Enseignement de Musique (Ile Maurice)

Présentation
 
Fusion Enseignement est un institut d'enseignement de musique consacré à la musicothérapie,
fondé en juin 2010 par Jacques-Yony CORNET (ethnomusicologue, musicothérapeute, enseignant-chercheur)



Historique
 
De l'orient à l'occident, du nord ou du midi, des continents aux îles, du classique au contemporain,,
au fond de toute cette science ethnique ou culturelle, j'ai été surtout profondément marqué par le
lien qui nous rapprochait faisant de nous des enfants du monde,,
la musique au cœur de l'humanit
é..

Yony 
Pédagogie

La pédagogie c'est de rester à l'écoute de l'élève et surtout de mettre en avant ce qui le touche,,
ce qui lui parle,, ce qu'il souhaite..
Tout est orienté à partir de ses origines, de sa culture,  de son vécu et de sa vision..
La pédagogie reste simple, lucide, ouverte, permettant ainsi à l'élève de s'exprimer et de s'épanouir...


 
Orientation

La musique est ta voie,, ton rêve d'enfant?
Les univers musicaux les plus larges seront explorés pour éduquer l'oreille musicale et t'inviter à exprimer tes influences.
Un rythme léger et aménageable contribuera à cette approche progressive.

Pédagogique et respectueuse de la  sensibilité de chacun, afin de repérer ton vrai potentiel et de te proposer le cas échéant un programme adapté à tes dispositions.


 
Les cours de formation instrumentale  
 
Instrument de base :
Voix, piano, guitare, flûte

Instrument Ethnique :
bansuri, kalimba, cora
 

Les modules

 
Enseignement Artistique Spécialisé

-Formation musicale
-Culture musicale
-Harmonie
-Orchestration
-Musique d'ensemble
-Improvisation

Professionnalisation du Musicien
1) Présenter son projet
2) Droit d'exploitation
3) Organiser un spectacle
4) Communiquer
5) Se présenter sur le web
6) Travailler en réseau

Découverte
Composition, Arrangement et Interprétation Musicale
Approche Ethnomusicologique
Ethnomusicologie comparé, ethnomusicologie metissé

Création
Musique, Origine et Métissage

Musicothérapie

Musique et santé


Nos Formules et tarifs

Abonnement libre ( cours privé )

Abonnement libre
à partir de 500rs la session d'1hr, sans d'engagement de durée

Frais d´entrée : 1 mois d´avance soit (4x500rs)


Nous contacter
 
FUSION Enseignement
Ile Maurice
couriel  : jacquescornet12@yahoo.com



 Les Bienfaits de la Musique



Musicothérapie
C'est une thérapie douce qui agit directement sur le système nerveux afin de décroître la saturation excessive de ses cellules.
Il y a déjà longtemps que la musique est utilisée à des fins thérapeutiques. Un des grands pionniers en ce domaine fut le regretté Dr Alfred Tomatis (1920-2001) qui fut le père de la méthode APP (Audio-Psycho-Phonologie), plus connue sous le nom de «Méthode Tomatis».
La musicothérapie agit sur l’oppression, la tension, les angoisses, l'insomnie, la fatigue, la dépression.. Ces symptômes sont causés par les saturations démesurées des cellules du cerveau cognitif(sanctuaire du stresse) se situant sous les deux hémisphères,, l'émission de fréquences douces agit à l'apaisement de cette partie inférieure du cerveau.
On utilise pour cela des fréquences sonores à nuances douces émises par des instruments organiques tels que la voix, le bambou, les pierres & graines sonores, le clocher, les membranophones et autres instruments de synthèse modernes.

La musicothérapie est une des composantes de l'art-thérapie.
Elle consiste en une utilisation judicieuse de la musique comme outil thérapeutique de base, pour rétablir, maintenir ou améliorer la santé mentale, physique et émotionnelle d'une personne.

Elle résulte de l'interaction entre le patient, la musique et le musicothérapeute. Parler de musicothérapie, c'est parler de communication.

Le musicothérapeute qui agit dans le domaine du non verbal, cherche à atteindre la sphère émotionnelle du destinataire, à ouvrir des canaux de communications, à provoquer, à l’aide de stimulai sonores, un état émotionnel agréable, réconfortant, voire perturbant, propice à l’ouverture sur soi et sur les autres, pouvant permettre de lutter contre certaines douleurs, certains mal-être.

De nos jours, la musicothérapie fait l'objet de travaux scientifiques approfondis qui lui ont permis de prendre place dans de nombreux Centres Hospitaliers comme thérapeutique complémentaire ou à part entière.



Musicothérapie receptive

Priorité à la musique en direct et à l’improvisation

En musicothérapie réceptive, il est souvent utilisé de la musique enregistrée, qui a pour avantage de pouvoir être très variée, et ne demandant pas au thérapeute des compétences instrumentales longues et difficiles à acquérir.

Mais la musique jouée en direct possède des atouts irremplaçables.

Du point de vue vibratoire

La musique enregistrée n’est actuellement pas capable de reproduire la totalité des harmoniques, c’est- à -dire la composante exacte du timbre de la voix ou des instruments. C’est ce qui explique que le son, même sur une très bonne chaîne stéréo, ne peut se confondre avec le son du même instrument ou du même orchestre jouant en direct dans la même pièce.

Du point de vue de la souplesse

Ne laissant aucune place à l’improvisation, la musique enregistrée ne peut en aucun cas s’adapter sur l’instant à l’état émotionnel du patient, changer de rythme, de tonalité, de nuance ou de tempo, introduire des silences...

Du point de vue de l’émotion

En direct et en acoustique, la musique est une expression de l’instant, réelle dans son rapport spatio-temporel. Elle permet la création d’une véritable intimité sensorielle entre l’acteur musicien et l’acteur auditeur.


