JPS Gallery Tokyo Presents "Joint Solo Exhibition by Three Artists": A Triptych of Independent Realities

What happens when three radically different approaches to contemporary art converge within a single exhibition? JPS Gallery Tokyo is pleased to present the "Joint Solo Exhibition by Three Artists", running from November 7 to November 22, 2026. This unique curatorial framework divides the gallery’s interior into three distinct, sovereign ecosystems. Rather than imposing a unified theme, the exhibition embraces the stark conceptual contrasts between three emerging Japanese artists: Yuuka Tajitsu (Tetto), Support Systems, and Misa Ikenaga. Navigating the gallery from the entrance to the deepest room becomes a psychological journey that explores how contemporary art is defined, dismantled, and rebuilt through three radically different material methodologies.

Yuuka Tajitsu (Tetto): Visualising the Invisible Threshold

The exhibition opens with "__=𝑎 + 𝑏𝑖", an immersive spatial installation that constructs the overlapping boundaries between reality, memory, and imagination. Drawing her title from the mathematical formula for complex numbers—combining real (𝑎) and imaginary (𝑏𝑖) parts—Yuuka Tajitsu explores the fragile threshold between what is physically present in the room and what is merely felt by the body.

Building upon her foundation in two-dimensional painting, Tajitsu’s craft is driven by a profound desire to preserve personal memories and express emotions that cannot—or perhaps intentionally should not—be put into words. Her canvases act as visual anchors, characterised by atmospheric textures and evocative colour fields that mimic the haze of a fading dream. For this exhibition, she pushes these visual elements beyond the traditional frame, orchestrating a multidimensional installation. By extending the aesthetic atmosphere of her paintings into the surrounding architecture, she invites visitors to step physically inside her inner landscape. Through this holistic spatial approach, she gives tangible volume to phenomena that inherently evade human sight: fluctuating temperatures, fleeting scents, sudden awe, and the acute sense of loss.

Born in Yokohama, Japan, in 2000, Tajitsu balances her artistic practice with an active role in gallery operations—a dual perspective that sparked a significant philosophical shift. For years, she wrestled with the heavy, paralysing expectations of the contemporary art world, constantly asking herself, "What is art?" and "What is the value of an artwork?" For this exhibition, she has deliberately stopped demanding immediate answers to these questions. Instead, she surrenders entirely to the visceral power of "yoin" (余韻)—the lingering traces and reverberations left within the body. By translating the invisible weight of a memory into a physical space, she asks the viewer to experience her work like a sudden scent that vividly awakens a forgotten past—an echo that persists long after the event itself has faded.

Support Systems: The Intuitive Present and the Architecture of Memory

Transitioning into the centre of the gallery, the atmosphere shifts sharply with "Nice to meet you!!" (お初にお目に掛かります!!), a solo exhibition vibrating with radical intuition and pure, unfiltered joy. Here, Support Systems actively reconstructs his own personal memories and everyday experiences on the canvas, guided entirely by immediate sensory pleasure.

By translating fleeting thoughts like "I like this colour" or "It would be nice if this were here" into physical form, Support Systems channels momentary excitement directly into his craft. His visual style is defined by energetic colour-blocking, dynamic compositions, and layered brushstrokes that he proudly describes as "rough around the edges in a good way". Trusting his immediate sensory impulses over rigid planning, he transforms mundane landscapes and motifs into highly vibrant, emotionally honest arrangements.

Born in Mie Prefecture, Japan, in 1993, Support Systems grounds his artistic mission deeply in community accessibility, running the "Nabari Bari Bari Art Club" (名張バリバリアートクラブ) to seamlessly integrate art into daily life. Admitting he gets "bored easily," he thrives on constant aesthetic reinvention. Yet, while he intended a total artistic shift for this show, he playfully subverts his own rules by incorporating older canvases among his new works, acknowledging that he inevitably carries his past with him. In this space, the artist explicitly relieves the viewer of any pressure. He invites the audience to simply stand before his reconstructed memories and allow themselves to absorb the joyful arrangement of colour and shape.

Misa Ikenaga: The Membrane of Language and Unfixed Meaning

The physical and psychological journey resolves in the final space with "From the Umwelt" (環世界より), an exhibition exploring the exact moment when abstract forms slowly begin to take on meaning.

Working primarily with monochromatic ink drawings, Misa Ikenaga presents compelling pieces from her series "If All the Words Were Gathered" (すべてのことばをあつめたら) and "Garden of Articulations" (分節の庭). Her craft is deeply intertwined with her conceptual framework: she treats language as a "membrane" (膜)—a conceptual boundary that both separates us from the world and connects us to one another. On the canvas, her organic ink bleeds, abstract pools, and raw stains act as this very membrane. Because ink naturally spreads and resists total control, it physically mirrors the fluid, unstable nature of communication. Her works capture the exact cognitive threshold where a viewer looks at an abstract mark, forms an image, and assigns it a specific word or meaning.

