Construyendo el cielo 

Primera imágenes del grupo

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SKYDOWN y las primeras canciones

Primeras canciones:

🎼 Skybound 

 ♫새벽의 하늘 - Cielo al amanecer

♪ EXTRA, segunda versión de  Cielo al amanecer-  새벽의 하늘

Cuando el proyecto aun no se encaminaba a convertirse en un grupo idol, solo se crearon tres canciones para acompañar la maqueta del álbum, Más adelante dos de esas canciones (Skybound y la primera version de Cielo al amanecer) se mantuvieron en el tracklist original y se agregaron las demás canciones. 

El proceso de creación de las canciones tuvo dos fundamentos principales. El primero fue partir siempre de una canción de referencia, elegida según el estilo o las sensaciones que quería transmitir. Con esa base, pedí a ChatGPT que generara una letra en coreano inspirada en los conceptos manejados por el grupo y que además me proporcionara las especificidades musicales necesarias para usarlas como segundo prompt en Suno, la IA creadora de música.

El segundo funadamento fue en el uso de Suno, mi tarea consistía en generar la canción utilizando la letra y el prompt, creando múltiples versiones hasta sentirme satisfecha con el resultado, buscando que sonara como una canción real de un artista que pudiera gustarme, aunque muchas veces la canción de referencia se perdiera en las nuevas interpretaciones musicales. 

El desarrollo del setlist tomó varios meses, ya que el álbum se fue construyendo poco a poco. Buscaba mantener coherencia entre lo que sería una “canción debut” —con la fuerza suficiente para atraer fanáticos— y los b-sides, que debían ser igual de buenos y aportar contraste al resto del álbum. También me interesaba jugar con el sonido para lograr variedad y una sensación de versatilidad, incorporando incluso ritmos latinos como guiño a su origen conceptual.

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Procesos plásticos y experimentación con la materia 

La glicerina como materia prima para abordar la belleza, lo pulido, lo limpio, pero también lo intimo, lo frágil y etereo de su propia naturaleza. 

Procesos varios de deformación y construcción 

Los procesos de construcción y deformación fueron esenciales para encontrar una forma capaz de transformar la lectura de las piezas, vinculándolas con los lenguajes de lo digital y con la idea de lo “perfecto”. 

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Crear piezas que trascendieran lo digital fue el verdadero reto. En el caso de estos fragmentos, el desafío consistió en darles una forma que pareciera salida de una pantalla y traerla al plano físico, donde casi siempre enfrentamos la decepción de no poder replicar con exactitud las maravillas de la digitalidad.

Más allá de esa frustración inicial, valoro mi decisión de trabajar desde lo material. Aunque no me considero hábil con las manos y a veces me siento torpe en este tipo de trabajos, esta experiencia me permitió crear un vínculo genuino con la materia. A medida que avanzaba, el proceso se volvió más fluido, casi íntimo.

Estos objetos no solo contienen “memorias” en un sentido metafórico, sino que también conservan la esencia de mis emociones durante su creación: la música que sonaba mientras los moldeaba y la soledad de las noches de trabajo que les dieron forma.

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Al igual que en cualquier proceso escultórico, fue necesario construir una relación sensible con la materia. Modelar no consiste únicamente en imponer una forma, sino en escuchar lo que el material permite y revela en cada intento. Trabajar con el cautín implicó un aprendizaje paciente basado en la experimentación: prueba y error constantes para encontrar el punto justo entre intervenir demasiado y quedarse corta. Cada fragmento exigía su propio ritmo, su temperatura y su límite, y solo a través de la repetición pude comprenderlo. Ese diálogo con la materia, inicialmente torpe e incierto, se transformó en una forma de intuición técnica. Hoy siento que esa experiencia me dio confianza y criterio, permitiéndome trabajar con mayor precisión y obtener resultados más cercanos a lo que imagino, no desde la imposición, sino desde una negociación consciente con los materiales. 

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Conceptualización estética y visual 

Construir la identidad visual del grupo implicó articular lo matérico de la glicerina con el concepto de Nostalgia Fabricada, buscando coherencia y unión entre cada pieza plástica.

El proceso también requirió incorporar la memoria y la cultura visual de distintos lugares: Asia —en especial Japón y Corea— y la cultura pop estadounidense. Estos lenguajes, reinterpretados desde nuestro contexto en Colombia durante los años 2000, revelan cómo lo extranjero fue moldeando nuestra forma de imaginar el mundo. 

Cada personaje o miembro del grupo fue desarrollado tomando como referencia a un idol real, combinando aspectos de su imagen física y, en algunos casos, rasgos de su personalidad. Esto permitió construir un concepto más verosímil que respondiera a las lógicas del fanatismo y al mismo tiempo sirviera como base para diseñar una estética coherente tanto a nivel grupal como individual.
Cada integrante fue pensado como un arquetipo dentro de este universo, con una identidad visual propia, pero unida simbólicamente a los elementos del cielo —el cenit, la aurora, la tormenta, la estrella fugaz y la mañana— que funcionan como emblemas de su energía, carácter y rol dentro del grupo.

Entre ellos, destaca Seo Jun, inspirado en la icónica figura de Hannah Montana, como un guiño a la cultura pop de los 2000 reinterpretada desde el lenguaje idol contemporáneo. Su presencia busca recuperar la teatralidad y la dualidad de aquella época —la mezcla entre lo cotidiano y lo extraordinario— para proyectarla en un contexto actual donde la imagen y el espectáculo siguen siendo ejes fundamentales del deseo colectivo.

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Proceso de creación y diseño grafico 

Encontrar una imagen que las personas pudieran asociar con el K-pop, pero también con lo humano y lo real, requirió una estrategia visual: mostrar los cuerpos sin revelar completamente las identidades detrás de las fotografías. Esto permitió conservar la fantasía y el misterio sin perder la cercanía que produce ver a un semejante.

En el K-pop, la imagen del artista es el centro, el vínculo que genera afecto y fanatismo. Por eso fue necesario pensar a Skyline como un grupo posible, conformado por individuos con personalidades y estéticas definidas, capaces de ser consumidos, pero también de expandir y sostener el concepto que da origen al proyecto.

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Construir este universo fue también construir una práctica artística: trabajar con lo limitado, lo casero y lo imaginario para materializar lo imposible.

En cada decisión, desde la elección de materiales hasta la creación de canciones y personajes, hubo un ejercicio constante de adaptación, de traducir los deseos digitales a realidades precarias pero sinceras. Lo que empezó como una idea de ficción —un grupo inexistente con su propio mundo— se transformó en una forma de resistencia frente a la idea de que el arte debe ser perfecto o producido desde la abundancia.

Esta práctica se alimentó de la carencia, del error, del intento; de esa búsqueda por capturar lo intangible —la nostalgia, la memoria, el deseo, la perfección digital— en objetos frágiles, en papel, en sonido, en pantalla. Fue aprender a aceptar la imperfección como parte de la estética, a entender que lo “casero” también puede ser un lenguaje visual y conceptual poderoso.
Materializar lo imposible se volvió una forma de hacer visible lo que normalmente solo habita en la imaginación: un universo propio, construido a pulso, con las manos, el cansancio y el cariño que solo el proceso puede dejar.

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