NOTICIAS Y EVENTOS


Cuadro de texto

Modernidad precolombina

“Textiles peruanos precolombinos: El primer arte moderno”, libro que culmina la tesis que el estudioso y peruanista inglés, James W. Reid, ha desarrollado durante más de treinta años: el origen del arte moderno está en el Perú precolombino.
Su publicación inicial sobre el tema fue el catálogo titulado “Symbolism and Iconography in Pre-Columbian Textiles”, que escribió para la exposición de tejidos peruanos precolombinos realizada en la galería Wildenstein de Buenos Aires en 1976, en el cual resaltó las características de vanguardia de los textiles peruanos precolombinos relacionadas con el arte moderno, entre ellas el énfasis en las figuras geométricas, el empleo del color, la reducción de motivos a formatos casi abstractos, la distorsión de formas realistas, el uso de la imaginería en serie.
Fue entonces cuando al autor se le presentaron dos retos intelectuales: el “gran debate”,centrado en la validez de los paralelos entre los textiles precolombinos y el arte moderno, y el “gran enigma” de cómo estos artistas de los tejidos andinos –que se desarrollaron en aislamiento y que fueron sobre todo mujeres– pudieron haberse inspirado para crear tales imágenes gráficas de vanguardia. Es cierto que estos textiles, en su mayoría, no tenían una función artística como la concebimos hoy en día, sino más bien una función religiosa o social, pero para el autor no es el propósito del objeto lo que cuenta sino el impacto gráfico del resultado final.











En 1989 vino al Perú para la presentación de su libro “Arte textil del Perú”– también publicado por Industria Textil Piura–, a cargo del ex presidente Fernando Belaunde Terry. El libro fue prologado por Mario Vargas Llosa, Luis Lumbrerasy Fernando de Szyszlo. No es una coincidencia, dice el autor, que cinco años después, el mismo museo haya montado una exposición aún más espectacular que la primera, de 43 textiles de la cultura Paracas, durante la primera mitad del 2008.Al mismo tiempo, el Museo Metropolitano de Nueva York exhibía textiles peruanos prehispánicos con plumas en la importante muestra titulada “El resplandor de la Selva”, e hizo eco de la muestra parisina de la Colección Halphen y del espectacular libro de James Reid publicado en Londres en el 2005: “Magic Feathers: Textile Art from Ancient Peru”.

“Textiles peruanos precolombinos: El primer arte moderno”

No es la primera vez que el arte de culturas milenarias consideradas primitivas, en este caso el arte precolombino peruano, ha sido comparado con el arte moderno. Ya el pintor Georges Braque, creador del cubismo junto con Pablo Picasso, manifestó haberse inspirado muchas veces en las formas que él señaló como provenientes del “cubismo primitivo peruano”. Picasso también reconoció su deuda con la iconografía textil peruana, lo mismo que el uruguayo Joaquín Torres-García, quien admitió que su “universalismo constructivo” había sido influenciado por la iconografía textil del antiguo mundo andino.
Pero sí se trata de uno de los estudios más grandes y acuciosos sobre el valor estético y el carácter moderno de la iconografía precolombina, para cuya realización el autor se adentró en la geografía y la cultura andinas actuales, a falta de evidencias empíricas, como información escrita que nos diga con precisión cuál era la “idea por expresar” de estos numerosos símbolos y pictogramas, que, además, han sido utilizados desde el albor de las civilizaciones.

En ese sentido, el investigador se refiere a las teorías del psicoanalista Carl Gustav Jung sobre el “inconsciente colectivo”, según las cuales existen imágenes arquetípicas que trascienden el tiempo y el espacio.







http://www.yorkpress.co.uk/news/4673687.How_York_Art_Gallery_is_turning_Japanese/

Japanese exhibition a first for a major British Art Gallery    

The first major museum exhibition of Japanese Sashiko Textiles to be displayed at a major UK art gallery opens on October 10.


The show and subsequent national tour will present traditional and contemporary textiles and garments, designed to decorate and protect the wearer both physically and spiritually.


Entitled Japanese Sashiko Textiles, it sets out to present a sense of time and place in which these works were created.
The exhibition has been selected by textile artist Michele Walker whose research has been facilitated by a three year Arts and Humanities Research Council (AHRC) Fellowship.


It is supported by the Esmee Fairbairn Foundation, the Arts Council Yorkshire, Japan Airlines, Renaissance Yorkshire, The Japan Foundation and the Great Britain Sasakawa Foundation.


Michele says: ‘The objects have been chosen for the stories they tell. My research is taking place at a critical time when the last generation of (now elderly) makers is rapidly drawing to a close together with their traditional way of life and the disappearance of the natural landscape to which they belong.’


The exhibition will investigate two major aspects of Japanese sashiko. The first will look at the lives of women who made and wore sashiko. Until the mid twentieth century it was the traditional method of making work wear in fishing and farming areas throughout Japan. The makers were the cornerstones of communities but their lives passed unrecorded. The historical work in this exhibition dating from the nineteenth to mid twentieth century documents these women’s achievements, perseverance and hardships.


