Clásicos del Diseño Gráfico

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Estilos del Siglo XIX

Art Nouveau

publicado a la‎(s)‎ 26/9/2011 13:07 por Juan Carlos Lazo   [ actualizado el 6/2/2013 13:57 ]


Philip Meggs

El Art Nouveau fue un estilo decorativo internacional que prosperó durante las dos décadas (ea. 1890-1910) que envolvieron el final del siglo. Comprende todas las artes del diseño, arquitectura, diseño de mobiliario y productos, moda y gráficas, y, por consiguiente, abarcó todos los aspectos del entorno hechos por el hombre: carteles, empaques y anuncios; teteras, platos y cucharas; sillas, marcos de puertas y escaleras; fábricas, entradas del subterráneo y casas. 

La calidad visual que identifica al Art Nouveau es una línea orgánica en forma de planta. Liberada de raíces y gravedad, puede ondular con energía cambiante o fluir con gracia elegante a medida que define, modula y decora un cierto espacio. Las ramas de las enredaderas, las flores (como las rosas y lirios), las aves (particularmente pavos reales) y la forma de la mujer fueron motivos frecuentes desde los cuales fue adaptada esta línea fluida.

Degradar al Art Nouveau como una decoración superficial es ignorar la importancia de su papel en la evolución de todos los aspectos del diseño. El Art Nouveau es el estilo transicional que evolucionó a partir del historicismo que dominó al diseño la mayor parte del siglo XIX. Al remplazar al historicismo, que usaban de manera casi servil las formas y estilos pasados en vez de la invención de formas nuevas para expresar el presente, con innovación, el Art Nouveau se convirtió en la fase inicial del movimiento moderno, y preparó el camino para el siglo XX borrando del diseño este espíritu del pasado. 

Ideas, procesos y formas en el arte del siglo XX son testimonio de esta importancia catalítica. La arquitectura moderna, el diseño gráfico e industrial, el surrealismo y el arte abstracto tienen sus raíces en la teoría y conceptos fundamentales del Art Nouveau. En las gráficas del Art Nouveau, los movimientos lineales orgánicos, frecuentemente dominan el área espacial y otras propiedades visuales, como el color y la textura. En los inicios del diseño tridimensional con frecuencia los ornamentos fueron sólo elementos decorativos aplicados a la superficie de un edificio u objeto, pero en el Art Nouveau los objetos, las formas básicas y contornos fueron formados por, y evolucionaron con, el diseño de los ornamentos.

Éste fue un nuevo principio de diseño que unificó a la decoración, estructura y función proyectada. Como las formas y líneas del Art Nouveau a menudo fueron inventadas en vez de copiadas de la naturaleza o del pasado, ocurrió una revitalización en el proceso de diseño que apuntó hacia el arte abstracto. 

Tal vez el genio seminal del movimiento fue el arquitecto belga barón Victor Horta (1861-1947). Su casa de campo para Emile Tassel de 1892 fue unificada por las redes curvilíneas zarcillosas diferentes de cualquier cosa  vista hasta ese entonces en Inglaterra o en el continente europeo. " 

Durante este periodo hubo una estrecha colaboración entre los artistas visuales y los escritores. El movimiento francés simbolista en la literatura de las décadas de 1880 y 1890, con su rechazo del realismo a favor de lo metafísico y sensual, fue una influencia importante y condujo a los artistas hacia actitudes simbólicas y filosóficas. En una era de escepticismo con un racionalismo científico en aumento y creencias religiosas tradicionales y normas sociales bajo asalto, el arte era visto como un vehículo potencial para un muy necesario rejuvenecimiento. El nacimiento, vida y muerte; crecimiento y decaimiento se convirtieron en temas a considerar. La complejidad de esta época y su movimiento han permitido interpretaciones contradictorias: debido a su decoración algunos observadores consideran al Art Nouveau como una expresión de la decadencia del siglo XIX; otros, sin embargo, debido a la búsqueda del Art Nouveau de valores estéticos y espirituales, lo consideran como una reacción contra la decadencia y materialismo de la época. 

Los diseñadores gráficos e ilustradores del Art Nouveau intentaron hacer del arte una parte de la vida cotidiana. Sus estudios en las finas artes los habían educado en las formas del arte y métodos desarrollados principalmente por consideraciones estéticas. Al mismo tiempo adoptaron entusiastamente las técnicas del arte aplicado que habían evolucionado con el desarrollo de los procesos de impresión comercial. Como resultado, pudieron mejorar en forma significativa la calidad visual de las comunicaciones en masa. El carácter internacional del Art Nouveau fue acelerado por los avances en la tecnología de transportación y comunicaciones. El contacto entre los artistas y varias naciones por medio de la comunicación impresa y exposiciones internacionales, permitieron que ocurriera una fertilización cruzada. La mayoría de las publicaciones de arte de la década de 1890 sirvieron para este propósito, al tiempo que se introducía el nuevo arte y diseño a un público mayor. 