Musicothérapie active

Utilisation de petites percussions et instruments mélodiques spécifiques

Les petites percussions et les instruments mélodiques spécifiques utilisés en musicothérapie sont des instruments abordables par tous. Chacun permet une manipulation basique ou plus fine. Ne nécessitant pas obligatoirement une technique difficile, ils peuvent être utilisés dans l’expression, l’échange et la communication, dans un rythme commun ou complémentaire, dans des alliances de timbre et de nuances entre elles ou avec la contrebasse.

La voix
Utiliser la voix différemment que dans un chant, travail sur des intonations, des rythmes, des couleurs. Améliorer la conscience corporelle par le travail sur la respiration.


Musicothérapie et Grossesse
Au-delà de l'utilisation de la musique en salle de travail, la musicothérapie entre véritablement dans la préparation à la naissance. Elle stimule les perceptions auditives de l'enfant, calme douleurs et stress chez la maman, permet d'établir une communication unique et privilégiée entre la mère et son enfant..


Ce que l’enfant perçoit

Au début, dès la septième semaine de grossesse, le fœtus peut percevoir la vibration des sons avant même la formation de l’appareil auditif, grâce aux os de son crâne, le bassin de la maman servant de résonateur. Ensuite, durant toute la grossesse, les hautes fréquences sont filtrées par les muscles et le liquide, et seules les basses fréquences viennent vibrer contre les corpuscules tactiles de la bouche et des mains du bébé, comme une ficelle à laquelle on impulserait de lentes et fortes ondulations. Renforcées par la caisse de résonance utérine, elles viennent caresser sa bouche. L’émotion est si forte que son coeur s’accélère, il s’étire, tourne la tête, suce son pouce ou gambade.

De plus, le fœtus réagit non seulement aux stimulations qui viennent de l'extérieur, mais aussi, par voie hormonale, aux émotions de sa maman.

Ainsi, après la naissance, l'enfant est capable de reconnaître un morceau de musique ou une voix auquel on l'aura familiarisé durant la grossesse. A son audition, il se calme ou manifeste un intérêt. Par ailleurs, les sons aux fréquences très basses facilitent l'endormissement de l'enfant dans les mois qui suivent la naissance. L’expérience a été faite en milieu hospitalier aboutissant à un bon pourcentage d’endormissement des tout-petits.

Au bénéfice de la maman

Chez la maman, l'émission régulière de ce type de sons aide à maintenir un souffle expiratoire plus long et plus aisé qu'une respiration ordinaire, ce qui développe la capacité respiratoire et l'oxygénation, capitales au moment de l'accouchement. La production de sonorités graves peut diminuer la durée du "travail" de deux à quatre heures : l'utérus, mieux oxygéné, est plus fonctionnel. La femme est détendue, l'ouverture du col de
l'utérus est donc accélérée. En outre, l'expiration freinée au moment de l'expulsion permet une meilleure maîtrise de la douleur et peut éviter le recours à l'épisiotomie.


La musicothérapie peut intervenir suivant ces axes :


• Etablir une relation complice entre la maman et son enfant.
Ecoute dirigée de musique composée à cet effet, jouée en direct, à la contrebasse.
Ecoute d'enregistrements.
Pratique de chant pré-natal (l'enfant ne jugera pas vos qualités vocales, il entendra la voix de sa mère).
Travail sur la relation mère enfant, maîtrises des vibratoires.
Paroles des femmes sur leur enfant à naître illustrées avec des "bruitages" sur l'instrument.
Possibilité de participation du papa aux séances, relation affective triangulaire entre les parents et le bébé.

• Se relaxer, se détendre
Exercices de relaxation et de respiration afin de décharger les tensions nerveuses.
Exercices de respiration abdominale en tempo.
Mouvements alliés à des musiques jouées en direct en relation avec des boucles rythmiques précises.
Émission de sons apaisants.

• Préparer son accouchement.
Exercices vocaux améliorant l'oxygénation de l'utérus, pour une facilitation du travail.
Travail sur le souffle, complémentaire des cours de préparation à l'accouchement.

• Post accouchement.
Apprentissage d'exercices vocaux pour aider à renforcer le périnée.
Utilisation du CD enregistré à cet effet, permettant de calmer et d'endormir les tout-petits.
Utilisation du CD pour retrouver des moments privilégiés avec votre bébé.
Utilisation d'outils simples, pour entretenir et parfaire le goût pour la musique chez votre enfant.
Écoute d'un morceau en fin de séance qui servira d'outil référent pour l'endormissement du nourrisson.
Pour un résultat optimum, les séances (1 fois par semaine ou plus) doivent être suivies avec assiduité, le plus longtemps possible.



Quelques références d’ouvrages et d’articles

• Conférence Internationale pour la Perception et la Cognition Musicales Université de Liège.
• L'audition chez les poupons Isabelle Martin
• La sensorialité foetale Jean-Pierre LECANUET
• Assertorisme et états fusionnels Dr JP Gervaisot
• Bienfaits de la musique thérapeutique en périnatalité Sandra Mignot


Musicothérapie et Autisme
Définition de l’autisme

L'autisme est un trouble neuro-développemental, qui se manifeste dès les premières années de la vie par une absence de réciprocité sociale et de réponse émotionnelle, des troubles du langage, des champs d'intérêt limités et des gestes répétitifs. On pourrait dire qu’il y a autant de formes d’autisme que d’autistes. Les anomalies comportementales et fonctionnelles, les signes neurologiques, le langage et le fonctionnement cognitif, les stéréotypies, la conceptualisation, diffèrent au plus haut point d’une personne à l’autre.

