Você sabia que o cinema, considerado a "Sétima Arte", é uma excelente ferramenta para fomentar grandes reflexões e debates filosóficos? Bom, que tal assistir nosso filme "Em Cartaz" e depois participar do nosso debate do "FilosoFilmando" ? (Basta você clicar nos respectivos botões!)
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Depoimento de Carlos Augusto Damasceno
Depoimento de Carlos Augusto Damasceno
Cinema + filosofia “dá rock”?
Resposta SIM (parte I - implicitamente):
Esta primeira parte da resposta sim é implícita porque retrocedendo um pouco mais longe no tempo, chegando à época de escola, de adolescência, posso citar algumas experiências fílmicas marcantes que tive, como quando assisti “O óleo de Lorenzo” de George Miller, “Sociedade dos Poetas Mortos” de Peter Weird, “Carlota Joaquina” de Carla Camuratti, “Vidas Secas” de Nelson Pereira dos Santos ou “O Nome da Rosa” de Jean-Jacques Annaud. Todavia, naquele momento, talvez eu não tivesse a percepção do caráter filosófico de tais eventos. É verdade também que naquela época (anos de 1990) não havia a disciplina de filosofia na grade escolar, mas através de aulas de história, geografia, português ou literatura nós éramos levados a refletir, problematizar, argumentar, contextualizar… enfim, algo próprio, mas não exclusivo da atividade filosófica! Outro aspecto digno de nota é que o simples fato de se “assistir um filme durante a aula” era por si só emocionante. Mas hoje percebo quão ricas eram essas oportunidades.
Resposta SIM (parte II - explicitamente):
Agora, de forma mais explícita, a percepção de que “filosofia + cinema ‘dá rock’” ocorreu, por certo, no início de minha formação acadêmica, quando cursava filosofia na UCDB (nossa universidade católica da Cidade Morena) onde assistimos e discutimos - através de aulas ou projetos como o “Gotear da Filosofia em Terras do Oeste” - filmes tão variados como “O Carteiro e O Poeta” de Michael Radford, “Metrópolis” de Fritz Lang, “O Pagador de Promessas” de Anselmo Duarte, “A Marvada carne” de André Klotzel, “Tanga (Deu no New York Times?)” do Henfil, “A Montanha dos Sete Abutres” de Billy Wilder, “Dodeskaden” de Akira Kurosawa ou mesmo “A Tristeza do Jeca” de Mazzaropi (só para citar alguns que me vem à memória neste instante) para depois debatermos com colegas e professores como o Josemar de Campos Maciel, José Moacir de Aquino e Aparecido Francisco dos Reis. Por certo que buscávamos extrair conceitos filosóficos abstratos depois da fruição estética, mas o simples fato de assistir estes filmes era, novamente, por si só emocionante.
Outras duas aventuras cinéfilas existencialmente gratificantes e dignas de menção porque, de alguma forma, relacionaram filosofia e cinema foram o “Cine Sofia” e o “Cine Yamada”. A primeira ocorreu em parceria com o “Centro de Atenção Psicossocial AD” e permitiu que eu pudesse assistir e debater inúmeros filmes com seus pacientes. Já a segunda se deu entre amigos fraternos, com os quais compartilhamos ótimos momentos - de filmes, de prosa e também de ceia. Nesses eventos curtimos filmes como “O Homem Elefante” de David Lynch, “Ran” e “Os Sete Samurais”, ambos de Akira Kurosawa, “Solaris” de Andreï Tarkovski, “Um conto chinês” de Sebastián Borensztein, “Limite” de Mário Peixoto, “A partida” de Yojiro Takita, “It’s all true” de Orson Welles, “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain” de Jean-Pierre Jeunet, “O Cão Andaluz” de Luis Buñuel, “Deus e o Diabo na Terra do Sol” de Glauber Rocha… (entre tantos outros!).
Nesses encontros e em outros tantos que participei: por exemplo, quando em alguma férias paulistana, assisti “Anjos exterminadores” de Luis Buñuel na PUC-SP e o curta “O Oitavo Selo” de Tomás Creus na FUNARTE-SP; ou outros encontros ocorridos por aqui mesmo em Campo Grande, a exemplo do projeto “Ágora” da UFMS, coordenado pelo professor Weiny César Freitas, o qual permitiu assistirmos e debatermos "Fahrenheit 451” a partir da versão mais recente de Ramin Bahrani no Memorial Apolônio de Carvalho.
