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MEDIOS Y TECNICAS

TÉCNICAS DE DIBUJO

SECAS: Grafito, carbón, pastel, lápices de colores, sanguina y sepia.

HÚMEDAS: Pincel y tinta, pluma y tinta, rotuladores y estilógrafos.

La palabra "dibujo" deriva de un vocablo latino, "designare", que significa designar, señalar. El dibujo consigue mostrar una forma que suele corresponderse con un concepto u objeto real. Está sometido a la más estricta bidimensionalidad y suele ser monocromo, o de muy pocos colores en diferentes gradaciones. Para el arte chino y japonés, escribir y dibujar son lo mismo y constituyen la más noble expresión artística del ser humano. La ejecución del dibujo, por norma general, es breve, espontánea, por lo que suele asociarse al período previo a la realización de una obra más trabajosa, como una pintura o una escultura. Sirve como herramienta de trabajo, como boceto, apunte o recordatorio. Es la técnica más barata que ha existido y puede llevarse a cabo en múltiples soportes y con diversos materiales. Puede esgrafiarse (dibujo arañado en una superficie dura), grabarse, o cubrir una superficie. Se usa el carboncillo, los estiletes y buriles, todo tipo de grafitos y mica, el pastel, la sanguina, la punta de plata, tiza, tinta, etc. Los soportes son de lo más variados, aunque hoy es preeminente el papel: pergamino, piel, tablillas, pizarra, piedra, tela y otros muchos. El primer papel empleado en occidente se cree del siglo XII, difundido por los árabes. La primera fábrica estuvo en Italia y es del siglo XIII. La difusión del dibujo tuvo lugar con la llegada de la imprenta y de ahí rápidamente pasó a las técnicas de grabado y xilografía que contribuyeron a la masiva presencia de las imágenes en el mundo moderno y contemporáneo.

 

SECAS

LAPICES DE GRAFITO

      


El grafito es un carbono natural que, como el carbón se crea por la presión de la tierra sobre la madera.

El carbón se forma solo por la presión, pero una combinación de presión y calor hace cristalizar el carbono amorfo en láminas de cristales de grafito.


 

Lápices de dibujo.

1.   Lápiz hexagonal estándar.

2.   Lápiz redondo de dibujo.

3.   Portaminas.

4.   Lápiz Hexagonal grande.

5.   Lápiz de mina rectangular para bocetar.

6.   Y  7. Barra de grafito.

SOPORTES: Preferiblemente papel blanco o colores claros. El tipo de papel depende de la adsorción, peso o gramaje y textura.


BORRADORES:


El dibujo se caracteriza por su facilidad para borrar, para ello utilizamos diferentes tipos de gomas. Las más comunes son: Goma de Pan, Goma de borrar estándar.

Alberto Durero (1471-1528) utilizaba <<punta de plata>> para conseguir dibujos muy sutiles, aunque tenía algunos inconvenientes por la necesidad de preparar la base. Por ello siguió buscando, para encontrar un medio de dibujo más inmediato <<el grafito>>.  A lo largo de los siglos los artistas han utilizado el lápiz de diversas maneras, ingresos con mínimas líneas, Degas con mucha soltura, los estudios reflexivos de los Pre-rafaelistas, la definición y firmeza de Picasso… El dibujo de línea pura es las técnica más difícil, como Matisse lo utiliza resolviendo tonos, colores, texturas y formas en unas pocas líneas.

CARBÓN


              

Carbón se usa desde que los hombres en las cavernas cubrieron las paredes con dibujos de animales de caza, usando palos quemados.  Esta técnica se puede usar para dibujos más elaborados como hace Jim Dine , pero lo más natural es utilizar la soltura y viveza del carbón, como los dibujos más libres de Daumier o Millet que plasmaba la atmosfera, la luz y el color del campo.  Degas lo usa demostrando la importancia de la línea, la forma y Matisse destaca el movimiento.  En la actualidad, el carboncillo se fabrica por métodos sofisticados, pero simplemente es madera quemada, y es el medio más antiguo que se ha utilizado para el dibujo. Para su fabricación se suele utilizar la caña de sauce.


 

 

TIPOS:

1.   Carboncillo delgado de sauce.

2.   Carboncillo medio de sauce.

3.   Carboncillo grueso de sauce.

4.   Carboncillo para decorados.

5.   Lápiz de Carbón.

6.   Barras de carbón comprimido.

7.   Carboncillo de Vid.

La forma corriente de carbón se llama carboncillo, en diversos grosores y dureza. Carbón Comprimido. Se hacen de polvo de carbón comprimido en barras con un medio aglutinante y son más difíciles de borrar que el carboncillo. 