Ces maladies frappent entre 15 et 30 personnes pour 10 000 (chiffre 2003 publié par Autisme Québec) et sont en voie de développement rapide dans toutes les ethnies, et les couches sociales.
Elles touchent plus souvent les garçons, sauf dans le cas du syndrome de Rett qui ne touche que les filles. Les causes sont encore imparfaitement connues. Il s'agit probablement d'une combinaison de différents facteurs encore mal définis. La piste génétique est actuellement privilégiée (anomalie chromosomique), ainsi que certains facteurs environnementaux, le traumatisme psychologique totalement écarté.

Rapport entre composition, improvisation et autisme.

Par la densité du monde intérieur qu’elle engendre, la composition musicale est une activité quasi autistique. (Certains compositeurs souffrant d'autisme avéré comme Béla Bartóck). En musique, l'improvisation est une forme de composition spontanée, qui, à ce monde intérieur, doit ajouter une attention sans faille, et en temps réel, au rendu sonore. Cette communication non verbale, qui passe par la sensibilité des deux personnes, est un lien entre l’intériorité du musicien et celle de l’autiste, dont l’instrument de musique est le vecteur, créant ainsi une passerelle de communication entre deux intimités profondes. On pourra ainsi, par exemple appréhender la boucle rythmique du geste répétitif de l’autiste, afin de la traduire musicalement, et de la développer.



Ethno-musicothérapie représente la musique thérapeutique fondée sur l'ethnicité de la musique s'ouvrant ainsi sur une palette aux couleurs universelles et humanistes.

La musique rend intelligent… Oui !

Cela faisait déjà partie du langage commun, mais c’est maintenant prouvé : grâce à un grand nombre d’enquêtes et de tests intellectuels, des neuroscientifiques ont démontré depuis une dizaine d’année que l’écoute de la musique stimule les performances intellectuelles.

Au départ réservée aux étudiants, une expérience récente s’est aussi intéressée aux jeunes enfants. Les résultats mettent clairement en valeur que l’intérêt qu’éprouve l’enfant à la musique favorise ses capacités intellectuelles.

De la même manière, l’apprentissage d’un instrument de musique se révèle être un facteur d’amélioration des capacités cognitives des individus et du Quotient Intellectuel. Le bilan d’une étude montre une supériorité de la musique sur d’autres disciplines artistiques (développant notamment les capacités de lecture des enfants). La musique favorise des connexions cérébrales dans différentes zones à la fois. Le processus est le suivant : elle fait intervenir simultanément la mémoire, l’attention, la discipline, et la coordination des tâches.

L’idée qui consiste à dire que les musiciens sont meilleurs que les non-musiciens dans d’autres domaines est vérifiée !

Nos émotions

A travers d’autres études plus récentes, il est montré que selon le style de musique écouté par l’auditeur, l’émotion varie. Le processus se déclenche grâce aux effets produits sur le corps (accélération du rythme cardiaque, frissons…) mais aussi sur le cerveau (synchronisation, mémoire). Ces études poussées ont également prouvé l’influence des genres sur les émotions : Les musiques angoissantes sur la peur, les musiques joyeuses sur l’humeur… mais aussi les fausses notes sur l’irritabilité ! Techniquement, le cerveau réagit à la musique de la même manière qu’un réflexe musculaire. En moins d’une seconde, il analyse la tonalité, le rythme et le tempo du morceau et y répond par une ou plusieurs émotions appropriées.

 

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Plaisir et goûts

Quand au plaisir procuré par l’écoute de la musique, il vient du fait qu’un individu enregistre depuis sa naissance un certain nombre de paramètres sonores et musicaux, qui influent sur ses goûts et émotions. Il se créée autour de l’écoute comme « un réflexe de Pavlov ». C'est-à-dire que le début d’un morceau fait réagir des automatismes de plaisir ou de rejet de l’individu. On parle « d’attente musicale » pour définir le plaisir qu’éprouve l’auditeur. Ce plaisir existe particulièrement lorsque le musicien ou compositeur propose à la fois quelque chose de nouveau, mais qui s’inscrit en terrain connu pour l’auditeur. Les goûts musicaux viennent donc de là !

Des bienfaits à long terme

Les personnes âgées sont particulièrement concernées par ces études. Celles atteintes d’Alzheimer conservent leur mémoire musicale et leurs aptitudes d’auditeurs, ce qui distingue la mémoire du langage de celle de la musique et prouve que cette dernière est plus résistante au temps et aux pathologies.

Isabelle Peretz, professeur du département de psychologie de l’Université de Montréal, a organisé en 2000 à New York la conférence « Musique et cerveau » et a crée un studio d’études, équipé d’instruments de mesure ultra modernes et d’un piano à queue. Selon elle, le bénéfice de la musique sur les personnes âgées est immédiat, apaisant et sans effet secondaire ! Elle met aussi en valeur le rôle de la musique dans la transmission du savoir et la cohésion sociale. En effet, la musique produit une augmentation de la confiance en soi et de la synchronisation avec les autres… bref, du lien social ! Enfin, des enquêtes ont aussi démontré que la musique se relève être un analgésique puissant et conséquent, et un accélérateur de récupération après une douleur ou un accident cardio-vasculaire.

Pour conclure, si l’on se réfère à toutes ces études, la musique est primordiale à l’homme et son apprentissage un bienfait évident et urgent ! Il faut sans tarder se lancer dans cette conquête de l’intelligence, du bien-être et de la santé…

Sources : « Sciences et avenir », octobre 2009 – Elena Sender Etudes menées par Greg Shaw, Katherine Ky, Frances Rauscher, Glenn Schellenberg, Séverine Samson, Joseph Piro, Camilo Ortiz, Isabelle Peretz, Robert Zatorre, Emmanuel Bigand, Lola Cuddy, Odile Letortu, Hervé Platel



Cours de piano : 

old piano Si pour vous le piano ne ressemble encore qu'à un labyrinthe fait de noir et de blanc, mais que vous ressentez une irrésistible envie d'y pénétrer, cette page est faite pour vous. Laissez-nous vous apportez quelques informations sur cet instrument-roi de la musique, qui vous révéleront que l'apprentissage du piano est accessible à tout le monde, tous niveaux confondus !

