edificios históricos.

En conclusión, el Parthenón es mucho mas que un monumento de alabacion a la diosa Atena: encarna una combinación de belleza y innovación sorprendente para su tiempo. Nos enseña muchas normas de la arquitectura clásica, como la proporción y la simetría. Asimismo, el documental eseña como la restauración actual incorpora las ideas de los antiguos griegos con las jerarquías modernas de hoy en día. Resultando en un diseño arquitectónico extraordinario.

Building The Great Cathedrals

El esplendor de la arquitectura gótica. El documental de Building The Great Cathedrals, empieza demostrando que las catedrales góticas como Cathédrale Notre-Dame de Paris, Cathédrale d’Amiens o Cathédrale de Beauvais, fueron moldeadas con cientos de millones de libras de piedra. Además, fueron construidas de alturas grandiosas sin tecnología moderna. Por lo tanto, se encuentra un gran misterio al preguntarse: ¿Cómo los constructores medievales lograron fabricar estos edificios colosales, en su época?

Un aspecto interesante de investigación es el código catedral. Investigadores exploraron como una ecuación matemática sacada directamente de la biblia, fue la base del diseño. Más específicamente, hallaron que algunas dimensiones parecen equivaler a números bíblicos como el 144, que aparece en el Libro de la Revelación. Aquí se ve como los arquitectos quisieron alinear el diseño arquitectónico con ideales religiosos y sagradas. Del mismo modo, la religión se ve en la ornamentación del espacio. Los vitrales contaban historias bíblicas y creaban un umbral de luz, alumbrando la experiencia del usuario.

El monumento contenía muchos elementos revolucionarios. Por ejemplo, el uso del arco apuntado, las bóvedas cruzadas y más. Estos permitieron que los muros fueran más delgados y pudieran incorporar ventanas grandes. Muchos de estos aspectos han inspirado otras estructuras alrededor del mundo. Por otro lado, el documental no esconde los riesgos que pueden venir con crear un edificio de gran ambición. En el caso de la catedral de Beauvais, se encontraron fallas estructurales por la altura del lugar. Hoy en día, muchas de estas catedrales han necesitado restauraciones y cambios para reforzar errores pasados.

En conclusión, Building the Great Cathedrals revela que la belleza de estos lugares no es lo único que los define, también su ingeniería avanzada juega un papel grande. A su vez, se explora la innovación medieval y como la religión ayudo a sostener estos sistemas. Se representa una coexistencia entre la religión y la arquitectura.

Great Cathedral Mystery

Uno de los logros arquitectónicos más grandes del Renacimiento, la Catedral de Santa Maria del Fiore. El documental, Great Cathedral Mystery, habla sobre el misterio de la cúpula creada por el arquitecto Filippo Brunelleschi. Esta estructura, también conocida como el Duomo, fue construida hace casi 600 años atrás. Por lo tanto, muchos cuestionaban como fue creada, ya que en esta época no tenían las herramientas y avances de hoy en día. Datos como su altura inigualable y los materiales que conlleva crean aún más preguntas.

El gran enigma técnico. Muchos expertos han discutido como Brunelleschi logro diseñar este espacio sin usar andamiajes tradicionales para sostener la estructura. Al considerar la complejidad de la catedral, no se entendía cómo podía mantener su simetría y integridad. Para descifrar el método de construcción, en el documental analizan teorías históricas y crean un experimento práctico. Un equipo de albañiles estadunidenses, dirigidos por Massimo Ricci, construye una“mini- Duomo” usando técnicas inspiradas en la época renacentista como el uso de cuerdas, para replicar como se construyó la arquitectura original.

Su gran magnitud y materialidad. Esta catedral es conocida como la cúpula de mampostería más grande del mundo. Incluso, se compone de 4 millones de ladrillos y presenta un peso inmenso. Igualmente, dado a sus dimensiones la estructura podría colapsar en cualquier momento, si se hubiera diseñado incorrectamente.

En conclusión la Catedral de Santa Maria del Fiore, representa un símbolo importante de ingeniería clásica. El simple hecho de que se haya sostenido por tanto tiempo, demuestra la maestría de Brunelleschi. Por otro lado, es esencial reconocer el esfuerzo hecho para descubrir sus secretos, sin tener ninguna referencia del diseño original. Algún día se descubrirán todos los misterios que definen estas estructuras tan hermosas, como el Duomo.

Blogs de mis compañeros 

Una interpretación distinta. El propósito de este blog es diferente comparado a mis otras reflexiones. En esta circunstancia analizaré las perspectivas y las técnicas de escritura de mis compañeros. De esta manera, puedo comprender mejor la importancia de tomar en cuenta opiniones distintas. Los blogs que he escogido son: Ash.3121.ARQU por Ashlindeliz Domínguez y Introducción a Arquitectura por Neysha Fernández.