Born in Hyogo, Japan in 1996, Ikenaga draws directly from her recent life experiences to shape this conceptual focus. Disillusioned with the commercial art circuit, she spent years stepping away from public exhibitions to test the unadulterated strength of her practice. She engaged in seasonal live-in labour on the remote Rebun Island in Hokkaido and worked at ARTBASE Momoshima in the Seto Inland Sea. This grounded lifestyle fundamentally shifted her philosophy: she realised she cannot exist outside of human relationships, and that society is a natural element of a broader ecosystem. Instead of avoiding these intersections, she is fascinated by what happens after a piece leaves her hands, as it generates new meanings and relationships with viewers in the real world.

Consequently, Ikenaga does not dictate a definitive visual message. Her title, "From the Umwelt", nods to the unique perceptual world of each individual observer. She invites the audience to linger in the quiet, ambiguous space between a raw stain and a recognisable image, appreciating the ongoing cognitive process where meaning slowly begins to emerge, take shape, and inevitably transform again.

JPS Gallery Tokyo、「3人のアーティストによるJoint Solo Exhibition」を開催
――独立した3つの世界が織りなす、ひとつの展覧会

3人のアーティストによる、まったく異なる現代美術へのアプローチがひとつの空間に集まるとき、何が起こるのでしょうか。

JPS Gallery Tokyoでは、2026年11月7日（土）から11月22日（日）まで、「Joint Solo Exhibition by Three Artists」を開催いたします。

本展では、ギャラリーの空間を3つの異なる、独立した世界として構成します。ひとつの統一されたテーマを設定するのではなく、日本の新進アーティストである田實　夕夏（鉄塔）／サポートシステムズ／池永　朱里、それぞれの作品が持つ明確な思想的差異をそのまま受け止めるキュレーションを試みます。

入口から奥の展示室へと進む体験は、まるでひとつの心理的な旅のように展開していきます。現代美術とは何によって定義されるのか、そしてそれはいかに解体され、再構築されるのか。3人のアーティストは、それぞれ全く異なる素材へのアプローチを通して、その問いを提示します。

田實　夕夏（鉄塔）：見えない境界を可視化する

本展の入口を飾るのは、空間インスタレーション「__=𝑎 + 𝑏𝑖」。現実、記憶、想像が重なり合う境界を、ひとつの空間として立ち上げる作品です。

タイトルに用いられているのは、実数（𝑎）と虚数（𝑏𝑖）を組み合わせた複素数の数式。彼女はこの概念を起点に、物理的にその場に存在するものと、身体によってただ「感じられる」ものとの間にある、曖昧で繊細な境界を探求します。

2次元絵画を基盤として制作を続けてきた彼女の創作の根底には、個人的な記憶を残したいという強い思いと、言葉にすることができない、あるいはあえて言葉にすべきではない感情を表現したいという欲求があります。

彼女のキャンバスは、記憶を視覚的につなぎ留めるためのアンカーのような役割を果たします。そこには、消えかけた夢のような霞みを思わせる空気感のある質感や、鑑賞者の感覚を呼び起こす色彩の広がりが現れます。

本展では、そうした絵画的要素を従来の「額」の内側に留めることなく、周囲の空間へと拡張。絵画の持つ雰囲気そのものを建築空間へと展開することで、鑑賞者を自身の内的風景の中へと身体的に招き入れます。

温度の揺らぎ、ふと漂う香り、突然の畏怖、そして鮮烈な喪失感――本来、人間の目には捉えることのできない現象に、空間という具体的な「量」を与えることで、彼女は見えないものの存在を浮かび上がらせます。

2000年、神奈川県横浜市生まれ。自身のアーティスト活動と並行して、ギャラリー運営にも携わる。その二つの視点を持つことが、彼女の芸術に対する考え方に大きな変化をもたらしました。

長い間、彼女は現代アートの世界に存在する重い期待に向き合いながら、「アートとは何なのか」「作品の価値とは何なのか」という問いを繰り返し自らに投げかけてきました。

しかし本展では、そうした問いにすぐに答えを出そうとすることを意図的に手放しています。

代わりに、彼女が身を委ねるのは「余韻」という感覚です。身体の中に残り続ける、記憶の痕跡や響き。その「余韻」を通して、記憶が持つ目に見えない重さをひとつの物理的な空間へと変換します。