Lápices de Carbón. Una barra fina de carbón comprimido recubierta de madera. También existen lápices hechos de papel enrollado en vez de madera, que son menos sucios y fáciles de manejar. Su gama va del extra blando 6B 4B 2B HB que sería el duro.

SOPORTES

La mayoría de os papeles de buena calidad son apropiados para esta técnica, pero los mejores son suaves y granulosos, por que retienen más el carbón y soportar mejor los borrados y frotados.  Los papeles más lisos constituyen buenas superficies para el carbón comprimido, para su permanencia haremos uso de fijativos.

TÉCNICA

El carbón es adecuado tanto para línea como para mancha y excelente para bocetos previos por su facilidad de corrección con algún trapo de algodón o goma de modelar.  Otra forma de sujetar el carboncillo es paralela al papel, para crear diferentes líneas.  Para conseguir efectos tanales podemos hacer uso del difumino, cuando dibujamos con carboncillo comprimido. Los difuminos sirven para esparcir el carbón y crear tonos graduales o mezclados.

PASTEL


Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente (sin necesidad de "pinceles" o "espátulas", ni de solvente alguno) sobre la superficie a trabajar (generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por ello suelen usarse al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el "crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo mas afín es la línea con la cual se pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel (semejante al de la "tiza") para aplicar color.

Aunque ya en los s. XV y XVI se utilizaban pigmentos poco aglutinados para dibujar con colores, hasta el s. XVIII no se establece como tal el arte de pintar al pastel.  Algunos de los primeros y mejores exponentes trabajaron en Francia del s.XVIII. as verdadera pionera es Rosalba Carriera, pintora veneciana y una de las pocas mujeres que consiguieron fama artística en el s. XIX.

La frescura y espontaneidad de los pasteles se acerca al espíritu impresionista, Degas es el principal pastelista entre los impresionistas.

COMPOSICIÓN Y TIPOS

Los pasteles son pigmentos en polvo, mezclados con la suficiente goma de tragacanto o resina para aglutinarse.  Existen una amplia variedad con diferentes grados de dureza y formas.  La variedad de tonos es muy importante para un buen resultado de color.  Las barras más brillantes son blandas y frágiles.  Se presentan como: barras redondas, barras cuadradas, Lápiz de pastel recubierto de madera.

SOPORTES

El color y la textura del soporte, sea papel, cartón o lienzo tiene una importante función en el resultado final.

Papeles: Se debe tener en cuenta el tipo de papel, (peso, adsorción y textura), la gama cromática, etc… El papel ingresado sería un papel adecuado, incluso los papeles de lija dan buenos resultados ya que agarran bien las partículas del pigmento.

TÉCNICA

               

Los trazos deben ser confiados y libres, frotar demasiado con el dedo o con el difumino es un esfuerzo por mezclar los colores que da como resultado una superficie pulida.

Se pueden alterar trazos espesos y finos, el borde afilado o plano, y podemos variar también la presión podemos aplicar el pastel por capas fijando cada una de ellas como desarrollo Degas (Impuesto con pastel).

FIJACIÓN

Se debe golpear el soporte para que caigan todas las particulas sueltas del pigmento, se pueden fijar guardandola bajo presión o utilizar un fijativo, aunque hace disminuir el brillo del pastel.

ÓLEO PASTEL


     

Los pasteles al óleo son más parecidos a los crayones de cera que a los pasteles blandos.  Se componen del pigmento, ceras de hidrocarburos y grasa animal.  Son mas flexibles que los crayones de cera y para manejarlos resulta más dificil con altas temperaturas.  El alcohol blanco o tementina nos sirve para sisolver el color. 

La superficie de los pasteles se puede manipular de varias formas, como efectos texturados o de raspado, superponiendo colores para encontrar el efecto que buscamos se pueden conseguir mezclas de colores puliendo el color, para crear efectos más suaves se puede utilizar trementina.

El reultado de los pasteles el óleo es completamente difiente de los pasteles puros, más relacionados con la pintura al óleo.  Son útiles para bocetos y apuntes al aire libre,  y combinar con lavados de acuarela.

Fotografía química

 

     

La fotografía química es la fotografía tradicional o clásica en comparación con la más recientemente aparecida fotografía digital. Se basa en procedimientos físico-químicos para la obtención y el procesado de las imágenes.

