Урок №15-№16

Портрет в искусстве России

     Считается, что портрет — самое бесспорное достижение нашей национальной школы, именно благодаря ему русская живопись достигла уровня европейской. Небольшой экскурс в историю русского портрета.

К наиболее ранним изображениям конкретных лиц в русской культуре относят миниатюру, представляющую князя Святослава Ярославича с семьей в древнерусской рукописной книге  (1073), а также фреска с изображением семьи князя Ярослава Мудрого (Киев Софийский собор). 

Послушай ЗДЕСЬ "Групповой портрет дочерей Ярослава Мудрого" В.Кикта.

На фресках  изображе­ны призрачные женские фигуры, идущие друг за другом, вероятнее всего в храме. Одухотворенность фигур, нето­ропливость их поступи свидетельствуют об определенном эмоциональном состоянии, которое может испытывать человек, пришедший в церковь для молитвы. В изображении девушек больше загадочности, фантастичности, сказочности, чем ре­альности.

Какими чертами наделена музыкальная фреска?  Вслушайся  в постоянно повторяющийся акком­панемент — однообразное звучание переливов арфы. На этом фоне в верхнем регистре настороженно, таинственно звучат

трели скрипки. Нисходящее движение выдержанных звуков постоянно повторяется в этой пьесе, что создает ощущение неподвижности, призрачности звучания, вносит в него коло­рит таинственности.

Портретные тенденции прослеживаются в изображениях донаторов с моделями зданий в руках — князь Ярослав (церковь Преображения Господня находится  около Великого Новгорода ок. 1246). 

В индивидуальной характеристике черт лица князя, трактовке одежды видно стремление художника к передаче индивидуального сходства.

     Одним из ранних портретов XV века является шитая пелена Сергея Радонежского (1429 год): вероятно, автор портрета знал усопшего.

Чертами индивидуальной характеристики отличаются иконописные изображения митрополитов московских. В 1460-70-х годах новгородский боярин Антипа Кузьмин заказал икону («Молящиеся новгородцы»), в нижней части которой был изображен заказчик с семейством — это еще не боярский семейный портрет, но уже смелая попытка изобразить на иконе группу светских лиц.

     XVI век. Зачатки светского портрета относят ко времени правления  Ивана III и Василия III, когда изображения великих князей при сватовстве посылались в Западную Европу. Иван Грозный стремился прославить и увековечить на иконах и фресках свои деяния; его замыслы поддерживал митрополит Макарий, вокруг которого сосредоточились образованнейшие люди и живописцы своего времени. Перед художниками ставились требования отобразить в искусстве пафос исторических событий. Была создана соответствующая царская мастерская палата, где эти новые художественные задачи воплощали. Мастерская Грозного постепенно расширялась и в XVII веке легла в основу школы царских изографов Оружейной палаты.

Во 2-й пол. XVI века по инициативе Ивана Грозного создаются летописные своды с миниатюрами, где неоднократно изображался сам царь (как идеолизированный монарх). Новизна состояла в том, что они представляли уже собой прижизненное изображение царя — прославляя его подвиги, закрепляя в сознании идеи сил и могущества власти. Именно в XVI веке впервые встречается факт прижизненного портретирования царя в миниатюрах, иконах и фресках.

Но первые русские портретные образы конкретных личностей дошли лишь от начала XVII века. Только в этот период был сделан решительный шаг на нелегком пути русской живописи от иконописного «лика» к индивидуальному лицу.

Именно с данного периода на Руси возникает интерес к индивидуальности, к личностям, заканчивается время Средневековья и происходит открытие индивидуального начала. Помимо литературы, изменение концепции привело и к развитию портретного жанра в 1660-х. Выразителями новых передовых эстетических взглядов на искусство и новаторами в области исканий реалистического портретного образа стали художники оружейной палаты. Один из них Симон Ушаков.

Их творчеству характерны коренные сдвиги в сторону реализма. Ушаков занимался опытами в области изображения человеческого лица, что привело к крупному развитию искусства. Он создал новые иконописные типы с анатомически правильными, объемно моделированными светотенью лицами, реальной передачей формы глаз и блеска зрачков. Особенно этому способствовала его любимая тема «Спас Нерукотворный» с крупным изображением человеческого лица. Он написал много икон на этот сюжет, передавая в каждом новый оттенок внутреннего настроения человека.

Однако, связанные феодально-церковным мировоззрением, Ушаков и Владимиров, пока еще решают проблему портретного образа ограничено — перестраивая собственно иконописные приемы, в которых условные элементы сочетались с поиском анатомически правильных черт реального человеческого лица и правдивой передачи образа.