Un instrument à la portée universelle...

En abordant cet instrument, sachez dès maintenant petits veinards, que vous entrez dans un monde aux possibilités illimitées. Le piano constitue l'instrument par excellence qui vous ouvrira les portes d'une infinité de styles de musique. En effet, aussi bien classique que jazz, le piano s'est également imposé comme élément majeur de la musique de variété, de la salsa, du rock, du blues ... Bref que vous soyez rockeux ou baroqueux, jazzeux ou amateurs de rythmes au sang chaud tel que la salsa, votre sensibilité correspond à une multitude de pianistes qui excellent dans ces styles !

Comment choisir son instrument?

Si le fait de posséder son propre instrument, est une des clefs du progrès personnel, nulle obligation de prévoir un gros budget ! En effet, le temps où le grand piano à queue nécessitait de faire au préalable l'acquisition d'une maison spacieuse, est révolu. Aujourd'hui une large gamme de pianos numériques est à votre portée, avec leurs avantages (prix, taille, légèreté, prise casque pour ne pas gêner le voisin...).

Les questions les plus fréquentes: à quel âge commencer ses cours de piano?

Le piano est abordable à tout âge. Il reste l'instrument remportant le plus de succès chez les tous petits. Et pour cause! Cet instrument constitue entre autre un formidable outil pour prolonger l'éveil musical de nos pitchounes: aucune contrainte de poids de l'instrument, une large sonorité du grave à l'aigu pour flatter l'oreille de mademoiselle ou de monsieur... A l'inverse, les personnes plus âgées y trouveront également leur compte, car... il n'y a pas d'âge pour se lancer!
Julien


 

Cours de guitare :

gitarre Envie de se lancer ? Besoin de conseils pour bien démarrer votre apprentissage de la guitare? Voici quelques informations qui vous aideront à faire vos premiers pas à la guitare, tous styles musicaux confondus !

Les guitares acoustiques (ou « sèche ») d'un côté : il faut différencier les classiques (cordes nylon) au son doux, pur et cristallin et au manche large plus adapté au jeu et répertoire classiques et les folks (cordes acier), au son plus puissant et plus métallique, avec un manche plus étroit, convenant à ceux qui souhaiteraient s'orienter vers un répertoire de musiques actuelles. Il est à noter que la tension des cordes sur ces guitares est plus importante.




Le solfège est-il obligatoire ?

On peut se passer du solfège pour jouer de la guitare ! De très grands guitaristes comme Jimi Hendrix n'ont jamais lu une seule note de musique ! Néanmoins, connaître le minimum vital en matière de solfège (ce qu'on apprend au collège !) vous sera d'une grande aide notamment pour échanger avec d'autres instrumentistes !

Quelles méthodes, quels outils ?

La guitare utilise donc d'autres outils que le solfège, qui rendent son apprentissage beaucoup plus accessible que d'autres instruments : la tablature permet de figurer les doigtés (on représente les cordes par 6 traits horizontaux, sur lesquels on vient placer des chiffres correspondant aux cases sur lesquelles il faut appuyer) et les diagrammes d'accords représentent le positionnement des doigts sur le manche correspondant à un accord donné.

Démarrer sur de bonnes bases

La guitare bien plus que tout autre instrument a une tradition d'enseignement orale, il faut dire que son origine remonte à la Perse antique ! L'aide d'un professeur est donc précieuse pour tout néophyte. En effet, l'apprentissage en autodidacte (à l'aide de méthodes audio ou même vidéo) est bien trop aléatoire pour que tous arrivent au résultat escompté : personne ne peut corriger vos erreurs éventuelles. Apprendre la musique est avant tout apprendre à apprendre. Travailler seul demande de la rigueur, du courage, de la méthode et un certain niveau d'expérience.

Guitare acoustique

De plus, il s'agit d'un instrument un peu à part avec on l'a vu des outils spécifiques (tablature, diagrammes etc ...). Les cours en conservatoires sont donc limités dans le sens où l'on y travaille uniquement la guitare classique voir un peu de jazz mais avec des méthodes inspirées par la pédagogie classique et notamment l'obligation d'apprendre le solfège pendant 2 ans avant de commencer la pratique instrumentale. Quant aux écoles orientées musiques actuelles, elles nécessitent déjà un bon niveau avant de pouvoir y entrer.

Les cours particuliers sont donc, à n'en pas douter, le moyen le plus efficace pour apprendre la guitare : ils permettent une relation privilégiée entre élève et professeur, un apprentissage ludique, le contact immédiat avec l'instrument et surtout un programme pédagogique à la carte avec ouverture musicale sur différents styles en fonction des besoins et envies de l'élève.

Ne vous découragez pas, soyez motivés et heureux car vous venez de rentrer dans le monde merveilleux des amateurs de la « six cordes ». Vous allez bientôt découvrir tout le plaisir que peut procurer une pratique musicale, et si vous vous sentez perdu n'hésitez pas à nous contacter !

Bonne musique !

François


Comment entretenir sa guitare.

mechaLorsque l'on pratique un instrument de musique, il est important de savoir l'entretenir et de s'en occuper régulièrement. Cela à la fois pour le respect de l'instrument, mais surtout pour le garder dans le meilleur état possible et assurer sa pérennité. Je vous propose quelques conseils pour bien entretenir une guitare (acoustique, électrique ou bien une basse).