それは、突然漂ってきた香りによって、忘れていた過去の記憶が鮮明に呼び起こされる瞬間にも似ています。出来事そのものが遠ざかり、薄れていった後にもなお残り続ける「響き」を、鑑賞者に体験させるのです。

サポートシステムズ：直感的な「いま」と記憶の構造

ギャラリー中央へと進むと、空間の雰囲気は一変します。

ここでは「お初にお目に掛かります!!」と題された個展が展開されます。そこにあるのは、徹底した直感と、純粋でフィルターのない喜びです。

彼は、自身の個人的な記憶や日常の経験をキャンバス上に再構築し、その制作をその瞬間の感覚的な心地よさに委ねています。

「この色が好き」「ここにこれがあったらいいな」といった一瞬の思考をそのまま物質化することで、彼はその瞬間に生まれた高揚感を直接作品へと変換します。

エネルギッシュな色面、躍動感のある構図、幾重にも重なる筆致。そのスタイルを彼自身は「良い意味でラフな感じ」と表現しています。

綿密な計画よりも、その瞬間に生まれる感覚的な衝動を信じることで、日常的な風景やモチーフを、鮮やかで感情に正直な構成へと変えていきます。

1993年、三重県生まれ。

彼は、アートを日常の中に自然に取り入れることを目指し、「名張バリバリアートクラブ」を運営するなど、コミュニティに開かれた芸術活動にも取り組んでいます。

自身を「飽きっぽい」と語る彼は、常に新しい美的表現を模索し続けています。

今回の展覧会では、これまでとは完全に異なる方向へと作品を展開するつもりだったものの、そこでも彼は自らのルールをユーモラスに覆します。

新作の中に過去の作品も取り入れることで、結局のところ自分自身は過去を抱えたまま進んでいく存在なのだと認めているのです。

この空間で、彼は鑑賞者に何かを理解しなければならないというプレッシャーを与えません。

ただ、彼自身が再構築した記憶の前に立ち、色と形が生み出す喜びに身を委ねてほしい――。

それが、サポートシステムズから鑑賞者へのシンプルな招待状なのです。

池永　朱里：言葉の膜と、固定されない意味

そして身体的・心理的な旅は、最後の空間へとたどり着きます。

「環世界より」と題された本展では、抽象的な形がゆっくりと意味を帯び始める、その瞬間が探求されます。

主にモノクロームのインクドローイングを用いて制作するMisa Ikenagaは、「すべてのことばをあつめたら」および「分節の庭」のシリーズから作品を発表します。

彼女の制作は、そのコンセプトと密接に結びついています。

池永にとって言葉とは「膜」です。

それは、私たちと世界を隔てると同時に、私たちを互いにつなぐ概念的な境界でもあります。

キャンバス上に広がる有機的なインクのにじみ、抽象的なインクの溜まり、そして生々しい染み。それらはまさに、この「膜」そのものとして機能します。

インクは自然に広がり、完全にコントロールすることができません。その性質は、コミュニケーションそのものが持つ流動性や不安定さを物理的に映し出しています。

彼女の作品が捉えるのは、鑑賞者が抽象的な形を見つめ、そこにひとつのイメージを思い浮かべ、そして特定の言葉や意味を与える――その認知の境界線上にある瞬間です。

1996年、兵庫県生まれ。

池永は、近年の自身の人生経験から、このような考えを深めてきました。

商業的なアートシーンに対する違和感から、彼女は数年間、公の展覧会から距離を置き、自身の制作が持つ純粋な力を確かめる時間を過ごしました。

北海道・礼文島で季節労働をしながら暮らし、また瀬戸内海に位置するARTBASE MOMOSHIMAでも活動。

そうした地に根ざした生活は、彼女の芸術に対する考え方を大きく変えていきました。

人間関係の外側に存在することはできない。そして社会もまた、より大きな生態系を構成するひとつの自然要素なのだ――。

彼女はそのことに気づきました。

そのため、作品が自分の手を離れた後に何が起こるのか、その作品が鑑賞者との間にどのような新しい意味や関係を生み出すのかということに、強い関心を抱いています。

池永は、作品が伝える視覚的なメッセージをひとつに固定することはありません。

「環世界より」というタイトルは、一人ひとりがそれぞれ異なる知覚世界を持つという考え方を示唆しています。

鑑賞者に委ねられるのは、生々しい染みと認識可能なイメージとの間に広がる、静かで曖昧な空間です。

そこでは、意味がゆっくりと生まれ、形を持ちはじめ、そして再び変化していく。

池永は、その終わりのない認知のプロセスそのものを、鑑賞者に味わってほしいと考えています。