The second aspect will focus on the fact that the physical protection of sashiko garments was reinforced by the spiritual protection thought to be associated with the stitched patterns.


Sometimes these ‘talisman’ took the form of small stitched symbols hidden on the inside of the garment, so as to protect vulnerable parts of the body, for example the neck and back. Or they may take on a more flamboyant character, as seen on the inside of fireman’s garments that picture heroic images applied using tsutsugaki (freehand resist-dyed technique.)


In total around 75 -100 garments and related objects, including videos and significant works from Japanese photographer, IWAYIMA Takeji (1920-1989) will be displayed in the exhibition.


Most of the exhibits are being shown in the UK for the first time. Lenders include The Japan Folk Crafts Museum, The Aikawa and Ogi Folk Museums, Sado Island, Hiroshima Peace Memorial Museum, Fukuoka City Museum and private collectors.


Alongside the historical items are examples of more recent work inspired by sashiko. NUNO Corporation creates innovative textiles that combine traditional aesthetics with the latest technologies. Textile artist TOKUNAGA Miyoko hand stitches one-off fashion garments. She combines sashiko and sakiori techniques and will produce a special collection for this exhibition.
A fully accessible on-line publication including images of works, installation shots and contributions from leading Japanese and British experts, will be created for the exhibition. .

Tour


The exhibition will launch at York Art Gallery 10 Oct 2009 – 24 Jan 2010, and will then tour around the UK.
27 February – 11 April 2010 (closed 2 - 5 April) Collins Gallery, University of Strathclyde, Glasgow
8 May – 4 July 2010 to be confirmed
31 July – 26 September 2010 Plymouth Museum and Art Gallery




Presentaron el proyecto Redes

08/10/2009

Presentaron el proyecto Redes

Se trata de una actividad que involucra a personas ciegas y sordas del distrito. El evento se realizó en la Casa de la Cultura, con entrada libre y gratuita.

El municipio de Quilmes, a través de la Secretaría de Cultura y Educación, junto con la Escuela Municipal de Bellas Artes Carlos Morel – Departamento de Extensión Cultural, “Arte en silencio” EMBA, la Escuela de sordos e hipoacúsicos N° 505, la EEE N° 507 para personas ciegas y disminuidas visuales, la Escuela Primaria N° 8 Juan Vucetich y la Jefatura Distrital Quilmes, presentaron esta mañana el proyecto “Redes”, en la Casa de la Cultura. Se trata de la implementación de un taller de arte textil, que consiste en la creación de una red entre distintas personas y organizaciones, con retazos de distintos tipos de telas.
“Este proyecto se originó en Colombia y lo trajimos a Quilmes entendiendo esto de ponernos a tejer redes entre distintas organizaciones, como una metáfora de tejido social. Es como sentarse a construir algo con otro, anudar lazos y atar conversaciones mientras se genera un objeto, que en este caso en una red” destacó la asesora de la Secretaría de Educación y Cultura del municipio de Quilmes, Cecilia Tanoni, quien además agregó que “todas las organizaciones que participan de este proyecto consiguieron materiales para realizar esta obra de arte textil”.
En tanto, Gabriela Alonso, docente de la Escuela Municipal de Bellas Artes, aseguró que “queremos que toda la gente que lo desee se pueda sumar a construir esta gran red y generar esta obra de arte entre todo Quilmes armando este tejido como demostración de lo que es la sociedad”.
Además participó del inicio de este proyecto, el atleta quilmeño no vidente Sebastián Baldasarri, quien obtuvo una medalla de plata en Lanzamiento de Disco en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008.

Sobre el Proyecto
Se trata de una actividad que involucra a personas ciegas y sordas que participarán de un taller de artes textil. Allí rondarán ideas acerca de los lenguajes de lo artístico, los objetos resultantes y las acciones que le dan lugar; las maneras de acercamiento y la comunicación a través de una obra, la intervención activa en espacios urbanos, y también algo de lo político en el arte.
Al respecto, la organizadora del evento en nuestra ciudad, Cecilia Tanoni, aseguró que “es una actividad inclusiva, una acción colectiva de arte textil, una metáfora en acción del tejido de lazos entre las personas, entre los grupos, entre iguales y diferentes. Un momento donde niños, maestros y vecinos reciban una invitación para tejer juntos, con hilos y fibras de por acá. Y mientras se teje, la gente se encuentra, casi enredada, y tal vez en conversación”.

