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Roberto Pinto, Università degli studi di Bologna, Arte pubblica e partecipazione: tra monumento e progetto sociale. Discussant: Francesca Castellani, Clarissa Ricci

24.11.2023, h. 15-17

Università Iuav di Venezia, Auditorium Santa Marta & online

https://bit.ly/40hKWBD 

A partire dalle celebrazioni che la Gran Bretagna ha organizzato per le commemorazioni della Prima Guerra Mondiale — 14-18 NOW the UK’s arts programme for the First World War centenary — l’intervento mira a rileggere alcune delle sperimentazioni artistiche recenti che si sono svolte all’interno degli spazi pubblici. Operazioni, spesso temporanee, che provano a ridiscutere le modalità con cui interagire e coinvolgere i "tanti pubblici” che compongono le nostre società attuali.

Roberto Pinto, storico dell’arte e curatore, è professore di Storia dell’Arte contemporanea presso il Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna. Da anni si dedica alla riflessione teorica - in controparte alla pratica curatoriale  - su dinamiche  e forme dell'esporre contemporaneo ed arte pubblica. Tra i suoi scritti, Nuove Geografie Artistiche. Le mostre al tempo della globalizzazione (Postmediabooks, Milano 2012), Le relazioni oltre le immagini. Approcci teorici e pratiche dell'arte pubblica (con Cecilia Guida: Postmediabooks, Milano 2022), Atlante dell'arte contemporanea nel Mediterraneo (con Patrizia Maina: Round Robin, 2023).Ha curato numerose mostre in Italia e all’estero, tra cui Stranger Knocking, Padiglione Italiano Biennale di Melbourne 1998 ed è stato curatore alla V Biennale di Gwangju, Corea (2004) e alla Terza Biennale di Tirana (2005).Attualmente è  curatore scientifico e coordinatore del progetto ArtLine. Parco delle sculture permanenti a CityLife, in collaborazione col Comune di Milano. E' direttore editoriale della rivista Piano B.

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Fabrizia Bandi, Università degli studi   di Milano, Immersi nell’immagine: esperienza estetica dell’opera VR Discussant: Mario Farina

28.11.2023, h. 17.30-19 

Università Iuav di Venezia, Auditorium Santa Marta & online:

https://bit.ly/3QotMxA  

L’immersività non è una caratteristica delle sole opere in realtà virtuale. Creare ambienti immersivi è una pratica antica, che possiamo ritrovare anche in alcune stanze affrescate delle ville pompeiane. Tuttavia la quasi totale immersione degli ambienti artificiali, offre un’esperienza peculiare sotto molto aspetti. In primo luogo, la VR mette in atto una visione sempre mediata dell’immagine: il visore, al cui interno vi sono le lenti stereoscopiche su cui appare fisicamente l’immagine, sono il vero supporto dell’opera, che però pare scomparire durante l’esperienza estetica. La “trasparenza” del medium realizza la vera e propria “ambientalizzazione” e l’impressione di essere a contatto con l’immagine, che sembra scorniciata. Il visore VR implica non solo una particolare ontologia dell’opera, bensì ridefinisce anche il ruolo dello spettatore. Se una progressiva inclusione del pubblico nello spazio artistico è un fenomeno che nasce con l’arte performativa, le opere in realtà virtuale devono essere incluse in questa categoria, con le dovute specifiche: il fruitore diventa, in questo caso, a tutti gli effetti quello che Mikel Dufrenne denominava, esecutore e testimone, tanto da affermare che solo attraverso la sua presenza l’opera arrivi a compimento. 

Fabrizia Bandi è assegnista di ricerca all'Università Statale di Milano e assistente alla didattica all'Accademia di Architettura di Mendrisio. Si è occupata di fenomenologia della realtà virtuale e aumentata, con particolare riguardo per le applicazioni in ambito architettonico, urbanistico e museografico.