Para la obtención de imágenes fotográficas, en blanco y negro en este caso, se emplean película donde el elemento sensible a la luz es el halogenuro de plata, en suspensión en gelatina muy pura. El tamaño y cantidad de los cristales de halogenuro de plata determinan la sensibilidad de la película, comúnmente llamada velocidad, la cual está normalizada y se expresa en grados ISO. Cuando se abre el objetivo por un breve instante, la luz incide sobre la película y deja sobre ella la impresión de la imagen, que en este punto recibe el nombre de imagen latente, que se irá descomponiendo a partir de ese momento hasta ser revelada. En realidad la luz da inicio a un proceso físico-químico produciendo un punto de sensibilidad en el halogenuro de plata, obteniendo así una imagen latente, lo que a la postre, cuando la película se sumerja en el revelador, mediante un proceso de óxido reducción, ocurrirá la transformación del halogenuro en plata metálica negra, obteniéndose así una imagen visible. El proceso de revelado de la película blanco y negro consta de cuatro pasos básicos: revelado, paro y lavado, fijado y lavado. La imagen así obtenida es un negativo, esto es, que los valores de luz están invertidos con respecto al original Una vez seca, de esta película o "negativo" se pueden hacer copias de la imagen sobre papel o bien sobre otra película, en cuyo caso obtendremos una diapositiva o positivo translúcido que nos permitirá observar la fotografía por proyección o transparencia. Las imágenes obtenidas, al invertir nuevamente los valores de luz, por ampliación o

contacto, nos dan como resultado un "positivo". A este proceso se le llama positivado.

Si utilizamos en la cámara una película especialmente tratada, "para diapositivas", obtendremos las imágenes directamente en positivo al revelar la película.

Nota terminológica

En algunos ámbitos, en especial en la informática, se ha introducido el término fotografía análoga o fotografía analógica para designar a la fotografía química. El término se ha adoptado para contraponerse al término fotografía digital, el cual designa al tipo de fotografía en el cual se reemplaza el proceso químico por un sensor que convierte la luz en señales eléctricas que posteriormente son digitalizadas y almacenadas en un dispositivo de memoria.

El término es esencialmente incorrecto, puesto que Analógico y Digital son términos que se aplican a la teoría de Señales, especialmente electromagnéticas, y en la fotografía química no se producen señales de ningún tipo. Por esta razón, la designación de fotografía química es la única adecuada para describir el proceso.

 

Pintura al óleo

          

En arte se conoce como óleo a los aceites que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí. El uso del óleo se conoce desde la antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100. Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc. Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos. La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda). El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el "grisaille";

éste se convirtió en el método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el Pintura al óleo 2 impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.

El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta. Las técnicas fundamentales son, trabajar por capas, o en directo "alla Prima".

 

 

Óleo sobre un muro

 

En primer lugar, el artista se disponía a preparar la pared para recibir la pintura (Imprimación). La técnica está descrita por Giorgio Vasari (1511-1574), arquitecto y pintor teórico del arte italiano en su obra Le Vite: Primero se satura la superficie del enlucido con varias capas de aceite cocido, hasta llegar al punto en que la pared ya no absorba más. Cuando está la superficie seca se aplica una capa de blanco de plomo, de aceite, de amarillo de plomo y de arcilla refractaria. Se dan las últimas capas con polvo de mármol muy fino y cal, más una aplicación de aceite de lino. Para terminar, se extiende una mano de pez griega.

 

Óleo sobre tabla

 

Esta técnica fue la utilizada preferentemente por los artistas de la pintura flamenca. Sin embargo, gran número de pinturas italianas de la primera época renacentista estaban pintadas sobre tabla. Se preparaba la tabla con una capa de carbonato de cal terroso (creta) blanco y cola animal(gesso). De esa manera la madera resultaba compacta y lisa, a la espera de la pintura.

 

Es importante que la tabla que usar se encuentre en óptimas condiciones y que preferentemente sea nueva.

 

Óleo por veladuras

 

El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo, finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca. La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

 

Para realizar una veladura es necesario que la capa inferior esté perfectamente seca. Dicha capa inferior puede ser de óleo o de acrílico, pero nunca debe hacerse al contrario, es decir, no debe pintarse acrílico sobre óleo. En la antigüedad se utilizaba frecuentemente una base de temple sobre la que, una vez seca, se iban añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo. La transparencia y profundidad conseguida así dan una calidad inimitable a las obras pintadas enteramente siguiendo esas técnicas. Para adelgazar la pintura se deben usar medios esencialmente naturales.

 

Curiosidades

 

• Existía un pigmento llamado marrón de momia que se obtenía de la descomposición de las momias que se importaban de manera clandestina desde el siglo XII. • Los distintos artistas tenían y tienen sus trucos para poder dar a la pintura el aspecto de veladuras, imágenes en profundidad, y detalles microscópicos. La técnica para estos casos era o es diluir más o menos la pintura en aceite de linaza mezclado con esencia de trementina. Respetando siempre el graso sobre magro. Las capas inferiores se diluyen en esencia de trementina (capa magra ya que la esencia de trementina es un disolvente). Si en las siguientes capas necesitamos una pintura más fluida se tiene que diluir con medium (dos partes de esencia de trementina y una de aceite de linaza), por lo tanto en esa capa la pintura tendrá un mayor porcentaje de grasa que la anterior. Pintura al óleo 3

• El color llamado rose doré utilizado para los rostros se obtenía con la orina de las vacas indias previamente  alimentadas con hojas de mango. Poco a poco fue cayendo en desuso. • El rojo intenso se hacía con ayuda de un insecto llamado «cochinilla».

