BEETHOVEN
Concerto para piano n. 5 - “Imperador”
4 GRAVAÇÕES CONTRASTANTES
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Registro impecável, com tudo em seu devido lugar:
Registro impecável, com tudo em seu devido lugar:
Nelson Freire, Orquestra da Gewandhaus de Leipzig, Riccardo Chailly - 2014
Nelson Freire, Orquestra da Gewandhaus de Leipzig, Riccardo Chailly - 2014
Normalmente eu abro uma página como essa com uma gravação dita “de referência”, ou seja: um consenso da crítica, feita no período dos LPs, cujo sucesso de vendas teria ajudado a formatar no público de colecionadores e ouvintes o como-deve-ser-feito da obra. Eu decidi por um registro recente de Nelson Freire, não por sentimentos nacionalistas, e nem mesmo por preferências estéticas, uma vez que o grande pianista brasileiro foi, a meu ver, um intérprete insuperável de Schumann e Debussy mas cuja mão para Beethoven sempre me pareceu leve e apressada por demais. Acontrece que essa gravação tem, além de qualidades técnicas e interpretativas inquestionáveis, uma autoridade inequívoca; vejamos: — Foi na Gewandhaus de Leipzig que o Concerto Imperador estreou, em 1811. E foi lá, 203 anos depois, que Nelson Freire o gravou, com a mesma Orquestra. Para o mineiro de Boa Esperança, este Concerto circulava nas veias: ainda menino, foi com ele que Nelson ganhou, no Rio de Janeiro, o Concurso Internacional que projetou seu nome. Formado no Brasil por Lucia Branco, que foi aluna de Arthur De Greef, e De Greef foi aluno de Franz Liszt, um dos grandes defebsores dessa obra. Nelson Freire tinha um toque aveludado e musicalidade natural, equilibrando comedimento e força na mesma medida, o virtuosismo sempre a serviço da música, nada soa forçado. Chailly entrega uma sonoridade outonal e muito nobre da Gewandhausorchester com heroísmo sem exagero bombástico, o cantar muito fluido, e as passagens de grandiloquência vindo na dose certa. Equilíbrio, essa é a palavra para definir a gravação.
Normalmente eu abro uma página como essa com uma gravação dita “de referência”, ou seja: um consenso da crítica, feita no período dos LPs, cujo sucesso de vendas teria ajudado a formatar no público de colecionadores e ouvintes o como-deve-ser-feito da obra. Eu decidi por um registro recente de Nelson Freire, não por sentimentos nacionalistas, e nem mesmo por preferências estéticas, uma vez que o grande pianista brasileiro foi, a meu ver, um intérprete insuperável de Schumann e Debussy mas cuja mão para Beethoven sempre me pareceu leve e apressada por demais. Acontrece que essa gravação tem, além de qualidades técnicas e interpretativas inquestionáveis, uma autoridade inequívoca; vejamos: — Foi na Gewandhaus de Leipzig que o Concerto Imperador estreou, em 1811. E foi lá, 203 anos depois, que Nelson Freire o gravou, com a mesma Orquestra. Para o mineiro de Boa Esperança, este Concerto circulava nas veias: ainda menino, foi com ele que Nelson ganhou, no Rio de Janeiro, o Concurso Internacional que projetou seu nome. Formado no Brasil por Lucia Branco, que foi aluna de Arthur De Greef, e De Greef foi aluno de Franz Liszt, um dos grandes defebsores dessa obra. Nelson Freire tinha um toque aveludado e musicalidade natural, equilibrando comedimento e força na mesma medida, o virtuosismo sempre a serviço da música, nada soa forçado. Chailly entrega uma sonoridade outonal e muito nobre da Gewandhausorchester com heroísmo sem exagero bombástico, o cantar muito fluido, e as passagens de grandiloquência vindo na dose certa. Equilíbrio, essa é a palavra para definir a gravação.
A perfeição olímpica:
A perfeição olímpica:
Arturo Benedetti Michelangeli, Orquestra Sinfônica de Viena, Carlo Maria Giulini - 1979
Arturo Benedetti Michelangeli, Orquestra Sinfônica de Viena, Carlo Maria Giulini - 1979
Desde 1973 a gravadora DG trabalhava para juntar em estúdio Michelangeli e Carlos Kleiber, os dois perfeccionistas mais lendários daqueles tempos; o encontro enfim aconteceu em Berlim, no fim de 1975, a obra escolhida foi este Concerto, e as exigências começaram antes da primeira nota: Michelangeli mandou lixar as laterais de todas as teclas pretas do piano, porque os vãos entre elas eram estreitos demais para os seus dedos fortes. Tocaram, gravaram... e terminado o trabalho, Michelangeli simplesmente recusou a gravação, e o registro foi engavetado. Quatro anos depois, a interpretação dele dessa obra finalmente pôde ser conhecida, graças a um registro improvável: ao vivo, no Musikverein de Viena, diante das câmeras de televisão, com Giulini do pódio. Michelangeli era um artista de repertório reduzidíssimo: passou a vida lapidando um punhado de obras até um grau de acabamento e refinamento que só a exigência dele enxergava, cancelando tudo o que ele achasse abaixo disso. Aqui temos um Imperador no qual cada nota brota do teclado como um objeto precioso, cada escala se constrói com perfeição sobrenatural. Há quem ouça nisso uma frieza técnica. Eu ouço um gênio que se recusa a apelar para a emoção do ouvinte, porque confia na beleza absoluta da própria obra. Giulini, com sua característica sonoridade grave, espaçosa e monumental, abre ao redor do piano o espaço e o tempo que essa concepção pede, com a Wiener Symphoniker respondendo com grandeza. É um registro solene, impecável.