Antecedentes
En el marco de la 5º Bienal Internacional de Arte Textil, organizada por World Textile Art se llevaron a cabo una serie de talleres en la ciudad de Buenos Aires, República Argentina, país que ofició de sede para dicha Bienal en abril de este año.
La artista internacional y directora de la organización Pilar Tobón, convocó para estar al frente de uno de estos talleres a un artista de origen colombiano, residente en Honduras, Jorge Restrepo. Otro artista convocado es un artista ciego, uruguayo, Humberto Demarco, quien ya había llevado adelante un taller en la anterior Bienal en la ciudad de San José de Costa Rica en 2006. Además, las organizadoras de los talleres pidieron la colaboración de un artista argentino, Pablo Ramírez Arnol, que es docente y se encuentra trabajando con personas ciegas y con otras discapacidades.
Estos artistas coincidieron en realizar juntos la tarea en una casa–taller, en el barrio Palermo Viejo en Buenos Aires.
Allí, artistas de varios países, con distintas realidades, participaron de una actividad colectiva, que consistía en tejer entre todos un tramo de unos ocho metros por un metro. La urdimbre estaba sostenida en cuatro rejas del tamaño de puertas que servían de marco al futuro tejido. Se encontraba en el correr del patio a la altura de los hombros y hacia abajo un metro. Cuando se dio el inicio de la actividad, todos formaron parte de ella; se dejaron unos trozos de tela negra al alcance del que quisiera, con los cuales se cubrieron los ojos.

http://www.radiofmq.com/detalle.php?articulo=Presentan%20el%20proyecto%20Redes&tipo=1&documento=4680&sistema=fmq



Expertos sudamericanos analizan el arte textil

Martes 6 de Octubre de 2009 | Sesionan hasta el viernes en la sala Caviglia .

El arte de las teleras de Atamisqui y de las tejedoras andinas actuales, así como de sus antecesoras precolombinas; los secretos del poncho colonial cuzqueño chileno; la puesta en valor de las distintas colecciones de banderas argentinas; la iconografía del vestuario litúrgico católico son apenas algunos de los temas que analiza en Tucumán el Cimité de Expertos en conservación del patrimonio textil de diferentes ciudades sudamericanas.
Especialistas de Chile, de Argentina, de Perú, de Bolivia, de Uruguay,  de Colombia y de Ecuador, provenientes del campo de la Historia, Antropología, Arqueología, así como conservadores, diseñadores, personal de museos a cargo de colecciones textiles y artistas textiles sesionan hasta el viernes en la sala Orestes Caviglia.
La agenda para hoy incluye, entre otras presentaciones, la de la Asociación de Tejedoras  "Ruta del tejido", de Tucumán (de 15 a 15.30). En el marco del encuentro se  expone la muestra  "Vestidos y Tiempos" ,en el Museo Histórico Provincial Nicolás Avellaneda, según consignó Olga Sulca, profesora Adjunta de la cátedra de Prehistoria de la Facultad de Filosofía y Letras y Miembro del Comité Nacional de Conservación Textil.
Sulca añadió que el viernes el contingente visitará los valles e intercambiará con las tejedoras de la región experiencias y perspectivas sobre el oficio del trabajo de la lana y de los colores.
La experta recordó que hace tres años se realizaron en Tucumán las   Primeras Jornadas sobre Estudio y Conservación de Textiles, organizadas entonces por la Cátedra de Prehistoria, con el aval de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNT, el Fondo Nacional de las Artes y la Dirección de Patrimonio de la Provincia de Tucumán.

http://www.lagaceta.com.ar/nota/346953/Informaci%C3%B3n%20General/Expertos_sudamericanos_analizan_arte_textil.html


ENTREVISTA

Olga de Amaral: “El arte conceptual es difícil, por lo fácil”

http://sergioestebanvelez.over-blog.es/article-34464729.html

 “Strata – Meridiano” es la nueva exposición de la reconocida “tejedora” Olga de Amaral.  La muestra estará abierta al público, en Bogotá, hasta la primera semana de diciembre.

 

SERGIO ESTEBAN VÉLEZ
El Mundo, 14 de noviembre de 2008  

 

En la inmensa nueva sede de la galería “ La Cometa ”, de Bogotá, se presenta la exposición «Strata – Meridiano», en la cual se reúnen, por primera vez, la obra del artista colombo-estadounidense Jim Amaral y  la de su esposa, Olga de Amaral.  Ella no exponía en Colombia, desde hace casi un decenio. 

Estuvimos conversando con esta importante mujer del Arte Colombiano, que, a pesar de ser referencia mundial en la técnica artística de los Textiles, es más reconocida en el Exterior, que en nuestro país.


Para ser contemporáneo, ¿hay que dejar de pintar?


Para nada.  Yo creo que, para ser contemporáneo, uno tiene que, primero, conocer verdaderamente el material que uno trabaja, sea pintura, cerámica, tejido, fotografía... Fuera de la técnica misma, que es un conocimiento importantísimo, uno tiene que querer mucho su material y saber qué es lo que pasa con el mismo.  Para ser un gran creador, uno debe entender que sus manos y su cabeza deben funcionar dentro de un mundo muy particular.


¿Cómo es eso de que el brillo del oro en sus obras es un homenaje a los altares de las iglesias latinoamericanas?