• En la antigüedad el color más costoso era el azul ultramar, obtenido de una piedra semi preciosa, el lapislázuli.

Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la Virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y extensión

fuera objeto de especificaciones muy precisas en los contratos realizados entre los comitentes y el artista.

• Los artistas venecianos de final del siglo XV fueron los primeros que utilizaron el lienzo libre montado sobre un

armazón.

• La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a

extender la pintura al aire libre y se hicieron

Sanguina


La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites,[1] que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV: fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el desnudo. La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente Leonardo, Miguel Ángel, Pontormo, Claude Lorrain, Charles Le Brun, Jean-Honoré Fragonard y los impresionistas frances –Manet, Renoir, Morisot, etc.

 

 

Técnicas de pintura

Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos sobre el soporte a pintar. En general, si los pigmentos no son solubles en el aglutinante permanecen dispersos en él. Si el artista piensa en la perdurabilidad de su obra debe conocer la técnicas a emplear.

Óleos

 

        

El pigmento se añade a aceites, y el solvente habitual es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento pulverizado seco, mezclado con la viscosidad adecuada con algún aceite vegetal, habitualmente aceite de linaza. Estos aceites se secan más despacio que otras pinturas, no por evaporación sino por "oxidación". Se forman capas de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controlan los tiempos de secado, se fijarán correctamente a las siguientes capas de pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de óleo y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada presente toda una gama de calidades; opaca o transparente, mate o

brillante. Por ésta y por otras razones, el óleo puede considerarse como el medio más flexible de todos.

Convenientemente usada, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante el secado, aunque a largo plazo tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad de soportar capas sucesivas permite al artista desarrollar un concepto pictórico por etapas —Degas llamaba a este proceso “(bien pensado)”— y la lentitud de secado le permite retirar pintura y repasar zonas enteras.Restablese que la pintura es arte y no basura.poto:)

 

Acuarela y témperas

     

 

Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores.


Gouache

       

Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos transparente que la acuarela, pero a acambio los colores producidos son más sólidos.

 

Aerografía


       

En esta técnica se usan pinturas acrílicas en aerosol (sprays).ademas de esmaltes... ya que la pintura se vuelve mas delgada...

 

Acrílico


 

Cuando el vehículo usado son diversos materiales sintéticos que se diluyen en agua. La viscosidad puede ser tan alta como en el óleo (la presentación también, ya que vienen en tubos). Hay artistas que prefieren la pintura acrílica al óleo, ya que la trementina, solvente del óleo, desprende vapores tóxicos. Se podría decir que es un sustituto moderno al óleo, y como muchas innovaciones tiene sus ventajas y desventajas.

 

 Temple al huevo

 

      


Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente de yema de huevo, agua y aceite. Tradicionalmente se mezcla la yema con el agua y el aceite, pero también se puede formar una emulsión con harina e incluso con yeso. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli se han realizado utilizando la técnica del temple al huevo.

 

Fresco



A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el Latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico: los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los

procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardaba dos años.

 

Tinta

 

La presentación de la tinta, también llamada "tinta china", es generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que debe ser molida y diluida previamente. Se usa sobre papel, y los colores de tinta más empleados son el negro y el "sepia", aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuadas para dibujo o caligrafía, y no para pinturas. Las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no obstante la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también se realiza con tinta y pincel sobre papel.

Otras formas más utilitarias de usar la tinta es en tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito son más bien técnicas de dibujo. La tinta neutra es una técnica frecuente en la restauración de pintura mural. Se utiliza cuando el restaurador se encuentra con grandes pérdidas y desconoce como era el original. Consiste en aplicar un color uniforme en la zona perdida, que no moleste en exceso y que entone con el colorido general de la obra.

 

Técnicas mixtas


Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage, por ejemplo, es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte en una técnica mixta cuando tiene intervenciones con gouache, óleo o tinta. Como muestra de sus posibilidades artísticas, se cita la Técnica introducida por el pintor Carlos Benítez Campos desde principios de siglo, la cual consiste en pintar al óleo un acontecimiento cualquiera de la época, sobre el papel pegado de las noticias en prensa que lo publican.

Sería conveniente distinguir entre "procedimiento pictórico" y "técnica pictórica". Se entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar ese procedimiento pictórico se denomina "técnica pictórica".[1] El Décollage designa a la técnica opuesta al collage.

 

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