Une guitare est majoritairement construite en bois. Le bois est une matière sensible qui peut bouger et évoluer selon les températures, l'humidité, les chocs...Il est donc primordial de s'occuper de son instrument en fonction des ces différents éléments. Le soleil, le froid ou encore l'humidité sont logiquement les ennemis principaux d'un instrument en bois.

A titre d'exemple, nous observons souvent des violonistes être extrêmement rigoureux avec leur instrument. Nous comprenons facilement cela car le violon est un instrument au prix relativement élevé.

Malheureusement ce genre d'attitude est moins répandu chez les guitaristes et cela peut avoir des conséquences très dommageables sur l'instrument : décollage du bois, désacordâge constant ou encore fissures diverses peuvent arriver lorsque l'on s'occupe mal de sa guitare.

1 : les chocs

Ils sont forcement dangereux pour les instruments fragiles, il est donc important de protéger sa guitare lors des transports avec une housse pour les petits trajets ou avec un « fly case » (housse rigide) pour les longs trajets, voiture, avion...

Il est important de ne jamais poser sa guitare contre un mur, sans supports. Pour cela, il est préférable de faire l'acquisition d'un « stand » (repose guitare) afin de pouvoir poser sa guitare, que ca soit chez soi, en concert, ou en répétition. Cela principalement, afin d'éviter les chutes dangereuses.

Le manche et la table son logiquement les parties de l'instrument les plus fragiles lors des chocs. Par exemple, les guitares Gibson sont connues pour avoir une table très lourde ce qui, en cas de choc violent, casse quasi instantanément la tête de manche. Il le ne reste plus qu'à racheter une nouvelle guitare, ce qui est plutôt dommage !

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2 : La rouille et les changements de température

Les éléments en métal sur la guitare comme les micros, les vis, ou les mécaniques (qui servent à accorder l'instrument), sont souvent sujet à la rouille. Cela peut devenir gênant lorsque l'on veut changer certains de ces éléments. En effet, les pas de vis deviennent alors impraticables.

Au delà de l'aspect visuel de la rouille, il est important d'éloigner l'instrument des radiateurs et autres fenêtres ou courant d'air afin éviter ce type de problème. Les modèles haut de gamme ont souvent des matériaux anti-rouille mais cela est loin d'être le cas pour toutes les gammes d'instruments.

Les différences de températures agissent généralement sur le manche de la guitare ce qui joue alors sur la justesse de l'instrument et sa capacité à « tenir l'accord » (rester accorder juste, le plus longtemps possible).

Un manche de guitare est bien évidemment réglable, mais cette opération doit être absolument réalisée par des professionnels ou des personnes qui le pratiquent régulièrement. Pour les débutants, il est indispensable de rapporter sa guitare au magasin pour un réglage complet si les problèmes d'accordage persistent. Un manche mal réglé peut se révéler, à long terme catastrophique pour la guitare.

Les cordes sont aussi des éléments sujets à la rouille. Cela peut être à cause de l'univers ambiant de la pièce où est entreposé l'instrument, mais aussi en raison d'une pratique intensive ou encore d'une forte transpiration des doigts. Certains éléments pénètrent alors sous le filetage et affecte la vibration des cordes, ce qui influe sur la netteté du son et accélère également l'oxydation (d'où les problèmes de rouille).

3 : Le nettoyage :

Dans ces différents cas, il faut appliquer, après l'usage de l'instrument, du produit d'entretien des cordes qui sert à combattre la rouille et garde l'effet clinquant des cordes neuves. Ou simplement un chiffon à passer sur chaque corde. Les produits de nettoyage se trouvent facilement dans tous les magasins de musique.

Le manche et les frettes doivent aussi être nettoyés régulièrement avec des produits, par exemple à base de citron, la table de la guitare se nettoie avec des produits plus classiques pour le bois ou les surfaces plaquées.

Le plaisir de la musique est aussi le plaisir de se saisir de son instrument. Ces conseils sont aussi importants que la technique, ils font partie intégrante de la bonne pratique musicale.

Les professeurs transmettent leurs savoir faire musical mais aussi leurs connaissances du matériel, de l'entretien ainsi que leurs expériences professionnelles.

Enseigner, c'est surtout transmettre sa passion et ses connaissances : ces éléments permettront aux élèves de progresser dans de meilleures conditions et d'avoir une plus grande compréhension du fonctionnement de leur instrument.

Voila donc pour ces quelques conseils simples d'entretien de votre instrument, sachant qu'une guitare en bon état donne toujours plus envie de jouer qu'une vieille relique au fond de l'armoire...


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Qu'est-ce que le chant ?

Le chant représente l'ensemble de la production de sons musicaux à l'aide de la voix. La personne qui produit le chant est appelée chanteur.

Le fait de chanter résulte de l'action du souffle, en effet l'air est expulsé des poumons par l'action du diaphragme, comme pour une expiration normale et fait vibrer les cordes vocales. Le son ainsi produit est ensuite amplifié par le nez, sinus...et articulé par la langue et les lèvres pour former des syllabes.

Quelle position pour le chanteur?

Le chant fait appel à toutes les ressources du corps humain. Le système respiratoire est bien sur utilisé, mais aussi beaucoup de muscles aux fonctions les plus diverses, ceux du ventre, du dos, du cou, du visage. On parle souvent d'un entraînement musical mais aussi d'un entraînement sportif, car, pour faciliter le travail il faut surveiller sa posture et donc tous les muscles de son corps.

Il est important que la cage thoracique soit ouverte, les épaules rejetées en arrière et la colonne vertébrale bien droite. Mais comme un entraînement sportif, le chant exige une bonne hygiène de vie, bien se nourrir, faire de l'exercice, éviter le tabac, les excès d'alcool... pour faire des progrès et les maintenir.