Yo no siento que le haga homenaje a nada, porque yo no pienso en esas cosas.  Pero cuando yo me eduqué, en Bogotá, fue muy bajo la religión católica.  Mamá y papá eran muy devotos.  Íbamos a misa en iglesias coloniales del Centro y, seguramente, ese temor religioso, de oración, tomó mucha parte de mi inconsciente y esas veladoras prendidas y el oro iluminado y el encuentro con Dios, en mi infancia, me marcaron profundamente. 


En su obra, usted ha sublimado nuestra tradición ancestral, pero la ha fundido con el brillo de la cultura que ha acopiado a lo largo de muchos años de investigación. ¿Cuál ha sido su clave para lograr esa fusión evolucionada de los antiguos tapices medievales, con los gobelinos franceses renacentistas y los tejidos de los Incas?


Ante todo, yo no soy una investigadora, ni una estudiosa.  Yo no investigo: a mí me cuentan las cosas y ahí quedan. Mi hijo Diego, que sí es un intelectual, me contaba que los Incas se comunicaban con los nudos en los hilos.  Era una forma de comunicación matemática.  Era una forma de llevar la administración, a punta de hilos y nudos.  Todo eso me gusta, por lo que yo creo que significa el textil.  Para mí, lo más extraordinario es la expresión del tejido en el mundo, pero yo no lo estudio, lo siento, me comunico con eso.  Soy una admiradora profunda del tejido, no con la mente, sino con el corazón.  Además, me doy cuenta del trabajo envuelto en las manos de los seres humanos que han construido un gobelino, que tarda 2 ó 3 años en construcción, con ese amor por el hilo, por el color, por la fibra.  Pero no me interesa desarrollar esa parte intelectual.


¿Qué piensa de los tejidos y tapices de los indígenas peruanos, tan famosos por su creatividad en el color y en las formas?


Como los tejidos peruanos precolombinos, no hay igual en el mundo.  No conozco mucho el tejido contemporáneo en general y criticarlo sería absurdo, porque no lo he seguido mucho.  Yo siento que tengo influencia precolombina.  Cuando yo era estudiante en los Estados Unidos, viendo un libro de tejido precolombino, lo que más me impresionó fue su inventiva en la construcción del tejido.  Entonces, de pronto, yo descubrí que el tejido no era sentarse en un telar y tejer y tejer, sino que había toda clase de posibilidades de invención y que uno se podía liberar completamente del telar.  Ya un nudo en el aire es un tejido.  Eso me estimuló y me instruyó.  Los precolombinos cultivaban el algodón de colores: nacía verde, carmelito...  Eso es un gran misterio. 

 

Después de Olga de Amaral, ¿qué va a pasar con el arte del Tejido, en Colombia?


Ni idea, y no me preocupa mucho.  El que vaya a ser creativo en el tejido, luchará por eso.  También tengo que pensar que el camino de los otros, de pronto, tal vez es el mismo camino mío, sólo que ahora, con un Arte de tantas formas, de tantos aspectos, la gente tiene que tener una formación totalmente distinta, porque todos los parámetros del conocimiento del mundo son muy distintos.  Tal vez, resulte algo maravilloso, en la parte de construcción que es el tejido.

 

Háblenos de su gran colección de tejidos...


Yo tengo muchas ganas de que alguien forme un museo con eso.   Así como los pintores compran pinturas, cuando yo descubro algo, lo quiero poseer y siempre en mis viajes yo compraba textiles que me emocionaban, hasta que llegó un momento en que logré acopiar una enorme colección de cosas fantásticas, de distintas civilizaciones, que conseguí, no porque quisiera tener una colección que valiera, sino por la comunicación que yo lograba con estas piezas.  Un día la colgué y quise formar un museo textil, hace como 25 años, pero para eso uno tiene que dedicarse a hacer estudios e investigación, eso es una cosa inmensa. 

 

¿Y por qué no pensar seriamente en la construcción de un museo, no sólo con su colección de tejidos, sino también con su obra?


Alguien podría hacer eso, pero no voy a ser yo.  Yo lo único que quiero hacer es mi trabajo, aunque me gustaría ver que esas telas tan maravillosas tradicionales y antiguas que tengo cayeran en buenas manos y se pudieran ver.  Son alrededor de 800 textiles, entre los que puedo asegurar que hay unos 50 que son increíbles.

 

¿Alguna vez ha tomado a algún artista como referencia para su obra?


Nunca, y no es lo considere malo, sino que nunca he tenido la sensación de necesitarlo.  Aunque sí me identifico mucho con el Arte Japonés y con su creatividad, porque para ellos el gran arte es el de la cerámica y los tejidos, con todo lo que no es tanto pintura.

 

Grandes tejedores del mundo...