Desde 1973 a gravadora DG trabalhava para juntar em estúdio Michelangeli e Carlos Kleiber, os dois perfeccionistas mais lendários daqueles tempos; o encontro enfim aconteceu em Berlim, no fim de 1975, a obra escolhida foi este Concerto, e as exigências começaram antes da primeira nota: Michelangeli mandou lixar as laterais de todas as teclas pretas do piano, porque os vãos entre elas eram estreitos demais para os seus dedos fortes. Tocaram, gravaram... e terminado o trabalho, Michelangeli simplesmente recusou a gravação, e o registro foi engavetado. Quatro anos depois, a interpretação dele dessa obra finalmente pôde ser conhecida, graças a um registro improvável: ao vivo, no Musikverein de Viena, diante das câmeras de televisão, com Giulini do pódio. Michelangeli era um artista de repertório reduzidíssimo: passou a vida lapidando um punhado de obras até um grau de acabamento e refinamento que só a exigência dele enxergava, cancelando tudo o que ele achasse abaixo disso. Aqui temos um Imperador no qual cada nota brota do teclado como um objeto precioso, cada escala se constrói com perfeição sobrenatural. Há quem ouça nisso uma frieza técnica. Eu ouço um gênio que se recusa a apelar para a emoção do ouvinte, porque confia na beleza absoluta da própria obra. Giulini, com sua característica sonoridade grave, espaçosa e monumental, abre ao redor do piano o espaço e o tempo que essa concepção pede, com a Wiener Symphoniker respondendo com grandeza. É um registro solene, impecável.
Emoção e transbordamento:
Emoção e transbordamento:
Krystian Zimerman, Orquestra Filarmônica de Viena, Leonard Bernstein - 1989
Krystian Zimerman, Orquestra Filarmônica de Viena, Leonard Bernstein - 1989
Setembro de 1989, um ano antes de Bernstein deixar este mundo. Na Musikverein, ele abria em Viena a temporada que seria a última da sua vida, e escolheu apresentar os Concertos de Beethoven com o pianista em quem mais confiava: Krystian Zimerman, então com 32 anos. Dessas apresentações ao vivo saiu este registro, e nele temos tudo o que fez de Bernstein o ícone que ele foi: os andamentos largos, o calor que se derrama por cima de qualquer cautela, a Wiener Philharmoniker tocando com um envolvimento único. O pianista polonês responde com um som pleno e sua juventude radiosa transborda junto. E então vem o movimento lento, a coisa mais linda que eu já ouvi em todas as gravações desta obra. Bernstein morreria deixando o ciclo dos cinco Concertos inacabado e Zimerman o terminou sozinho, com os dois primeiros que faltavam, regendo do teclado, em homenagem ao mestre e amigo. Ele disse que Bernstein era “a pessoa que melhor conseguiu integrar a própria vida à música; tudo o que ele vivia, aparecia imediatamente no concerto [...] você nunca pensava que Bernstein estava só regendo uma peça: parecia que a peça era dele, que ele compunha ali, no momento, em cima do pódio”; que Bernstein lhe deu a coragem e a confiança para ousar nas interpretações, testando ideias completamente novas. Essa relação vinha de antes, dos dois Concertos de Brahms que gravaram juntos, e a própria crítica da época notou que, no Beethoven, Bernstein deu a Zimerman uma parceria de iguais ainda maior do que em Brahms.
Setembro de 1989, um ano antes de Bernstein deixar este mundo. Na Musikverein, ele abria em Viena a temporada que seria a última da sua vida, e escolheu apresentar os Concertos de Beethoven com o pianista em quem mais confiava: Krystian Zimerman, então com 32 anos. Dessas apresentações ao vivo saiu este registro, e nele temos tudo o que fez de Bernstein o ícone que ele foi: os andamentos largos, o calor que se derrama por cima de qualquer cautela, a Wiener Philharmoniker tocando com um envolvimento único. O pianista polonês responde com um som pleno e sua juventude radiosa transborda junto. E então vem o movimento lento, a coisa mais linda que eu já ouvi em todas as gravações desta obra. Bernstein morreria deixando o ciclo dos cinco Concertos inacabado e Zimerman o terminou sozinho, com os dois primeiros que faltavam, regendo do teclado, em homenagem ao mestre e amigo. Ele disse que Bernstein era “a pessoa que melhor conseguiu integrar a própria vida à música; tudo o que ele vivia, aparecia imediatamente no concerto [...] você nunca pensava que Bernstein estava só regendo uma peça: parecia que a peça era dele, que ele compunha ali, no momento, em cima do pódio”; que Bernstein lhe deu a coragem e a confiança para ousar nas interpretações, testando ideias completamente novas. Essa relação vinha de antes, dos dois Concertos de Brahms que gravaram juntos, e a própria crítica da época notou que, no Beethoven, Bernstein deu a Zimerman uma parceria de iguais ainda maior do que em Brahms.
