4 GRAVAÇÕES PARA DESVENDAR O CONCERTO PARA VIOLINO DE BRAHMS:
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Jascha Heifetz
Jascha Heifetz
Sinfônica de Chicago
Sinfônica de Chicago
Fritz Reiner
Fritz Reiner
1955
1955
Esta gravação de 1955 continua sendo uma das mais impressionantes interpretações já registradas do Concerto de Brahms. Heifetz demonstra aqui sua técnica lendária: aquela precisão cirúrgica, o toque seguro, o som cantante que parece não custar nenhum esforço. Mas o que faz dessa gravação algo ainda mais especial é a parceria com Fritz Reiner, um dos grandes regentes do século passado. Reiner conduz a Orquestra de Chicago com uma clareza e uma força que funcionam como tapete perfeito para o violino de Heifetz. O acompanhamento orquestral aqui é luminoso, com cada linha instrumental perfeitamente definida. Sim, a gravação tem mais de sessenta anos, mas a qualidade sonora surpreende: ouve-se tudo com nitidez. Heifetz não toca a cadenza de Joachim, mas a sua própria, no primeiro movimento. Esta é uma interpretação que vai direto ao ponto, sem pieguice, mas repleta de energia e paixão contida. É a gravação de referência absoluta da obra, aquela que mostra até onde se pode ir na busca da perfeição. Para quem quer entender como essa obra pode soar no mais alto nível possível, este registro é indispensável.
Esta gravação de 1955 continua sendo uma das mais impressionantes interpretações já registradas do Concerto de Brahms. Heifetz demonstra aqui sua técnica lendária: aquela precisão cirúrgica, o toque seguro, o som cantante que parece não custar nenhum esforço. Mas o que faz dessa gravação algo ainda mais especial é a parceria com Fritz Reiner, um dos grandes regentes do século passado. Reiner conduz a Orquestra de Chicago com uma clareza e uma força que funcionam como tapete perfeito para o violino de Heifetz. O acompanhamento orquestral aqui é luminoso, com cada linha instrumental perfeitamente definida. Sim, a gravação tem mais de sessenta anos, mas a qualidade sonora surpreende: ouve-se tudo com nitidez. Heifetz não toca a cadenza de Joachim, mas a sua própria, no primeiro movimento. Esta é uma interpretação que vai direto ao ponto, sem pieguice, mas repleta de energia e paixão contida. É a gravação de referência absoluta da obra, aquela que mostra até onde se pode ir na busca da perfeição. Para quem quer entender como essa obra pode soar no mais alto nível possível, este registro é indispensável.
Yehudi menuhin
Yehudi menuhin
Festival de Lucerna
Festival de Lucerna
Wilhelm Furtwängler
Wilhelm Furtwängler
1949
1949
Gravação que carrega consigo um documento histórico poderoso: feita em agosto de 1949, apenas quatro anos após o fim da Segunda Guerra Mundial. Menuhin, violinista judeu-americano, escolheu deliberadamente tocar com Furtwängler — maestro que permanecera na Alemanha durante o regime nazista e que, no pós-guerra, enfrentou um processo de “desnazificação”. Menuhin testemunhou publicamente em favor de Furtwängler, defendendo que o maestro jamais fora membro do partido nazista e que, ao contrário, havia protegido músicos judeus. Um gesto de reconciliação humana através da música. A interpretação é profundamente subjetiva, cheia da intensidade emocional característica de Furtwängler — aquela liberdade nos tempos, aquela sensação de que a música está sendo criada naquele exato momento. Menuhin comentou, anos depois, que sentia que após a guerra ele já não tocava mais do mesmo jeito. Ouvi-lo neste registro de 1949, portanto, é capturar um momento único, tendo o violinista ainda no auge de seu poder expressivo, antes que questões técnicas começassem a perturbá-lo nas décadas seguintes.
Gravação que carrega consigo um documento histórico poderoso: feita em agosto de 1949, apenas quatro anos após o fim da Segunda Guerra Mundial. Menuhin, violinista judeu-americano, escolheu deliberadamente tocar com Furtwängler — maestro que permanecera na Alemanha durante o regime nazista e que, no pós-guerra, enfrentou um processo de “desnazificação”. Menuhin testemunhou publicamente em favor de Furtwängler, defendendo que o maestro jamais fora membro do partido nazista e que, ao contrário, havia protegido músicos judeus. Um gesto de reconciliação humana através da música. A interpretação é profundamente subjetiva, cheia da intensidade emocional característica de Furtwängler — aquela liberdade nos tempos, aquela sensação de que a música está sendo criada naquele exato momento. Menuhin comentou, anos depois, que sentia que após a guerra ele já não tocava mais do mesmo jeito. Ouvi-lo neste registro de 1949, portanto, é capturar um momento único, tendo o violinista ainda no auge de seu poder expressivo, antes que questões técnicas começassem a perturbá-lo nas décadas seguintes.