En el año 72, el MOMA, de New York, hizo una exposición, recogiendo el movimiento textil contemporáneo.  Éramos 17 personas del mundo entero, seleccionados por el museo y prácticamente la mitad eran realmente admirables y muy originales.  Era un movimiento nuevo, de salir del tapiz normal de cartón, para la construcción.  Magdalena Abakanowicz, polaca, más escultora que tejedora, es una gran artista.  Y creo que ahora hay muchas buenas tejedoras contemporáneas.

 

¿En su casa tejían? ¿Le tocó ver a su madre tejiendo?


A mamá la vi mucho bordando y cosiendo.  Era una mujer increíble.  Era inventora.  Yo también podría decir que soy como inventora.  Me gusta el invento, más que la originalidad.  Me gustan los puentes, las grandes construcciones, los aviones, lo que sucede.

 

Usted viene de una familia de ingenieros. ¿Alguno de sus antepasados tuvo que ver con ese movimiento textil de comienzos del siglo XX, que le dio tanta gloria a Antioquia?


No creo, aunque tuve unos tíos, Fabio y Pablo Vélez, que fueron los fundadores de Umco y fundaron también una fábrica de textiles que recuerdo mucho, porque tenían telares manuales, en los años 40.  Pero papá, que era egresado de la Escuela de Minas, fue, más bien, industrial. Él tenía una gran visión y tuvo mucho que ver más con el Túnel de la Quiebra , con la fábrica de Cementos Diamante, con Paz del Río.  Él se vino a Bogotá, a comienzos de los 30, por eso yo nací aquí (Bogotá). 

 

Usted ha tenido honores apenas comparables, en Colombia, con los que ha alcanzado Fernando Botero, ¿cuál ha sido el que más la ha estimulado y que la ha hecho sentir que ha valido la pena tanto esfuerzo?


Eso no va conmigo.  A mí no me creen que yo caí en el mundo de mi trabajo, porque me dio mucha felicidad cada paso de avance que yo daba, y además tenía la suerte de que tenía un entusiasmo constante.  Entonces, yo entré en eso, contenta, segura, tranquila.  De eso vivimos y alimentamos a nuestros hijos.  Con eso los educamos, con eso viajamos. Nunca nos ha decepcionado nuestra labor.  Pero a medida que pasa el tiempo, uno profundiza y la cosa se vuelve mucho más compleja.  La verdad es que sí he tenido reconocimientos increíbles, pero esa no es mi vitalidad, que para mí es hacer lo que quiero hacer. 

 

¿A qué mujeres admira, en el Arte Colombiano?


Yo no admiro a la persona, admiro al trabajo.  Yo respeto mucho a Beatriz González, no somos muy amigas, pero me gusta lo que hace.  Me gusta mucho lo que percibo en Doris Salcedo.  Ana Mercedes me cuesta más trabajo, tiene mucho estudio de color, pero me cuesta trabajo el sistema que usa, aunque es totalmente respetable eso de fotografiar y después proyectar, pero me gusta más cuando las cosas salen del fondo.  En María de la Paz , me han gustado épocas, pero no todas.  Freda Sargent me gusta mucho y me parece que no le ha ayudado el ser una extranjera solitaria, a la sombra de Obregón, no sólo como artista sino como personaje.  Queremos mucho a Mónica Meira.  

 

¿Cree que, siendo mujer y de su generación, le ha traído más libertad o independencia para desarrollarse como artista el haberse casado con un extranjero?


No tanto como extranjero, sino como Jim.  Es que Jim es especial.  Él, desde el principio creyó en mí y siempre me ha estimulado.  Por ejemplo, cuando me invitaron a exponer en el Japón, yo no quería ir, porque no me gusta volar, pero él me montó en un avión y me dio todo el ánimo.  A Jim y a mí, además del amor, nos unió la honestidad de cada cual en su búsqueda artística.

 

¿Cómo cree que va el rumbo actual del Arte Colombiano? ¿Cree, como muchos de sus contemporáneos, que el Arte está enfrentando una verdadera entropía?


Todo lo que yo digo son sensaciones, más que estudios y conceptos.  Pero, en mi humilde opinión, cuando uno ve mucha pintura, parece como si fuera un juego, un juego fácil, banal, decorativo.  Pero yo siento que hay una cosa estupenda en eso de ser pintor, que es que así como es exigente, puede que no lo sea para nada.  Tú te puedes mover en el mundo del Arte muy en serio o muy como en un juego.  Lo único importante es el resultado.  El arte conceptual, que cuando es bueno es poesía, también es como muy de diseño. Una persona creativa, con una idea de forma y de diseño, puede armar algo conceptual, con gran facilidad.   El arte conceptual es difícil, por lo fácil.

 

UNA GRAN EMBAJADORA DEL PAÎS

 

De padres antioqueños, Olga Ceballos Vélez (posteriormente, de Amaral) nació en Bogotá, en 1932.  Estudió Diseño Arquitectónico en el Colegio Mayor de Cundinamarca, en Bogotá, y Textiles y Diseño en Cranbrook Academy of Art, Bloomfield Hills, Michigan, Estados Unidos.