L'interprétation :

Chanter ce n'est pas seulement se servir de sa voix et de son corps, c'est aussi interpréter, faire partager au public les émotions contenues dans le texte, c'est en cela que, en fonction des genres musicaux sollicités, le chant rejoint fréquemment l'art de la scène.

En musique classique par exemple, la voix est souvent utilisée comme un instrument de musique à part entière. Depuis plusieurs siècles, le chant classique a inspiré de nombreux compositeurs qui lui ont dédié divers genres musicaux : chansons polyphoniques, messes, motets, chorals, cantates, opéras, oratorios, mélodies, etc. L'interprétation est une étape inévitable afin de vivre et de ressentir des textes souvent très particuliers.

Mais l'interprétation trouve aussi une grande importance dans les musiques actuelles notamment dans la variété ou dans des musiques très vivantes comme le blues, le jazz ou encore le flamenco. La manière de faire passer les émotions, de ressentir la musique et le texte permet à l'interprète de retranscrire avec son corps et ses mouvements les différentes émotions au public.

singer iiLes questions les plus fréquentes : A quel âge peut-on débuter ?

Le chant est une matière musicale qui peut être débutée tôt notamment dans le cadre d'un éveil musical. L'éveil permet à l'enfant d'aborder avec son professeur l'apprentissage des différents registres sonores, des pulsations et des rythmes (de manière sensorielle), et de s'initier au chant ainsi qu'à la reconnaissance des instruments.

A partir de 7-10 ans les cours de chant sont tout à fait envisageables. Il est possible à cet âge de découvrir sa voix et les différentes façons de l'utiliser ainsi que de travailler le sens de la mélodie. Néanmoins, le timbre ne sera travaillé qu'à partir de 16 ou 17 ans afin de ne pas perturber le développement des cordes vocales de l'enfant.

Il est primordial pour les débutants de travailler sur des registres qui leur plaisent. Rock, variété, classique ou jazz constituent les 4 registres principaux qui peuvent être abordés lors d'un cours de chant. Après cela, la pose de la voix, le travail sur la justesse, le placement et la respiration constitueront les axes principaux de travail à aborder lors d'un cours de chant. La théorie sera abordée en fonction des besoins de chaque élève et de ses objectifs. Le solfège est-il obligatoire ?

Dans le cadre d'œuvre classique, ou de jazz, il est quasi indispensable de maîtriser le solfège afin de savoir déchiffrer une partition. Dans le cadre d'un cours de chant le solfège et intégré à la pratique.

Dans le cadre des musiques actuelles, le solfège n'est pas vraiment obligatoire car la lecture des notes ne constitue pas un élément indispensable pour les cours. Un piano, des accompagnements CD ou un guide chant, pourront servir de support pendant les cours. Néanmoins l'acquisition d'un minimum de bases théoriques permet d'évoluer avec plus de précision ainsi qu'une meilleure compréhension de la musique.

Est-ce que je peux prendre des cours de chant si je n'ai pas piano chez moi ?

Oui bien sur, avec certaines méthodes CD ou avec un Guide Chant il est tout à fait possible d'apprendre sans piano. Un guide chant est un petit clavier portable qui permet de pouvoir utiliser les notes de la gamme afin de travailler sur la justesse de la voix de manière plus précise. Mais il est primordial de posséder une base mélodique afin de travailler à partir des notes de la gamme pour axer le travail sur la justesse.

Peut-on débuter le chant dans tous les styles ?

Est il indispensable de faire du classique avant du se lancer dans le rock ou le jazz ? La réponse est bien évidemment non. Il est possible d'apprendre à chanter dans quasiment tous les registres, la seule difficulté va se situer dans le fait que certains styles demandent plus de travail et de connaissances que d'autres.

Pour la variété ou le rock, l'approche du chant demande moins de technique que pour de la musique classique ou du jazz. En effet ces registres sont plus exigeants techniquement que les autres. Les cours dans ces registres s'apparenteront donc dans un premier temps à des cours de technique vocale. Mais il est tout à fait envisageable de débuter le chant par le chant lyrique ou le chant jazz !

En revanche, le mélange des styles peut constituer un atout intéressant pour l'élève. En effet la découverte de nouveaux registres permet d'aborder des choses différentes et ainsi enrichir ces techniques et le vocabulaire musical de l'élève.

François


Les cours d'improvisation

adultes1.jpgL'improvisation: comment débuter ?

Pour la plupart des débutants en la matière, l'improvisation contient en son sein une part de génie et de mystère. Si elle apparaît comme difficile voire inabordable pour les néophytes, souvent elle relève pourtant d'un principe simplissime: substituer une mélodie par une autre en utilisant ses propres notes, ce qui suggère bien sûr chez son apprenti des facultés d'imagination. Toute personne désireuse d'aborder l'univers de l'improvisation devra au préalable comprendre le pourquoi de son existence. Les origines de l'improvisation.

Si pour beaucoup elle semble indissociable du jazz, c'est que celui-ci en a fait sa pierre de touche. Néanmoins elle préexiste à ce style en tant que principe sempiternel de la musique. En effet, l'écriture de la musique invoque invariablement chez le compositeur des aptitudes à improviser. L'improvisation n'est-elle pas une façon de créer en temps réelle ? Dans l'histoire de la musique, elle apparaît par exemple en tant que pratique a part entière dans le chant grégorien, où à une première voix écrite, un chanteur superpose une seconde voix de façon improvisée. On la retrouve également dans les fantaisies des clavecinistes du XVII es ou encore chez les organistes du XIX es. Le jazz lui-même dans un premier temps ne s'est pas construit sur l'improvisation, ce que nous révèle la musique de la Nouvelle Orléans, avec des morceaux majoritairement préparés. Ce sont principalement les années trente qui verront son émergence avec de grands solistes tel Louis Armstrong. Si aujourd'hui jazz rime avec improvisation, c'est que celle-ci s'est constituée comme mode de création principal de cette musique.