El detalle y la intención. Un elemento que caracteriza los ensayos en este blog son su uso del detalle. Mi compañera hace un buen trabajo al describir y dar contexto sobre el tema que quiere cubrir. Demuestra siempre tener un buen entendimiento del mensaje que quiere comunicar. Por otro lado, note que en mayoría de sus escritos ella usa el elemento de la pregunta. Por esta razón lo encontré fácil asimilarme a los conceptos que traía. Ya que me podía imaginar encontrando las respuestas que necesitaba.

La importancia de la estética. En el caso del blog de Neysha, me llamo la atención el montaje de su blog. Su uso de colores neutros y simples, me ayudo apreciar mas el contenido de los ensayos. Ya que me atrajo mucho la elegancia de la página. Considero este elemento sumamente esencial porque puede ayudar a que otros quieran aprender más sobre temas y conceptos arquitectónicos. En lugar de saturar la información con carga visual, resalta lo relevante.

En síntesis, aprecio mucho los aspectos diversos que pude explorar a través de los reportajes de mis compañeras. Pude aprender sobre la significancia de elementos como los detalles y los visuales.

Bramante y Palladio

La innovación en lo clásico. Muchos tienden a menospreciar los principios de la arquitectura, olvidando que sin ellos no tuvieramos lo que ahora es considerado arquitectura moderna. Arquitectos como Bramante y Palladio contribuyeron a establecer lo que en su tiempo se consideraba como moderno. Ellos renovaron formas antiguas que fueron bien popularizadas en el tiempo renacentista. La arquitectura de ambos era definida por su simetría y orden. Asimismo, creaban conceptos nuevos basados en elementos antiguos.

Donato Bramante, uno de los diseñadores mas influyentes del Renacimiento. Atribuyó mucho de su tiempo estudiando las ruinas clásicas y recuperó las formas de la Antigüedad grecorromana. Especialmente el uso de planos centralizados y cúpulas. La obra que mejor lo ilustra es el Templete de San Pietro, en Montorio. Este mismo es un buen ejemplo del uso de estilos romanos antiguos.

Andrea Palladio, una gran inspiración para muchos arquitectos renacentistas. Palladio se basó en desarrollar un lenguaje arquitectónico nuevo. Elaboró diseños caracterizados por su gran proporción y orden. El buscaba adaptar las formas clásicas para atribuir a las necesidades de su época. También, priorizó difundir sus conocimientos a través de Los Cuatro Libros de la Arquitectura, 1570.

En conclusión, Bramante y Palladio marcan el inicio y final de la arquitectura clásica. Los dos preservaron los estilos antiguos del tiempo y ayudaron a embellecerlos. En vez de dejarlos perder, los resaltaron en sus composiciones.

Le Corbusier

Le Corbusier y el arte de la arquitectura. Le Corbusier trabajo en crear una mezcla perfecta entre la funcionalidad y la estética. Tuvo sus comienzos en el dibujo y pintura, desarrollando un sentido profundo de la forma y proporción. Propuso ideas y principios nuevos para su tiempo, que luego aplicó a la arquitectura y el urbanismo. Como resultado, promovió el movimiento moderno, que inspiro a muchos a nivel mundial.

Su arte geométrico. Le Corbusier, inició su carrera como diseñador por el arte. El mismo, creaba obras destacadas por un estilo claro de distintas figuras y geometrías. Asimismo, sus dibujos eran muy interesantes ya que demostraban dimensiones inusuales pero a la misma vez adecuadas. Aquí aplicaba prácticas que se podían ver en sus próximos proyectos arquitectónicos.

La arquitectura moderna. Él le ponía mucha intención a sus composiciones. Consideraba su ornamentación y su contenido al extremo. Además, creaba con líneas puras y geometría clara. También, era muy abierto sobre su interés en el urbanismo. Sus propuestas de ciudades buscaban separar zonas de recreación, vivienda y trabajo. Incorporaba espacios de vegetación y luz natural, tratando la ciudad como su propia obra de arte.

En conclusión Le corbusier no solo creo edificios sino que definió un concepto completo del arte de la arquitectura. Sus principios han inspirado a miles que buscan unir la funcionalidad con la belleza. El demuestra la importancia de considerar todos los aspectos que conlleva la arquitectura. Ya sea lo técnico como lo abstracto.

Arte/Arquitectura: Contextos

El Arte y la Arquitectura, dos extremos de la misma cuerda. Al discutir ambas disciplinas, es claro que coexisten entre si. El arte es una de las formas de expresión y creatividad, mas efectivas del mundo. Busca comunicar ideas a través del dibujo, la pintura, la música, etc. La arquitectura es una disciplina que combina la creatividad y funcionalidad para crear espacios habitables. Igualmente, los dos campos están entrelazados ya que ambos utilizan elementos visuales y de estética para crear experiencias únicas.