Ha sido directora para Latinoamérica, ante el World Crafts Council y directora del taller de textiles en Haystack Mountain School of Crafts, en Maine y el de Penland School of Crafts, en Carolina del Norte.  Fundó en 1965, y dirigió el Departamento de Textiles de la Universidad de los Andes, en Bogotá.  Fue profesora, además, en el California College of Arts & Crafts y en la Universidad de California. 

Fue ganadora de la beca Guggenheim Fellowship, en 1973, y ganó el primer premio en la III Bienal de Arte de Coltejer, en Medellín, en 1972, y el primer premio en el XXII Salón de Artistas Nacionales, en Bogotá.  Ha recibido, además, numerosos homenajes en Colombia, Estados Unidos y Costa Rica.

Su obra se ha presentado en más de 70 exposiciones individuales en Colombia y en ciudades como París y Angers (Francia); Nueva York, Washington, San Francisco, Miami, Chicago, Kansas City, Cleveland, Albuquerque, Michigan, Indianápolis, Fresno y Santa Fe (USA); Tokio (Japón); Melbourne y Sidney (Australia); Venecia (Italia); Lausana (Suiza); Dormagen y Heidelberg (Alemania); Belén (Portugal) Caracas y Carabobo (Venezuela); Lima (Perú); Quito y Guayaquil (Ecuador); y en más de 80 muestras colectivas en Colombia, Estados Unidos, Francia, Alemania, Dinamarca, Italia, Suiza, Holanda,  Noruega, Polonia, Nueva Zelanda, Japón y Venezuela.

Ha sido ponente y conferencista en importantes escenarios del mundo.  Seguros Bolívar publicó el libro “Olga de Amaral: El manto de la memoria”, acerca de sus creaciones artísticas, y también se han impreso muchas publicaciones nacionales e internacionales sobre las mismas.  Su obra está presente en más de 80 colecciones públicas y museos, en todo el mundo.

Por Sergio Esteban Vélez - Publicado en: Entrevistas


Llegan al Museo de América los envoltorios funerarios de las momias precolombinas

17 Sep, 2009 | Publicado por Redacción | Categorías: Exposición Recomendada | Imprime esta noticia Imprime esta noticia

Detalle  figurativo de un manto, Museo de AméricaMantos para la eternidad: Textiles Paracas del antiguo Perú.

El próximo miércoles, 23 de septiembre, el Museo de América inaugura la exposición: Mantos para la eternidad: Textiles Paracas del antiguo Perú. Esta muestra exhibe una espléndida colección de 82 piezas que constituyen parte de los ajuares de los fardos funerarios de la milenaria cultura Paracas, que se desarrollo en la costa sur, procedentes de los fondos del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú y del Museo Regional de Ica.

Esta es la primera vez que en España se realiza una exposición relativa a los espectaculares mantos Paracas, que por su belleza, tamaño y estado de conservación, gracias al clima seco de la región, constituyen uno de los grandes tesoros del patrimonio precolombino peruano, de ahí que la muestra madrileña represente una gran oportunidad de darlos a conocer al público español. La exposición, ya fue presentada el pasado año en las salas del Museo del Quai Branly de París, donde despertó un gran interés.

Esta cultura, que alcanzó su esplendor entre los años 100 a.C. y 200 d. C, en la península de Paracas, en la costa sur de Perú, fue descubierta por el arqueólogo Julio Tello, -considerado hoy como el padre de la arqueología peruana-, en 1925, comenzando el estudio de la misma tras desenterrar más de cuatrocientos fardos funerarios en la necrópolis de Wari Kayan, ubicada en la localidad de Cerro Colorado, en Paracas. Tello y su equipo establecieron dos fases culturales distintas, a las que llamaron “Paracas-Cavernas”, fechada desde el 400 al 100 a. C., y su sucesora “Paracas-Necrópolis”, entre los siglos 100 a. C. al 200 d. C., en base a las características de los materiales culturales descubiertos y la tipología del enterramiento.

Cerámica para alimentos, Museo de AméricaEn Paracas, como en todas las civilizaciones andinas, los textiles desempeñaron un papel muy significativo, y resultaron el soporte de un elaborado proceso ritual mortuorio, que alcanza su mayor esplendor en los enterramientos de los miembros de mayor rango social  De ahí la cuidada elaboración de los llamados fardos funerarios, en los que el fallecido era sometido a un proceso de envoltura y posterior ubicación en su tumba, en la necrópolis de Wari Kayan,  acompañado de múltiples ofrendas que le facilitarían su existencia post mortem: cerámicas con alimentos, armas y objetos de orfebrería, se acompañaban de diferentes prendas de vestir como turbantes, tocados, camisas, faldas y mantos, de gran riqueza material y ornamental, cuyo tamaño abarca desde el de las prendas reales, hasta el de prendas en miniatura o mantos de gran proporción. Además, los individuos de mayor rango social, no sólo recibían un mayor número de ofrendas, sino que cada determinado tiempo eran desenterrados para ponerles más capas de tejidos -hasta tres-, que se iban superponiendo al núcleo inicial, alcanzando por todo ello un bulto cónico de gran altura.