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Paul Rasse, Université Côte d’Azur

Du musée panoptique au musée comme matrice patrimoniale. Discussant: Carlo Grassi

8-3-2024, h. 11.30-13. 

Venice, Iuav, Auditorium Santa Marta

https://bit.ly/Rasse_Staging

La definizione di ciò che costituisce la cultura presenta una sfida significativa, specialmente in un'era di civiltà che si mescolano senza precedenti. Ci troviamo immersi in un ambiente culturale planetario digitalizzato, che si diffonde rapidamente ma è soggetto a un'obsolescenza accelerata. In questo contesto, i musei assumono un ruolo fondamentale, emergendo come principali custodi della cultura e della conoscenza: una "matrice" per la selezione e la legittimazione del patrimonio che le società ereditano e arricchiscono per la trasmissione alle generazioni future. I musei interpretano e presentano questo patrimonio attraverso scenografie informative, potenziate, coinvolgenti, multisensoriali, sinestetiche, visive, uditive, testuali, tattili e olfattive. Diventa difficile catturare le esperienze sempre più dinamiche e piacevoli che le mostre offrono al pubblico, con una proliferazione di aggettivi che a malapena ne catturano l'essenza.

Paul Rasse: Antropologo e sociologo della cultura francese, nel 1992 ha fondato e diretto presso l' Università di Nizza Sophia Antipolis il corso di laurea in mediazione e ingegneria culturale, arti contemporanee e museologia, pioneristico nella formazione universitaria di  professionisti della cultura. Sul tema del Patrimonio e del museo come organismo di mediazione sociale in costante trasformazione ha pubblicato e curato numerosi libri, tra cui: Le Musée réinventé (2017), Le projet culturel: conception, ingénierie et communication (2017), La rencontre des mondes : diversité culturelle et communication (2006), Les musées à la lumière de l'espace public (1999).

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Vanessa Gavioli, Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti - Gallerie degli Uffizi.

Riallestire la moda a Pitti. Museo, restauro e progetto curatoriale.  Discussant: Alessandra Vaccari

12-3- 2024, h. 16-18. RINVIATO

Venice, Iuav, Auditorium Santa Marta

https://bit.ly/Staging_Gavioli

Strumenti, interrogativi e metodi di museologia della moda, a fronte del nuovo allestimento del primo museo pubblico della Moda e del Costume in Italia.

Vanessa Gavioli: storica dell'arte, laureata a Firenze, è curatrice del Museo della Moda e del Costume. 

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Adrien Gardère, Studio Gardère, Paris

Coreografare il museo.  

Introduce: Alessandra Vaccari

Discussant: Pamela Bianchi

19-4- 2024, h. 13.30-13. 

Venice, Iuav, Auditorium Santa Marta

https://bit.ly/Staging_Gardere

Il designer e museografo francese Adrien Gardère ripercorre e rilegge i progetti espositivi del suo studio, a partire dal 2000. 

Adrien Gardère:  studied French Literature in Hypokhâgne before training as a furniture designer at the École Supérieure d’Arts Appliqués Boulle and the École Nationale des Arts Décoratifs.

His designs have been produced and distributed by major furniture and lighting brands including Artemide, Ligne Roset, Cinna, Perimeter Editions and Saazs, and entered the permanent collection of public design institutions such as the Fonds National d’Art Contemporain (France), the Musée des Arts Décoratifs (Paris), the Design Centro do Bélem (Lisbon). Building on his success in the field of product design, Adrien Gardère founded his Studio in 2000 and expanded to museography and exhibition design, quickly establishing enduring relationships both with major international institutions and with some of the world’s leading architects (Foster+Partners, SANAA, David Chipperfield and Fumihiko Maki). Looking forward, Adrien Gardère wants to build on these relationships, develop new partnerships and ways of working creatively, and sees every project as an opportunity to create a unique and legitimate design: a new way of conceiving museography, appropriate to a new generation, in which design and content meet the visitors’ expectations and provide a visual, educative and uplifing experience.