La belleza del arte. Por medio del arte las personas aprenden a explorar distintas maneras de manifestar sus ideas. Asimismo, muchos arquitectos tuvieron sus principios. El arte puede verse como una base a la arquitectura. Aquí se combina la belleza con la utilidad, diseñando edificios y estructucturas agradables a la vista.

La arquitectura como arte. Al utilizar su capacidad creativa, arquitectos pueden elaborar arte en el espacio. Las estructuras son simplemente obras de arte, hechas para las necesidades humanas. El diseño de espacios, tiene que tomar en cuenta como las formas, figuras y elementos interactúan entre si. Demostrando un sentido artístico en la materia.  

En síntesis, el arte y la arquitectura se complementan de forma inseparable. Un campo no puede avanzar sin la existencia del otro. Ambos crean experiencias humanas especiales mediante las formas, colores y espacios.

Mies van der Rohe y Antoni Gaudí 

Mies van der Rohe y Antoni Gaudí, pioneros de la arquitectura. Ambos arquitectos tienen distintos estilos de diseño. Mies, es conocido por su estilo minimalista, la belleza en lo simple. Por otro lado, Gaudi se interesó en diseños mas complejos y artísticos. Aún así, ambos empujaron los limites de su tiempo.

Mies van der Rohe, innovador del modernismo. Mies, fue un arquitecto alemán que busco establecer una dirección diferente que pudiera representar los tiempos modernos. Su trabajo buscaba la pureza y la claridad formal. Una de sus frases icónicas es “less is more,” demostrando su prioridad en eliminar ornamentación innecesaria para resaltar la estructura y su materialidad. Un ejemplo que define muy bien su estilo personal es el Pabellón de Barcelona. Este manifiesta gran elegancia con su claridad y uso del espacio fluido.

Antoni Gaudí y la arquitectura dramática. Gaudí fue un arquitecto catalán interesado en mezclar sus diseños con elementos de la naturaleza. Su uso de creatividad extrema y formas orgánicas lo apartaba del estilo común de su época. A diferencia de Mies, la estructura para Gaudí era ornamento, no se separaba. Su obra maestra es La Sagrada Familia, un espacio hermoso, que todavía se encuentra en construcción. En este diseño el se enfocó en utilizar formas naturales como árboles, ramas y geometrías curvas. También incorporó mucho simbolismo religioso.

En conclusión, a pesar de que Mies y Gaudi tienen estéticas contrastantes, ambos representan símbolos importantes del modernismo. Demuestran como se puede encontrar hermosura en ramas opuestas de la arquitectura. Mientras Mies destaca por su simplicidad y minimalismo, Gaudi impresiona con su ornamentación y creatividad artística. La arquitectura no tiene que seguir un solo camino, lo esencial es que cree una experiencia especial para el humano.

Gaudí: Mobiliario y Arquitectura

Gaudí, mobiliario y arquitectura. Esta conferencia delata el mobiliario diseñado por Gaudí. El mismo, es la segunda parte de un ciclo de presentaciones, organizadas por la Fundación Juan March. Trabajan en comprender su ideología artística, analizando sus composiciones desde sillas y muebles hasta edificios y estructuras. Más específicamente se analiza la silla de la Casa Batlló, un tocador del palacio Güell y unos de sus proyectos mas grandiosos, la Catedral de Mallorca y la maqueta de la iglesia de la Colonia Güell.

Gaudí y su doctrina estética. El mismo siempre trabajó con un contexto artístico, arquitectónico y político. Su arquitectura no terminaba en simples estructuras y edificios, sino que se destacaba en la importancia del decoro y la ornamentación. Él creaba para el ser humano, resaltando formas naturales y símbolos mortales. Además, aplicó su conocimiento en la carpintería, vidriería y cerámica en sus proyectos, para crear obras extraordinarias. Por otro lado, el video demuestra diferentes lados de Gaudí, ya sea con su coherencia de la funcionalidad como su integración del diseño interior. Revelando que algunas de sus ideas eran avanzadas para su tiempo, como el mismo mobiliario ergonómico.

Elementos del mobiliario. Según la conferencia, Gaudí buscaba moldear la materia, creando espacios y figuras fluidos. Un ejemplo demostrado en el video es la silla de la Casa Batlló. Está se define por su forma moldeada para adaptarse al cuerpo humano, priorizando su funcionalidad. También se ve la reforma propuesta de la Catedral de Mallorca que representa su ideología de desmaterialización, en donde se manifiesta la filosofía de forma, luz y materia. En otras palabras, el trabajó en desmontar varios elementos de la catedral gótica para comunicar su mensaje.

En síntesis, esta conferencia ayuda a entender gran parte de su ingenio hacia la arquitectura. El veía más allá de las estructuras. Por lo tanto, quería resaltar elementos que quizás muchos pierden al aprender sobre la disciplina.