В XVII веке на Руси возникла парсуна — портрет, который по стилю, приёмам и материалам живописи первоначально ничем не отличаются от икон. Они создавались как надгробные, мемориальные образы, поэтому очевидна их связь с религиозной мыслью.

 Таким образом, к концу XVII века в русском портретном искусстве зарождается портретный жанр, выделяется из иконного письма, и формируется усилиями отечественных мастеров и иностранных художников, вставая на путь становления.

      Прорыв в портретном жанре в России, как и в многих других отраслях, случился в петровское время. Начиная с Петровского времени развитие портрета идет по трем основным линиям:

1.архаизирующее искусство, связанное с провинциальным, т. н. «художественным примитивом». В нем ощущается стиль рубежа еще XVII—XVIII веков, влияние национальной школы парсуны.

Французский живописец, переселившийся при Петре Великом в 1717 в Россию и ставший придворным художником, один из наиболее значимых представителей россики.

2.россика представлена иностранными художниками, которые работали в России в течение всего XVIII века. Эта линия неоднородна по национальному составу и качественному уровню. Она ближе к магистральному потоку русского портрета, её задача — экспонировать местную модель на общевропейский лад. Благодаря россике осуществляется контакт русского искусства с искусством соседних стран — на уровне типологии, стиля и формирования общих критериев художественного качества.

3.собственно отечественная школа (Иван Никитин, Андрей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов- ученики Луи Каравака, Иван Аргунов). Их работы отличаются мастерством и точностью в передаче внешности, хотя не достигли полного совершенства. (Из следующего поколения к ней принадлежали Рокотов, Левицкий, Боровиковский). Эта магистральная линия отличается преемственностью. При этом она обладала внутренним единством — сначала она была направлена на овладение основными художественными принципами Нового Времени, затем, догнав их, стала развиваться в соответствии с общеевропейскими стилевыми тенденциями (барокко, рококо, классицизм, сентиментализм, предромантизм).

        ХVIII в. в России называют веком портрета. В жанре портрета писали лучшие русские художники: Ф. Рокотов, Д. Левицкий;  19 век- О. Кипренский, К. Брюллов, И. Репин;

Серебряный век - М.Врубель и др.

     В середине ХVIII в. портрет становится частью быта, связанной с архитектурой, мебелью, утварью, самими обитателями жилища, их костюмами, привычками.

     Благодаря «портретным гармониям» русского художника Федора Степановича Рокотова (1735—1808)- представитель стиля рококо-  образовался особый эмоциональный словарь для выражения впечатлений зрителя: «полумерцание, полугорение красок», «зыбкость, воздушность», «загадочность и таинственность», «вибрация света и цвета», «поэтическая хрупкость чувств», «затаенность душевных проявлений» и т. п. Кроме технических живописных новшеств, художник открывает новые возможности камерного интимного портрета в выражении душевного мира человека как главного критерия его достоинства. Нередко считают, что Рокотов наделял модели своей собственной одухотворенностью.

     Особое место в творчестве художника занимает портрет А. Струйской (1772). Он является ярким примером поэтизации образа средствами живописи. Воздушная, прозрачная  манера письма создает ощущение легкости тканей и бездонности фона. С помощью света Рокотов мастерски выделяет лицо и одновременно объединяет всю композицию портрета в единое целое. Не случайно этот портрет часто называют «русской Джокондой».

     В портрете А.П.Струйской молодая женщина запечатлена  на нейтральном темном фоне и как прелестное видение выплывает из «тьмы былого». Мягкий мерцающий свет подчеркивает ее тонкое одухотворенное лицо с чуть прищуренными глазами. Она смотрит откуда-то издалека: серьезно, немного грустно, с едва уловимым легким сожалением. Спустя много лет её прекрасные глаза будут воспеты поэтом Н.А.Заболоцким (1903-1958):

 Любите живопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно.

 Ты помнишь, как из тьмы былого,

Едва закутана в атлас,

С портрета Рокотова снова

Смотрела Струйская на нас?

 Ее глаза — как два тумана,

Полуулыбка, полуплач,

Ее глаза — как два обмана,

Покрытых мглою неудач.

 Соединенье двух загадок,

Полувосторг, полуиспуг,

Безумной нежности припадок,

Предвосхищенье смертных мук.

 Когда потемки наступают

И приближается гроза,

Со дна души моей мерцают

Ее прекрасные глаза.