En quoi consiste l'improvisation ?

Pour beaucoup de néophytes en la matière, l'improvisation consiste en une forme de création ex-nihilo, où l'improvisateur serait traversé par une musique n'ayant d'autre origine que son imagination. Ce qui d'ailleurs explique l'halo mystérieux qui entoure cette pratique pour une majorité de débutants. Si cette forme de création existe et représenterait une sorte d'aboutissement, l'improvisation dans sa pratique majoritaire ne procède pas ainsi. La naissance de l'improvisation dans le jazz en constitue un bon exemple. En effet dans ses premiers temps, elle consista à paraphraser simplement une mélodie préexistante, c'est-à-dire modifier quelques notes d'un air de musique mémorisé au préalable. C'est seulement par la suite qu'elle se développa en tant que procédé d'élaboration d'une nouvelle mélodie, en gardant comme point commun avec l'air mémorisé, les accords qui l'accompagnent. Dans ces deux cas, l'improvisation ne part pas de rien, mais est soit conçue comme une variation de quelque chose qui a été appris (un air de musique) ou comme le remplacement d'une mélodie par une autre qui conserve la même origine: les accords qui l'accompagnent.

Comment est-il donc possible d'aborder l'improvisation?

Partant de ce principe, aborder l'improvisation du point de vue pédagogique ne relève pas de quelque chose de difficile ou d'insurmontable dans les premiers temps de l'apprentissage, puisque varier légèrement une mélodie que l'on a au préalable appris, constitue déjà une façon d'improviser. L'écoute de musiciens improvisateurs que l'on apprécie est également un point de départ intéressant, en apprenant par exemple des phrases musicales utilisées par nos musiciens favoris. C'est ensuite en les modifiant elle-même, que se crée le style de chacun, la « touche personnelle ».

Improvisation: le solfège est-il nécessaire ?

Comme pour toute pratique musicale, la question la plus récurrente reste celle du solfège. Peut-on apprendre l'improvisation sans aborder une once de solfège ? Cette pratique nécessite-t-elle l'apprentissage de notions théoriques ? La réponse à cette question est à double-face, car comme nous venons de le voir, le simple fait de modifier un air de musique ou de se forger une mémoire de phrases musicales en écoutant des musiciens, constituent des approches ne nécessitant pas de base solfégique et théorique, l'exemple de bon nombre de jazzmen n'étant pas passé par l'apprentissage du solfège le vérifie. Cependant les musiciens talentueux de ce domaine étant restés autodidactes, ont tous en commun une imagination hors pair, un sens aigu de la mélodie de par une oreille musicale sans faille. C'est pourquoi aborder l'improvisation à un certain niveau nécessite l'apprentissage de quelques notions afin de faciliter son approche.

Pour ceux qui se sentiraient réfractaires ne serait-ce qu'au fait d'entendre parler de solfège, il faut préciser que comme dans tout apprentissage, la meilleure façon consiste à aborder au fur-et-à-mesure ces notions. Plus que tout autre matière, l'improvisation nécessite de partir de l'oreille et de l'instrumental pour expliquer ensuite les notions théoriques, plutôt que l'inverse, puisque le propre de l'improvisation est qu'elle ne provient pas d'une théorie, d'une approche intellectuelle mais bien d'un ressentiment personnel, d'un émoi suscité par la musique. C'est pourquoi l'apprentissage de l'improvisation est nécessairement envisagé selon le rythme de chacun, et part de la personne et non d'un mode d'emploi pré-formaté. C'est dans cette progression pas-à-pas que chaque musicien apprenti peut tirer le maximum de plaisir, en apprenant à créer sa propre personnalité musicale.

Dans cette aventure ouverte à qui souhaite se révéler musicalement, l'équipe pédagogique se tient à votre disposition pour tous conseils et pour vous proposer une solution adaptée afin d'assurer votre plein épanouissement personnel, but musical revendiqué de l'improvisation !

Julien


La Musique de film : Quand le son épouse l'image...

jw.jpgNous fêtons cette année les 100 ans de la musique de film. Cet art à part entière est quasiment né avec le cinéma, c'est-à-dire au début du 20ème siècle. Dans le cinéma muet, la musique n'est pas encore écrite spécialement pour les films. Il s'agit d'un pianiste qui improvise pendant la projection sur les images diffusées en même temps. Du coup, la musique sert en grande partie de moyen de retranscription des émotions autrement qu'avec les mots. L'absence de bruitages participe également à cette musique comme « accompagnement » uniquement.

C'est en partie pour cela que dans le cinéma muet, les comédiens donnent parfois l'impression de sur-jouer, d'en rajouter dans leurs attitudes, dans leurs mouvements. Et la musique est là pour illustrer ce silence à travers des partitions gaies pour les moments comiques ou plus tristes pour les passages dramatiques.

L'apparition du parlant a joué un rôle prépondérant dans le développement de la musique de film. D'ailleurs, le tout premier film parlant de l'histoire, (« Le Chanteur de Jazz », 1927) est presque une comédie musicale. Cependant, la musique n'est pas encore partie intégrante du projet cinématographique et il faut attendre quelques années et quelques débats (Stravinsky la considère en effet comme du « papier peint ») pour que la musique ait une place à part entière dans le 7ème art.