Exagero com entrega absoluta:
Exagero com entrega absoluta:
Glenn Gould, Orquestra Sinfônica Americana, Leopold Stokowski - 1966
Glenn Gould, Orquestra Sinfônica Americana, Leopold Stokowski - 1966
Muitos frequentadores desta página me dizem que nem sempre é possível perceber com facilidade as diferenças entre as diferentes gravações. Realmente, parte do que se perde através do consenso interpretativo é a graça de experimentar a mesma obra por concepções díspares, únicas. Este registro junta dois desses artistas que eram inventores de regras próprias na interpretação da música. Glenn Gould foi o pianista que, três anos antes, abandonara os palcos para sempre, convencido de que o futuro da música morava no estúdio e nos registros gravados, e cujas leituras eram de um personalismo tal que deixava a crítica especializada perplexa, entre elogios derramados e ataques ofendidos pelas idiossincrasias. Leopold Stokowski, o mago de som orquestral luxuriante, à frente da American Symphony Orchestra, a orquestra que ele mesmo fundara ao completar 80 anos. Foi a única colaboração dos dois. Gould reverenciava tanto o velho feiticeiro que anos depois lhe dedicaria um documentário radiofônico. Entre uma tomada e outra, Gould ainda realizou um sonho confesso: conhecer Barbra Streisand, que gravava um álbum no estúdio ao lado. O resultado é o Imperador mais atípico que você poderia ouvir: o primeiro movimento abre em um andamento que ninguém mais ousou, largo, cerimonial, imenso, com a entrada do piano em arpejos quase irreconhecíveis. As notas de Beethoven estão todas lá, só quetocadas de um jeito inesperado. A obra inteira vira um ritual grandioso em câmera lenta, com o contraponto de Gould iluminando vozes internas que passam despercebidas em qualquer execução normal. Isso com oceano sonoro de Stokowski como apoio. O movimento lento é cantado, nota a nota, como só Gould sabia fazer, pairando fora da realidade conhecida. As resenhas da crítica, quando essa gravação saiu, se dividiu entre o fascínio e o escândalo. Os dois lados têm razão. Esse é o Concerto Imperador para quem já o conhece bem e quer a obra re-inventada por dois excêntricos geniais.
Muitos frequentadores desta página me dizem que nem sempre é possível perceber com facilidade as diferenças entre as diferentes gravações. Realmente, parte do que se perde através do consenso interpretativo é a graça de experimentar a mesma obra por concepções díspares, únicas. Este registro junta dois desses artistas que eram inventores de regras próprias na interpretação da música. Glenn Gould foi o pianista que, três anos antes, abandonara os palcos para sempre, convencido de que o futuro da música morava no estúdio e nos registros gravados, e cujas leituras eram de um personalismo tal que deixava a crítica especializada perplexa, entre elogios derramados e ataques ofendidos pelas idiossincrasias. Leopold Stokowski, o mago de som orquestral luxuriante, à frente da American Symphony Orchestra, a orquestra que ele mesmo fundara ao completar 80 anos. Foi a única colaboração dos dois. Gould reverenciava tanto o velho feiticeiro que anos depois lhe dedicaria um documentário radiofônico. Entre uma tomada e outra, Gould ainda realizou um sonho confesso: conhecer Barbra Streisand, que gravava um álbum no estúdio ao lado. O resultado é o Imperador mais atípico que você poderia ouvir: o primeiro movimento abre em um andamento que ninguém mais ousou, largo, cerimonial, imenso, com a entrada do piano em arpejos quase irreconhecíveis. As notas de Beethoven estão todas lá, só quetocadas de um jeito inesperado. A obra inteira vira um ritual grandioso em câmera lenta, com o contraponto de Gould iluminando vozes internas que passam despercebidas em qualquer execução normal. Isso com oceano sonoro de Stokowski como apoio. O movimento lento é cantado, nota a nota, como só Gould sabia fazer, pairando fora da realidade conhecida. As resenhas da crítica, quando essa gravação saiu, se dividiu entre o fascínio e o escândalo. Os dois lados têm razão. Esse é o Concerto Imperador para quem já o conhece bem e quer a obra re-inventada por dois excêntricos geniais.
Rafael Fonseca
GUIA DOS CLÁSSICOS
TUDO O QUE VOCÊ QUERIA SABER SOBRE MÚSICA CLÁSSICA, MAS NÃO TINHA PARA QUEM PERGUNTAR.
E o melhor: a resposta vem de uma maneira que você entende!
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