David Oistrakh
David Oistrakh
Rádio Nacional Francesa
Rádio Nacional Francesa
Otto Klemperer
Otto Klemperer
1960
1960
Oistrakh foi um dos maiores violinistas de todos os tempos, e esta gravação é considerada por muitos críticos como uma das interpretações definitivas da obra. Oistrakh vinha da grande escola de violino de Odessa, que produziu tantos gigantes do instrumento. Sua sonoridade é ampla, calorosa, absolutamente natural. Cada frase parece “cantar” com sinceridade total. Já Otto Klemperer foi aluno de Gustav Mahler e pertencia àquela geração de maestros que pensavam a música em grande escala, com arquitetura sólida e um senso profundo de estrutura; curiosamente, ele conseguiu transformar o som desta orquestra francesa, que aqui soa quase germânica. Pode-se fazer um paralelo interessante com Furtwängler: ambos representam a mesma escola, mas Klemperer é mais contido, mais rigoroso no controle do tempo. O resultado é uma combinação de potencia e paixão, com força estrutural. O finale, em particular, é simplesmente irresistível — Oistrakh e Klemperer parecem estar completamente alinhados na maneira de frasear o tema principal, com uma certa flexibilidade romântica, fazendo deste registro uma audição essencial.
Oistrakh foi um dos maiores violinistas de todos os tempos, e esta gravação é considerada por muitos críticos como uma das interpretações definitivas da obra. Oistrakh vinha da grande escola de violino de Odessa, que produziu tantos gigantes do instrumento. Sua sonoridade é ampla, calorosa, absolutamente natural. Cada frase parece “cantar” com sinceridade total. Já Otto Klemperer foi aluno de Gustav Mahler e pertencia àquela geração de maestros que pensavam a música em grande escala, com arquitetura sólida e um senso profundo de estrutura; curiosamente, ele conseguiu transformar o som desta orquestra francesa, que aqui soa quase germânica. Pode-se fazer um paralelo interessante com Furtwängler: ambos representam a mesma escola, mas Klemperer é mais contido, mais rigoroso no controle do tempo. O resultado é uma combinação de potencia e paixão, com força estrutural. O finale, em particular, é simplesmente irresistível — Oistrakh e Klemperer parecem estar completamente alinhados na maneira de frasear o tema principal, com uma certa flexibilidade romântica, fazendo deste registro uma audição essencial.
Viktoria Mullova
Viktoria Mullova
Filarmônica de Berlim
Filarmônica de Berlim
Claudio Abbado
Claudio Abbado
1992
1992
Gravação ao vivo, realizada em Tóquio, que traz uma história pessoal intensa que, de certa forma, pode ser sentida na música. Mullova, nascida na União Soviética, havia protagonizado uma fuga espetacular em 1983: durante uma turnê na Finlândia, ela e seu então namorado (o maestro Vakhtang Jordania, que se fazia passar por seu acompanhador ao piano) enganaram o agente da KGB que os vigiava, atravessaram a fronteira para a Suécia usando perucas loiras, e pediram asilo político. Mullova deixou para trás, na cama do hotel, o Stradivarius que pertencia ao Estado soviético. Anos depois, já no Ocidente e livre para construir sua carreira, ela gravou este Concerto de Brahms com Claudio Abbado; sendo ele o dono dos melhores registros das Sinfonias da era do som digital. O que poucos sabiam é que Mullova e Abbado estavam envolvidos, e desse relacionamento nasceria Misha Mullov-Abbado, talentoso contrabaixista e compositor de jazz. A energia exala intensidade, cumplicidade quase sensual. A Filarmônica de Berlim oferece um acompanhamento impecável. Mullova toca com rigor técnico e entrega emocional.
Gravação ao vivo, realizada em Tóquio, que traz uma história pessoal intensa que, de certa forma, pode ser sentida na música. Mullova, nascida na União Soviética, havia protagonizado uma fuga espetacular em 1983: durante uma turnê na Finlândia, ela e seu então namorado (o maestro Vakhtang Jordania, que se fazia passar por seu acompanhador ao piano) enganaram o agente da KGB que os vigiava, atravessaram a fronteira para a Suécia usando perucas loiras, e pediram asilo político. Mullova deixou para trás, na cama do hotel, o Stradivarius que pertencia ao Estado soviético. Anos depois, já no Ocidente e livre para construir sua carreira, ela gravou este Concerto de Brahms com Claudio Abbado; sendo ele o dono dos melhores registros das Sinfonias da era do som digital. O que poucos sabiam é que Mullova e Abbado estavam envolvidos, e desse relacionamento nasceria Misha Mullov-Abbado, talentoso contrabaixista e compositor de jazz. A energia exala intensidade, cumplicidade quase sensual. A Filarmônica de Berlim oferece um acompanhamento impecável. Mullova toca com rigor técnico e entrega emocional.
Rafael Fonseca
GUIA DOS CLÁSSICOS
TUDO O QUE VOCÊ QUERIA SABER SOBRE MÚSICA CLÁSSICA, MAS NÃO TINHA PARA QUEM PERGUNTAR.
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