Elle va alors être beaucoup plus qu'une simple « illustration ». Elle donne du sens aux scènes filmées, enrichit le scenario, le récit et le jeu des acteurs. Elle rend souvent plus claire ou plus logique une histoire filmée... Souvenons en effet de la scène d'hélicoptère d'« Apocalypse Now » (F.F. Coppola, 1979) La chevauchée de Valkyrie de Wagner est clairement la métaphore de la guerre et de la mort sur ce passage sanglant...

De grands compositeurs classiques et contemporains vont d'ailleurs s'essayer à la musique de film : Camille Saint Saëns, Darius Millau, Ibert, Ravel ou Prokoviev...

Dans les années 50, les techniques s'améliorent et ce sont aussi le début des grandes collaborations comme Hitchock et Bernard Hermann ou 20 ans plus tard Spielberg et John Williams.(en photo).

Aujourd'hui, beaucoup de compositeurs se sont vraiment spécialisés dans la musique de films. Certains sont même « compositeurs de musiques de films » avant d'être compositeurs tout court. Ils ont leur propre style, leur propre approche de l'image.

Malgré ça, il existe encore un débat de fond. Certains pensent que la musique de film doit être celle « qu'on entend pas », celle qui doit s'oublier... D'autres au contraire estiment vraiment qu'elle doit être « la couleur » du caractère des personnages ou du style du film et donc une musique dont on doit se souvenir. Le compositeur franco-Roumain Vladimir Cosma est de ces derniers. Il a travaillé avec des dizaines de réalisateurs des années 60 à aujourd'hui. Malgré la différence des films, on retrouve à chaque fois sa couleur, son style à savoir des thèmes précis et très accrocheurs et des influences de la musique de l'Est. Qui n'a pas en tête le fameux air à la flûte de Pan du « Grand Blond avec une Chaussure Noire », d'Yves Robert (1972) ?

On parle même parfois de « troisième auteur » pour désigner le compositeur de la Bande Originale. Beaucoup d'entre eux vont créer utiliser ce qu'on appelle le « motif » pour donner du sens à une scène ou un film. Nous pensons bien sûr au compositeur Bernard Hermann et au film « Psychose » (Alfred Hitchcock, 1960) et son fameux thème strident qui agit ici sur le spectateur comme le réflexe de Pavlov : le thème nous fait prendre conscience d'un assassinat ou d'une scène dramatique imminente...

La musique classique n'est plus le seul genre très présent au cinéma. De plus en plus de bandes originales aujourd'hui utilisent les musiques actuelles et ce dans différents styles : Jazz, blues, rock, country et bien sûr la musique électronique, dont l'ouverture peut promettre au réalisateur des partitions singulières et riches.

En plus des cours traditionnels des différents instruments de l'orchestre, Allegro Musique vous propose d'aborder si vous le souhaitez la composition. Si votre projet musical est de faire se rencontrer de la musique et de l'image, contactez-nous dès maintenant pour vous mettre en relation avec la personne qui organisera au mieux cette rencontre !

Ça tourne !

Voici quelques exemples de grandes bandes originales :

__M le Maudit (1931) de Fritz Lang. Musique de Edvard Grieg. Psychose (1960) de Alfred Hitchcock. Musique de Bernard Hermann 8 et Demi (1963) de Frederico Fellini. Musique de Nino Rota. Le Mépris (1963) de Jean Luc Godard. Musique de Georges Delerue Il était une fois dans l'Ouest (1968) de Sergio Leone. Musique d'Ennio Morricone 2001, l'Odyssée de l'espace (1968) de Stanley Kubrick. Thème d'ouverture du Beau Danube Bleu de Strauss. Les Chariots de Feu (1981) de Hugh Hudson. Musique de Vangelis. E.T. (1982) de Spielberg. Musique de John Williams Le Grand Bleu (1988). Musique de Eric Serra Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain (2000). Musique de yann Tiersen__

Etc...

David



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Nous recrutons actuellement des professeurs de musique ainsi que d'instrumentistes confirmés pour chacune de ces matières : 

Musique Classique,, Musique Orientale,, Jazz,, Musique actuelle,, Musique Bollywood,, Musique du monde,,      

Musique et contes pour enfants de 2 à 7ans.   

Nos cours s'adressent aux enfants dans le cadre de l’éveil musical (2 à 4ans) jusqu'aux premiers pas sur l'instrument (à partir de 4ans), qu'aux adolescents et aux adultes souhaitant par exemple reprendre après une interruption, une nouvelle pratique musicale.


Sur quels critères êtes-vous recruté?

FUSION Enseignement recrute selon la formation des professeurs, leurs parcours et leurs méthodes personnelles d'enseignement. D'autres critères peuvent également entrer en compte tel que le parcours scénique, qui permet pour certaines demandes de cours spécifiques, d'apporter à l'élève l’expérience d'un musicien professionnel.


QUI SOMMES-NOUS ?

FUSION Enseignement propose des cours de musique, de chant et de thérapie adaptés aux besoins spécifiques de tous.

Actuellement leader à Maurice, la démarche de notre équipe professorale nous permet d'apporter tous les jours à de nouveaux élèves, une pédagogie adaptée à leurs propres objectifs, allant des cours conçus comme "loisir culturel" au soutien personnalisé pour les élèves déjà scolarisés au conservatoire ou en école de musique conventionée.

Notre équipe :

Nous poursuivons depuis notre création le même but, celui d'affirmer la qualité de notre pédagogie, dans cette optique notre équipe est constituée exclusivement de musiciens afin d'assurer le lien le plus juste entre les besoins de chaque élève et les compétences spécifiques de chacun de nos enseignants.

Chacun de nos enseignant profite d'une assistance permanente de la part de notre équipe, concernant tous les problèmes "extra-musicaux" qui peuvent intervenir sur le terrain.


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