                                                   Н. Заболоцкий

    Черты лица Струйской кажутся словно полустертыми,  расплывчатыми, растворяющимися в полумраке.  Контуры ее фигуры размыты, словно она неожиданно появилась из сумрака и готова вновь в нем исчнзнуть. В ее благородной осанке, в развороте фигуры, во взгляде – сознание отдаленности, причастности к тайне. Скользящие тени на лице, волосах, плечах и платье усиливают ощущение зыбкости и неопределенности образа. Прозрачная, как бы сотканная из воздуха и света дымчатая ткань, закрепленная на плече драгоценной брошью, изящно драпирует фигуру и придает воздушность молодой женщины. Рокотов лишь слегка обозначает оттенки ее душевного состояния, намеренно не конкретизирую их. Он оставляет зрителю возможность разгадать, почувствовать глубоко спрятанную тайну её натуры.

     Художник использовал традиционный приём репрезентативного портрета — окружение персонажа предметами и атрибутами, помогающими раскрыть его образ. Однако Боровиковский попытался показать не общественный статус Лопухиной, а личные, интимные стороны её характера. Основной темой портрета стало гармоничное слияние человека с природой, характерное для эстетики конца XVIII века, сложившейся под влиянием сентиментализма. Это слияние художник выражает через композиционно-ритмические и колористические соотношения. Лопухина изображена на фоне пейзажа, во многом условного и декоративного, но в нём прослеживаются уже типичные черты русского национального пейзажа — стволы берёз, колосья ржи, васильки. Пейзаж перекликается с обликом Лопухиной — изгиб её фигуры вторит склоненным колосьям, белые берёзы отражаются в платье, голубые  васильки перекликаются с шёлковым поясом, а нежно-лиловая шаль — с поникшими бутонами роз. Художник сумел наполнить образ своей модели жизненной достоверностью, глубиной чувств и необычайной поэтичностью. Этим портретом восхищались не только современники, но и зрители следующих поколений.

     С большой любовью и задушевностью представлен образ молодой  мечтательной женщины. Томный, немного грустный взгляд , нежная улыбка, свободная непринужденность позы прекрасно переданы художником. Её лицо далеко то идеала классической красоты, но в то же время исполнено очарования и душевной прелести. Плавные линии, мягкие  округлые формы,  нежные тона создают особую атмосферу покоя и гармонии.  Воздушная дымка и изысканное сочетание цветов белого платья и нежно-голубого пояса, сиреневого шарфа, розы, пепельного цвета волос, зеленого фона древесной листвы усиливают впечатление меланхолического раздумья молодой девушки. На этом портрете Марии Ивановне Лопухиной 18 лет, в 24 года она ушла из жизни…

     Более ста лет назад поэт Яков Петрович Полонский (1819—1898) увидел у своих знакомых портрет Марии Лопухиной, написанный русским художником Владимиром Лукичом Боровиковским (1787—1825). Портрету к тому времени тоже было почти сто лет. Поэт долго оставался в задумчивости

перед небольшим холстом. Он практически ничего не знал об этой женщине. Знал только, что жизнь ее отчего-то сложилась несчастливо и что умерла она совсем молодой. Поэт думал: «Какое чудо — живопись! Все давным-давно забыли бы эту прекрасную Лопухину, если бы не кисть живописца...»

И в голове его начали складываться стихи:

 Она давно прошла — и нет уже тех глаз

И той улыбки нет, что молча выражали

Страданье — тень любви и мысли — тень печали.

Но красоту ее Боровиковский спас.

Так, часть души ее от нас не улетела.

И будет этот взгляд и эта прелесть тела

К ней равнодушное потомство привлекать,

Уча его любить, страдать, прощать, мечтать...

Мария Ивановна Лопухина́ (1779—1803), представительница графского рода Толстых, Лев Толстой потомок.

    Мы потому и помним Лопухину, что ее написал Боровиковский. А если бы мы не знали, кто изображен на портрете, разве бы он меньше нравился или меньше трогал? Конечно, нет! Оттого и будет вечно волновать этот портрет, что художник создал прекрасный образ женщины печальной и светлой красоты, чистой и нежной души.

Творческие задания:

• Поделитесь своими впечатлениями от женских портретов, написанных русскими художниками.

• Подберите музыкальные произведения русских композиторов (романсы, камерно-инструментальная музыка), которые можно использовать как фон, способствующий более глубокому восприятию портретной живописи.

• Сравните художественные особенности портретов Рокотова и Боровиковского с особенностями знаменитого портрета Леонардо да Винчи «Джоконда». Что их роднит, что различает?

• Найдите в тексте стихотворения эпитеты, метафоры, сравнения. Каким образом они усиливают восприятие образа А. Струйской?

Послушай старинный русский романс в исполнении Анны Герман "Гори, гори моя звезда..." Послушай романс М.И.Глинки "Я помню чудное мгновенье..." на стихи А.С.Пушкина. Что общего в этих романсах и чем они отличаются?