Las numerosas fuentes a menudo citadas para el Art Nouveau son difusas y de amplia variación. Ellas incluyen el libro de ilustraciones de William Blake, ornamentos célticos, el estilo Rococó, el Movirniento de las Artes y los Oficios, la pintura anterior a Rafael (pre-rafaelismo), el diseño decorativo japonés y las impresiones en bloques de madera del ukiyo-e. Una importante inspiración también llegó de la pintura de la década de 1880, la cual había sucumbido al hechizo asiático. Las formas ondeantes de Vincent van Gogh (1853-1890), el contorno orgánico estilizado y de colores pasteles de Paul Gauguin (1848-1903) y el trabajo del grupo Nabis de jóvenes artistas desempeñaron un papel importante.

El grupo Nabis exploró el color simbólico y los modelos decorativos, y concluyó que una pintura era, en primer lugar, un arreglo de color en patrones de dos dimensiones. 

Tomado de: Meggs, Philip B. Historia del Diseño Gráfico, tercera edición; McGraw Hill, México 1998.

Referencias: Jules Cheret, Alphonse Mucha, Gustav Klimt.

Más referencias: HDG Art Nouveau y Art Decó, HDG Historia del Cartel, HDG Ukiyo-e.

Jules Cheret
Jules Cheret, Les Pays des Fées, 1889.

Ramon Casas
Ramón Casas, Théatre de l'Opéra, 1900.

Eugène Grasset
Eugéne Grasset, 1894

Aubrey Beardsley
Aubrey Beardsley, 1890

Steinlen
Théophile-Alexandre Steinlen, 1897

Beggatstaffs
The Beggarstaffs

Toulouse Lautrec
Henry de Toulouse Lautrec, 1892

Alphonse Mucha
Alphonse Mucha, Calendario de Jabonería, 1898

Will Bradley

Will Bradley, The Chap Book, 1895


Ukiyo-e

publicado a la‎(s)‎ 26/9/2011 13:06 por Juan Carlos Lazo   [ actualizado el 16/10/2011 9:02 ]

El incremento en el comercio y las comunicaciones entre los países asiáticos y europeos durante los últimos años del siglo XIX causaron una colisión cultural; tanto el este y oeste experimentaron cambios como resultado de influencias recíprocas. El arte asiático proporcionó a los artistas y diseñadores europeos y estadounidenses nuevos enfoques del espacio, color, convenciones de dibujo e importancia del tema, los cuales fueron radicalmente diferentes de las tradicionales del occidente. Esto revitalizó el diseño gráfico durante la última década del siglo XIX.

Ukiyo-e significa "imágenes del mundo flotante" y define un movimiento artístico del período Tokugawa japonés (1603-1867). Esta época fue la fase final de la historia tradicional japonesa; fue un tiempo de expansión económica, estabilidad interna y florecientes artes culturales. Temeroso del efecto potencial de la expansión colonial europea y de los misioneros cristianos sobre la cultura japonesa, el sogún (un gobernador militar cuyo poder excedía al del emperador) emitió tres decretos en la década de 1630 que excluía a los extranjeros y adoptó una política de aislamiento nacional. Los ciudadanos japoneses fueron excluidos de los viajes a ultramar o regresados del extranjero; el comercio exterior fue restringido. Sólo los comerciantes holandeses y chinos podían arribar al puerto marino de Nagasaki. 

Durante este período de aislamiento nacional, el arte japonés adquirió un singular carácter nacional con muy pocas influencias externas. Ukiyo-e mezcló las narrativas realistas de emaki (pergaminos de imágenes tradicionales) con influencias de diseño de arte decorativo. 

Los primeros trabajos ukiyo-e fueron pantallas pintadas que representaban los distritos de entretenimiento, llamados "el mundo flotante" de Edo (Tokio moderno) y otras ciudades. Escenas y actores de las presentaciones teatrales Kabuki, reconocidas cortesanas y prostitutas y temas eróticos, fueron los primeros temas de estos trabajos. Los artistas de ukiyo-e rápidamente adoptaron la impresión en bloques de madera. Hishikawa Moronobu (1618-1694) es ampliamente respetado como el primer maestro del estilo de impresión ukiyo-e. A mediados del siglo XVII, Moronobu se dedicó a ilustrar libros, usando técnicas de grabado chinas con los que logró llegar a un público numeroso. Además de actores y cortesanas, su trabajo presentaba la vida cotidiana de gente ordinaria, incluyendo escenas de calles atestadas y vendedores ambulantes. Los grabados sobrepasaron en importancia a las pinturas en las pantallas, pues los artistas explotaron el creciente interés en las imágenes que representaban la vida urbana. 