Pois bem, em todos esses eventos havia algo metodologicamente em comum: primeiramente assistíamos o filme - presencial e conjuntamente - e depois debatíamos. Este ritual era quase sacro! Da mesma forma, quando já exercendo a docência na Escola Estadual Hércules Maymone, pude repetir tal percurso com os estudantes (especialmente em uma época em que a disciplina de filosofia contava com duas aulas na grade curricular; isto durou até 2008 em Mato Grosso do Sul) ao apresentar vários destes filmes por mim já saborosamente experimentados nas sessões cinéfilas da vida mas que eram, quase sempre, algo inédito para aqueles jovens cidadãos!
Neste sentido, para exemplificar sem ser repetitivo, vou citar apenas filmes exibidos e debatidos presencialmente no Hércules Maymone que ainda não foram mencionados neste singelo depoimento, sendo eles: “Perfume de Mulher” de Martin Brest, “Mississipi em Chamas” de Alan Parker, “A Revolução dos Bichos” de John Halas e Joy Batchelor, “Veja esta canção” de Cacá Diegues, “Patch Adams - O Amor é Contagiante” de Tom Shadyac, “Capitão Fantástico” de Matt Ross (neste dia contamos com a participação especial de acadêmicos do curso de filosofia da UFMS que participavam do “pibid” sob orientação do professor José Carlos da Silva), “Balão Branco” de Jafar Panahi, “A Noite Americana” de François Truffaut, “Zorba, o Grego” de Michael Cacoyannis…
Todavia, eis que se apresentou para nós, humanidade, a assombrosa pandemia de covid-19, com consequências catastróficas imediatas: quase 6,5 milhões de mortes no mundo até o momento em que escrevo este texto (segundo dados da Universidade John Hopkins; cf. https://coronavirus.jhu.edu/). Além de outras tantas de gravidade importantíssima como, por exemplo, os prejuízos trazidos à formação educacional de 1,5 bilhão de crianças e jovens (segundo dados da UNESCO; cf. https://pt.unesco.org/covid19/educationresponse/globalcoalition). Assim, a partir do início de 2020 muitas questões, algumas por dever de ofício, outras por dever de cidadão, surgiram e continuarão em nossa pauta, certamente, por muito tempo.
Nesse sentido, como foi bem colocado pela Comissão internacional sobre os futuros da educação da UNESCO: “il est évident que nous ne pouvons pas revenir au monde d’avant” (que em bom português significa “é evidente que nós não podemos retornar ao mundo de antes”; cf. https://en.unesco.org/sites/default/files/leducation_dans_un_monde_post-covid-neuf_idees_pour_laction_publique.pd f). E isto eu já discutia, desde o início da pandemia, com meus colegas profissionais da educação, acreditando que seria impossível retornarmos ao status quo. Posto isto, devemos frisar que no Brasil, além destas questões de caráter mundial, estamos no processo de implantação do chamado Novo Ensino Médio, o qual se volta, por exemplo, para questões como letramento digital e protagonismo juvenil e que, além de permitir, exige audácia para que surjam novas possibilidades pedagógicas.
Pois bem, no contexto de escolas fechadas presencialmente para a comunidade naquele momento, o difícil ano de 2020, pensei se não seria possível utilizarmos de alguma forma os recursos então disponíveis para possibilitarmos a vivência de assistir e debater filmes. Para tanto, deveríamos nos reinventar (frase das mais ouvidas durante esses últimos tempos não é mesmo?), nos adaptar! A ideia era de que se fosse possível assistir um filme e bater um papo depois com nossos estudantes já seria uma vitória. É claro que um simples “bate-papo” poderia ser muito rico, pedagogicamente falando, mas naquele instante essa nem era a principal motivação, pois a própria experiência narrativa e estética de ver um filme e depois conversar com outras pessoas poderia ser importante existencialmente para nossos educandos.
Entretanto, para efetivar tal intento, primeiramente, era necessário encontrar meios de tornar possível tal proposta. Ocorre que, mesmo sendo leigo no uso de recursos tecnológicos, felizmente, pude obter a imprescindível ajuda de colegas como a Jane Padilha, a Adriana Barbosa, a Fabiana Neves, o Willian Cavalari, o Renato Lima, o Haristom Willy e o Márcio Ponciano, aos quais aqui agradeço publicamente. Isto possibilitou que pudéssemos criar a seguinte metodologia: cada pessoa iria assistir prévia e individualmente o filme para depois debatermos sobre o mesmo, agora sim, coletivamente, mas de forma virtual, através do Google Meet. Eis que assim nasceu o projeto “FilosoFilmando”!