La riqueza y complejidad de todos estos tejidos, entre los que destacan los mantos, nos llama hoy la atención tanto por sus dimensiones, estado de conservación, diseño e iconografía, como porque nos hablan de una sociedad en la que la división social del trabajo permitía a una parte de la población dedicarse a la producción textil en todo su complejo proceso, desde el hilado y la confección de tejidos, hasta el teñido y los bordados, constituyendo una actividad artesanal muy desarrollada y especializada, que requirió del establecimiento de talleres en los que seguramente trabajaron un buen número de tejedoras.

La iconografía de los mantos presenta igualmente la imagen de unos personajes, a veces antropozoomorfos, que exhiben numerosos utensilios y báculos, símbolo del poder, junto con guerreros que portan cuchillos y cabezas cortadas , rodeados a menudo por serpientes bicéfalas y otras representaciones más o menos naturalistas de plantas, animales o figuras geométricas.

Manto funerario, Museo de AméricaLas telas de algodón y fibra de camélido, forman parte de las primeras evidencias de su elaboración en todo el continente americano. Bordadas en diferentes grupos de color que se alternan, conectan con la naturaleza y el mundo sagrado, y nos hablan de su mitología y creencias, por lo que tienen un carácter simbólico y  sagrado que conecta con la cosmovisión de  esta cultura.

La muestra del Museo de América de Madrid, que está comisariada por la conservadora del Museo, Ana Verde Casanova, permanecerá abierta al público hasta finales del próximo mes de febrero de 2010, y está patrocinada por el Ministerio de Cultura y la Embajada de Perú en España.

Museo de América. Ciudad Universitaria: Avda. Reyes Católicos, número 6.  Madrid
(Junto al faro de Moncloa, aparcamiento gratuito).

http://www.revistadearte.com/2009/09/17/llegan-al-museo-de-america-los-envoltorios-funerarios-de-las-momias-precolombinas/


Los humanos tejían fibras de lino hace 30.000 años

Unos arqueólogos descubren en Georgia las más antiguas cuerdas teñidas de colores

A.R. - Madrid - 10/09/2009

Con lino que crecería de forma salvaje en su entorno, los humanos primitivos, al menos los de la región de la actual Georgia, eran capaces de tejer fibras, hacer nudos en ellas y posiblemente coser pieles, montar herramientas o hacer paquetes que facilitarían los traslados de aquellos grupos prehistóricos de cazadores-recolectores. Incluso teñían esas fibras de colores. Un equipo internacional de arqueólogos ha descubierto lo que ellos definen como las fibras más antiguas utilizadas por la humanidad, que se sepa, con unos 30.000 años de antigüedad. Ellos han encontrado los restos microscópicos de estas fibras en una cueva a pie del Cáucaso, en Georgia. "Esto fue una invención crítica para los humanos primitivos. Pudieron utilizar estas fibras para crear piezas de ropa, cuerdas o cestos... cosas utilizadas en las actividades domésticas", explica uno de los investigadores, Ofer Bar-Yosef, del Museo Peabody de la Universidad de Harvard.

Yacimiento de Dzudzuana
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Entrada de la cueva de Dzudzuana, en Georgia, donde se han encontrado fibras de lino tejido de hace 30.000 años- SCIENCE/AAAS

La noticia en otros webs

Las fibras, hoy inapreciables a simple vista, han sido descubiertas al analizar con microscopio unas muestras de arcilla extraídas de diferentes capas de la cueva de Dzudzuana. El hallazgo ha sido completamente inesperado porque los investigadores estaban analizando las muestras de arcilla en busca de restos de polen para conocer las fluctuaciones de la temperatura en aquellos tiempos y las condiciones ambientales.

Eliso Kvavadze y sus colegas presentan su descubrimiento de las fibras en la revista Science.

"Algunas de estas fibras están coloreadas y parece haber sido teñidas", explican. Estos arqueólogos recuerdan que había diferentes pigmentos naturales accesibles, con colores variados: amarillo, rojo, azul, violeta, negro, marrón, verde y ocre. "Las fibras teñidas parecen indicar que los habitantes de la cueva producían textiles de varios colores", comentan.

En parte de las fibras halladas (787 fragmentos de diferentes longitudes en una de las muestras) se han identificado nudos, otras estaban retorcidas como para hacer cuerdas, y algunas parecen tejidas. El rastro más antiguo que se tenía hasta ahora de fibras prehistóricas se halló en un pequeño objeto de arcilla de hace 28.000, recuperado en un yacimiento de la República Checa.

Este tesoro textil es especialmente llamativo por su antigüedad, pero el equipo de Kvavadze ha encontrado más fibras de lino en otros niveles del yacimiento, de hace 21.000 y 13.000 años.