Las impresiones de grábados de bloques .de madera japonesas se realizaban con la colaboración cuidadosa de editores, artistas, talladores de bloques e impresores. Los editores financiaban la producción de una impresión y coordinaban el trabajo de los otros tres socios. El artista proporcionaba un dibujo separado por cada color. Después todos se pegaban en los bloques de madera y el negativo o áreas negras se cortaban, destruyendo el dibujo original en el proceso. Una vez que todos los bloques para una impresión estaban cortados se iniciaba la impresión. Para ello se usaban a base de agua y mezclas que requerían gran habilidad y velocidad por parte de los impresores. Sólo después de que todos los colores se imprimían el artista podía ver el diseño por completo: 

Trabajando dentro de una tradición cambiante, multitudes de artistas japoneses diseñaron excelentes impresiones de bloques de madera; varios hicieron importantes contribuciones. al género. Okumura Masanobu (1686-1764) fue de los primeros artistas que cambiaron los grabados coloreados a mano de un solo color por las impresiones a dos colores; él experimentó con la impresión en relieve, tintas poco comunes, y la aplicación de polvo de oro y plata espolvoreado en la tinta que contenía pegamento. Después de apreciar los grabados holandeses, en 1740 Masanobu experimentó con la perspectiva lineal en vez de la isométrica comúnmente encontrada en el arte japonés. En 1765, Suzuki Harunobu (ea. 1725-1770) introdujo impresiones a todo color a partir de numerosos bloques, cada uno impreso en un color diferente. 

Los contemporáneos de Kitagawa Utamaro (ea. 1753-1806) lo reconocieron como artista sin rival en la realización de retratos de belIas mujeres; se le considera el poeta supremo de la impresión japonesa. Su devoción por la observación de la naturaleza resultó en impresiones de insectos, aves, flores y mujeres que poseían una gran belleza y sensibilidad. Las imágenes de las bellezas más reconocidas de Edo fueron identificadas por su nombre. En contraste con los estereotipos repetitivos de la belleza convencional Utamaro transportaba los sentimientos subjetivos del sujeto, los cuales percibía observando con cuidado sus expresiones físicas, gestos y estados de ánimo. 

El más reconocido y prolífico artista del periodo ukiyo-e fue Katsushika Hokusai (1760-1849), quien produjo un estimado de 35.000 trabajos durante siete décadas de continua creación artística. El trabajo de Hokusai abarcó la proyección de los temas de ukiyo-e: impresiones de álbumes, escenas de obras literarias, eventos históricos, ilustraciones para novelas, series de paisajes incluyendo vistas de ríos, montañas, cascadas y puentes; estudios de la naturaleza de flores, aves, conchas y peces; pinturas en seda, libros de bocetos e impresiones por encargo privadas para ocasiones especiales, llamadas surimono. Sus libros de modelos para artistas amateurs fueron muy populares, como lo fueron sus caricaturas de ocupaciones, costumbres y comportamiento social. 

Ando Hiroshige (1797-1858), un rival de Hokusai, fue el último gran maestro de los grabados en madera japonés. Su brillante composición espacial y su habilidad para capturar los momentos transitorios del paisaje, inspiraron a los expresionistas europeos. En la serie "Cincuenta y tres etapas del Tokaido", Hiroshige ilustró las 53 estaciones de paso a lo largo del Camino del Este desde Edo a Kyoto, capturando las variaciones sutiles de luz, atmósfera y temporada (la serie completa se la encuentra en wikipedia). No solamente observaba y capturaba el esplendor poético de la naturaleza sino que lo. relacionaba con las vidas de la gente ordinaria. Esto se puede observar en las brillantes composiciones espaciales de la serie "Lugares Famosos en Edo:  cien vistas"

Hasta aquí tomado de: Meggs, Philip B. Historia del Diseño Gráfico, tercera edición; McGraw Hill, México 1998

Referencias: Japonismo; Museo Oriental; Katsuchika Hokusai
Películas que pueden servir de referencia sobre el siglo XIX y principios del XX en Japón: Memorias de una Geisha, El último Samurai.


Hishikawa Moronobu
Hishikawa Moronobu, 1680 aprox.

Kabuki
Ichikawa Danjūrō I en el papel de Takenuki Gorō (hacia 1700), de Torii Kiyomasu (teatro Kabuki)

Nishiki-e

Impresión en color (nishiki-e), mediados del siglo XVIII (teatro Kabuki)

La cortesana Somenosuke
La cortesana Somenosuke, de la casa Matsubaya, paseando con sus dos “kamuro” o ayudantes. Grabado ukiyo-e. Obra de Utamaro (1753-1806). Publicado por Murataya en 1789.

Teatro Kabuki
Segawa Rokō IV como Tomoe-gozen (1800), de Utagawa Toyokuni (teatro Kabuki)

Bajo una ola en altamar en Kanagawa
La gran ola de Kanagawa (1830 - 1833), grabado de Katsushika Hokusai, Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Hiroshige Atake sous une averse soudaine
El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857), de Utagawa Hiroshige, Brooklyn Museum of Art, Nueva York.

Influencia en el Arte Occidental

Claude Monet
Claude Monet, 1876

Lautrec
Toulouse Lautrec 1894

Van Gogh
Vincent VanGogh “Serie japonesa: Puente en la lluvia-después de Hiroshige”, 1887

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