É preciso dizer, neste momento, que para mim esta seria uma experiência desafiadora: pela falta de intimidade com os recursos tecnológicos, pelo ineditismo da situação, pela falta de uma metodologia estruturada e testada… enfim, confesso que não pareciam pequenos os desafios, todavia, para minha surpresa, aos poucos, foi naturalmente surgindo um caminho, uma forma e um roteiro que se consolidaram.
Para ser breve, graças a participação de dois estudantes excepcionais, a Karen Mainardes e o Kevin Campião - ela estudante do Hércules Maymone e ele estudante da Escola Estadual Severino de Queiroz (e que chegou a este projeto por indicação do seu professor de filosofia e do meu amigo Thiago Fróes) pudemos estabelecer o seguinte formato: 1. Cada pessoa assiste previamente em sua casa o filme selecionado; 2. Cada um faz suas observações e pesquisas para serem levadas ao debate 3. Discutimos conjuntamente através do Google Meet, com as câmeras fechadas e compartilhando slides que apoiam nossas análises; 3.1. Analisamos pontos como direção, produção, interpretação, personagens, cenas e falas marcantes, contexto cultural, fotografia, valores, verossimilhança, exegese, estética…; 4. Após o término do encontro virtual, ficamos com o desafio de escrever um texto que contemple nossas impressões do processo de assistir o filme e debatê-lo (#ficaadica: na parte “Atenção, contém spoilers!” deste site você pode ler vários destes textos).
Dessa forma, até este instante, já assistimos e debatemos vinte filmes, dentre os quais posso elencar os seguintes: “Hair” de Milos Forman, “Platoon” de Oliver Stone, “Deus e O Diabo na Terra do Sol” de Glauber Rocha, “Grandes Olhos” de Tim Burton, “Um Estranho no Ninho” de Milos Forman, “Central do Brasil” de Walter Salles, “Sinédoque Nova York” de Charlie Kaufman, “V de Vingança” de James McTeigue e nosso primeiro filme desta jornada que foi “Cinema, Aspirinas e Urubus” de Marcelo Gomes (lembrando que os nomes dos outros filmes já apareceram anteriormente neste texto, mas caso queira saber exatamente quais foram os vinte filmes assistidos, basta procurar neste site os convites dos nossos encontros).
E já que estamos falando deste singelo site, que tal explorá-lo um pouco mais hein? Se você nunca entrou no site de importantes festivais e premiações, você pode clicar nos respectivos botões e entrar nos sites oficiais do Oscar, do Festival de Cannes, do tradicionalíssimo Festival de Cinema de Gramado ou da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Mas saiba que existem outras opções neste site também para você ficar antenado: reportagens, sites dedicados ao cinema, programas sobre o assunto, podcasts….
Agora deixo uma dica super legal! Neste site do FilosoFilmando você vai encontrar links para algumas plataformas gratuitas, são elas “Spcine Play” e “Itaú Cultural Play”, através das quais você terá acesso a filmes e documentários! Em tempo, já pensou se o MEC criasse uma plataforma dessas também para disponibilizar os inúmeros filmes que são citados em nossos livros didáticos de Ciências Humanas e Sociais, Linguagens, Ciências da Natureza, Matemática, além, é claro, de Projeto de Vida?
Outro dia ouvi um comentário do professor Marco Antônio Villa que disse ter ido assistir o filme “Atirem no Pianista” do Truffaut em São Paulo imaginando que deveria se deparar com uma sala cheia devido ao horário já próximo do início da sessão. Todavia, lá chegando constatou que a sala estava vazia…
Aproveitando tal exemplo para refletir um pouco, apesar dos pesares, imagino que nós, professores, jornalistas, doutores, artistas, enfim, sociedade, devemos nos esforçar para criar condições propícias para que este universo cultural-artístico-cinematográfico possa, ainda, e quiçá mais, atingir espaços diversos, inclusive o espaço escolar (a própria escola, mas também o lar e a família de nossos jovens) pensando em dialogar desde com o estudante que necessita recuperar sua aprendizagem até os alunos com Altas Habilidades.
Para finalizar este depoimento, gostaria de registrar aqui meu elogio aos colegas da área de Matemática e Ciências da Natureza e suas tecnologias do Centro Estadual de Educação Profissional Hércules Maymone, os quais vêm se valendo neste ano de 2022 da obra fílmica enquanto recurso didático. E digo isto porque outro dia fui convidado para registrar (fotografar) os preparativos da sessão que oportunizou o filme “Interestelar” de Christopher Nolan para os estudantes que fazem o aprofundamento de seus estudos no itinerário formativo supracitado. Só para não deixar dúvidas: Sim! Os colegas estavam absorvidos - e felizes - na tarefa de estourar e organizar a pipoca para mais um dia de aula, o qual, seguramente, ficará para sempre marcado na memória de muitos - joviais professores e jovens educandos!