Tomado de http://www.elpais.com

Science Vol. 325. no. 5946, p. 1359 DOI: 10.1126/science.1175404




Auge del arte textil
  • WILTON, Connecticut, 03 de septiembre 2009 / PRNewswire /  Tom Grotta, director de artes browngrotta, en Wilton, Connecticut, sonrió cuando se le preguntó por la reciente oleada de interés por el sector textil en los circuitos del arte contemporáneo por los diseñadores, conservadores de museos y coleccionistas.  Grotta ha estado promoviendo los textiles contemporáneos y las esculturas hechas con fibras, a traves de exposiciones y consultorías, catálogos, asesorías a diseñadores y clientes durante mas de 20 años .  Sabía que esa pregunta era un reconocimiento que se le hacia;  más importante ahora que mucha gente ha tenido la oportunidad de aprender  y conoce de esta forma de arte. "People are exposed to this medium for the first time and they are captivated by it," dijo Grotta. "El trabajo es muy interesante y poco usual.  Todo es maravillosamente hecho a mano y fabricado con materiales que atraen mucho a la gente".
Grotta anota que la asistencia a las últimas exposiciones  de tapicería, tejido, bordado de colchas  en el Metropolitan, el Museo de Artes y Diseño y el Museo Whitney de Nueva York, ha batido récords;  lo que pruebe  la creciente popularidad del movimiento. Los edredones sorprendentemente modernos de Gee's Bend, Alabama, recorrió el país y fueron vistos por decenas de miles de museumgoers.  David Revere McFadden jefe curatorial del Museo de Artes y Diseño de Nueva York ha señalado "Hoy en día, los artistas masculinos y femeninos en todo el mundo están usando técnicas de costura para abordar las cuestiones personales y globales en una sorprendente variedad de pictóricas, escultóricas, arquitectónicas e incluso aplicaciones",

¿Qué explica el aumento de la popularidad?   El trabajo es muy accesible, sugiere
Grotta. ". "Las obras de arte textil son tridimensionales, rara vez aparecen detrás de vidrio y, a menudo, tienen una calidad tangible", dice. Jean Efron asesora de artes de Efron Art Consultants, LLC en Washington, DC, ha puesto a varios productos  importantes de arte textil en las oficinas y edificios comerciales.  Ella busca las obras de fibra que son innovadoras y excitantes y creadas por los artistas principales en el campo. " El Arte textil y de la escultura de fibra añade otra dimensión a las colecciones de arte contemporáneo", dice Efron...

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Museos de textiles e indumentaria en Barcelona
08-09-2009 | 

Barcelona es la capital de la cultura por excelencia. Si bien ya hemos comentado sobre varios de los museos más famosos y extraños de Barcelona, todavía nos quedan unos cuantos por ofrecer.

Por ejemplo, hoy hablaremos del Museo Textil y de la Indumentaria y el Museo Barbier-Mueller de Arte Precolombino, dos museos con temáticas totalmente diferentes pero ambos muy interesantes. Los dos museos se sitúan en la calle Montcada, la calle medieval de Barcelona por excelencia.

En el primero, en el Museo Textil y de la Indumentaria, el grueso de los fondos está formado por una gran colección de ropa femenina que muestra la evolución de la moda desde el siglo XVIII casi hasta nuestros días. Es una interesante exposición que nos llevará a reflexionar sobre la importancia de la moda en la cultura y viceversa. Además, el museo, también expone bonitos ejemplos de tejidos coptos e hispano musulmanes.

Por otro lado, el Museo Barbier-Mueller de arte precolombino, tal como el mismo nombre lo expresa, trata de una temática totalmente diferente. Se trata de una muy interesante presentación de las civilizaciones de
América Latina antes del descubrimiento y posterior colonización de los españoles. A través de numerosos objetos, la exposición nos dará una idea general del arte precolombino.

El museo guarda relación con el Barbier-Mueller de Ginebra y por desgracia tan sólo presenta una pequeña parte de la famosa colección. Además, los objetos que se exponen cambian con frecuencia.

En fin, Barcelona es casi la ciudad de los mil museos. Sus calles céntricas están llenas de edificios que albergan exposiciones, tanto temporales como permanentes, de todo tipo de temáticas. En los museos de Barcelona se mezcla el arte, la curiosidad humana y el conocimiento, una mezcla que hace que en Barcelona todo ser humano encuentra su museo de culto.

Si se va a Barcelona, recomendamos que se intente mirar la guía de museos y que tras encontrar el que a uno le pueda interesar (pues seguro que lo encuentra), lo visite. Barcelona es la ciudad cosmopolita, es la ciudad que acoge a todos los seres humanos, a todos los gustos, resumiendo, es la ciudad de la humanidad entera y eso, aunque parezca mentira, se ve en los museos.

Tomado de:  http://sobrebarcelona.com/




 





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