El Pabellón de Barcelona 

Mies van der Rohe y la elegancia a del Pabellón de Barcelona. La conferencia demuestra el Pabellón de Barcelona, creado con motivo de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Esta obra arquitectónica es considerada la más importante del siglo XX. Igualmente, Luis Fernández-Galiano explica porque el pabellón es una de las obras claves para entender el surgimiento de la arquitectura moderna. El propósito del espacio era manifestar la Alemania moderna después de la Primera Guerra Mundial. De esta manera, Mies logro diseñar un espacio fluido y abierto, con el uso de materiales como vidrio, el acero cromado y los diferentes tipos de piedra.

La innovación del espacio. Mies abandono la idea de un espacio “tradicional”, creando un ambiente fluido y abierto. El arquitecto lo describe como un juego de planos que crean varias experiencias para el usuario. También, se caracteriza por el elemento de no tener muros estructurales que marquen o separen las áreas del pabellón. La persona puede decidir a donde quiere ir, ya que es una secuencia en vez de un espacio cerrado. Por otro lado, este concepto termino influenciando generaciones de arquitectos a mirar más allá de una zona confinada.

Materialidad del espacio. La conferencia hace un buen trabajo al explicar los materiales no solo como partes importantes de construcción, sino como creadores de experiencias. Mies utiliza mármol, mármol verde, acero cromado, ónix dorado y cristal. Estos mismo crean reflejos y profundidad para las personas. Mayoría de las jerarquías del pabellón ayudan a crear transiciones y perspectivas suaves dentro del espacio. Representan continuidad y flujo, creando una arquitectura muy moderna.

En conclusión, el Pabellon de Barcelona no se define solamente por su belleza, también se caracteriza por las sensaciones que crea. Aquí se ve una transición a la arquitectura que prioriza la experiencia humana. Por lo tanto, demostrando lo esencial que es romper barreras en el el campo arquitectónico.

Gehry y Moneo

Gehry y Moneo, con la experiencia humana. En el documental estudiado de Elogio a la luz, demuestran como la luz es uno de los aspectos mas esenciales en la arquitectura para Rafael Moneo y muchos otros. Moneo describe a la luz como un elemento que define un espacio y la sensación de la persona que lo experimenta. Para Frank Gehry, lo más importante es crear sentimientos a través de sus diseños.  Él busca despertar sentimientos escondidos en las personas que visitan o ven sus obras. Por lo tanto, ambos arquitectos priorizan   la interacción del usuario son sus estructuras.

La luz como sentimiento. Rafael Moneo, comienza resaltando como la luz construye el ambiente, crea emociones y marca la secuencia de un espacio.  Este mismo aspecto, le otorga vida y personalidad a un edificio, por su orientación, el juego de sombras, etc. Asimismo, la luz puede generar sensaciones distintas dependiendo de la intensidad. Puede manifestar alegría y calma como puede crear tensión y carga. También, según el cambio de luz y tiempo, el espacio cambia.

La emoción como intención del diseño. Para Gehry, lo más importante en la arquitectura es conectar con la gente. Si un edificio no provoca ninguna experiencia, no tiene sentido. Al empezar el proceso de crear un proyecto, Gehry comienza dibujando bocetos rápidos y caóticos, buscando sentimiento no claridad. Esto le permite tener más libertad al principio del diseño, para generar mas ideas. Igualmente, utiliza las formas como lenguaje emocional. El quiere que las personas se encuentren moviéndose con el edificio. Busca crear fluidez y dinamismo.

En síntesis, ambos arquitectos sirven como buen ejemplo que crear para el poublico, va a resultar en arquitectura más exitosa. No lo ven como un campo de crear edificios y objetos físicos, sino como un arte de crear vivencia especiales para las personas.

Evaluación 

Hola! Si terminaron leyendo hasta el final de mi blog, muchas gracias. Aquí les daré una evaluación propia, más una de mi profesor, Javier Isado de Introducción a la Arquitectura:

Para empezar, me gustó el aspecto de crear varios ensayos semanales, para analizar y interpretar distintos proyectos y arquitectos alrededor del mundo. He notado que este proceso me ayudó mucho a mejorar mi manera de plasmar los mensajes que quiero comunicar. Por lo tanto, encuentro que esto ha sido una forma muy dinámica de enseñarnos como entender las jerarquías esenciales de la arquitectura. Asimismo, aprecio como el profesor nos empujó a comprender distintas perspectivas del campo. De igual manera, aveces se me hacia un poco difícil cumplir con la tarea de crear escritos semanales, por toda la carga que viene con la facultad. Aun así, agradezco la disciplina que ha creado en mi forma de manejar el tiempo. Finalmente, agradezco todo lo que he aprendido en la clase.