ATENÇÃO! CONTÉM SPOILERS!
"O fabuloso destino d'Amélie Poulain" por Kevin Queiroz Campião
"O fabuloso destino d'Amélie Poulain" por Kevin Queiroz Campião
Daria para dizer que O Fabuloso Destino de Amélie Poulain é um típico exemplo de feel-good movie, ou em tradução livre, filme para se sentir bem. Isto fica evidente na narrativa genuína e de tom fantasioso, costurada por uma montagem dinâmica; no destaque dado ao vermelho e verde, que sugerem alegria e inocência; na fotografia marcada por tons quentes aconchegantes; e na leve performance de Audrey Tautou como a personagem título. Inclusive, leveza seria um adjetivo muito bem colocado para classificar o sentimento passado pela obra.
Desde os primeiros minutos da projeção, há uma grande valorização nos pequenos e simples detalhes (o que é sempre realçado pela apurada mixagem de som). Esta apreciação é levada até o fim, onde pode-se concluir que o destino de Amélie Poulain é ordinário, mas não por isso menos fabuloso.
No mais, esta foi uma ótima experiência de cinema, complementada por mais um debate enriquecedor.
"V de vingança': uma adaptação tão fantástica quanto os quadrinhos" por Karen Mainardes
"V de vingança': uma adaptação tão fantástica quanto os quadrinhos" por Karen Mainardes
“Lembrai, lembrai o cinco de novembro, a pólvora, a traição, o ardil, por isso não vejo como esquecer uma traição de pólvora tão vil”, essa icônica frase consegue caracterizar perfeitamente a obra cinematográfica V de vingança, uma adaptação que não só traz riquíssimas referências históricas, como também ensina sobre anarquia, regimes totalitários, liberdade, e o ponto mais crucial: o que é uma ideia. O filme é uma adaptação dos quadrinhos de Alan Moore, no qual, seus acontecimentos se passam em uma Inglaterra distópica, vítima da perda de cidadania e liberdade, consequências de um regime totalitário que implantou medidas severas análogas às do Nazismo e Fascismo. Neste cenário, o personagem que se autodenomina como V, caracterizado não só como um homem, mas sim como uma ideia, deseja impor sua anarquia e realizar sua vingança contra o governo que trouxe a ruína para o povo inglês. A obra pode abranger ausências de detalhes em relação aos quadrinhos e altera o roteiro original da história, contudo, consegue surpreender por conta da forma que as gravações foram executadas, pela atuação e pelo próprio roteiro que fugiu um pouco da obra original.
A história é introduzida pela voz de Evey relembrando não dá ideia, mas do homem que mudou sua vida e a vida do país, acompanhado da cena de captura de Guy Fawkes, um dos envolvidos da conspiração da pólvora, no qual ocorreu no dia 5 de novembro, o objetivo era explodir o parlamento inglês com o rei dentro, para impor seus interesses na monarquia, visto que o rei James I, não era bem visto pelo povo inglês, por ser também o rei da Escócia. Em seguida, a obra da um salto no tempo, apresenta os dois protagonistas: V e Evey e apresenta uma curta demonstração da ditadura que está instaurada naquele universo: o monólogo de Lewis Prothero, a voz “mais ouvida de Londres” e a cena de abuso de autoridade dos homens dedo, policiais do presente regime, contra Evey. Ela seria vítima de um estrupo se não fosse a interrupção de V, que a salva e a convida à assistir o seu espetáculo: ele explodiria o Palácio da Justiça quando os sinos anunciassem o 5 de novembro.
Após o acontecimento da noite anterior, Evey está na rede estatal de televisão britânica, seu trabalho, assistindo as últimas notícias referentes à explosão acompanhada por uma música, 1812 Overture de Tchaikovsky, segundo à apresentadora aquilo não passou de uma demolição planejada. Isto representa uma demonstração do controle da mídia e na disseminação de notícias falsas com intuito de enganar a população e demonstrar que o governo vigente sempre está no controle de tudo. Posteriormente, V aparece na rede de televisão para mais um ato de anarquia para comemorar o 5 de novembro, com um colete de bombas, ele força diversos funcionários a se vestirem como ele e colocarem no ar uma gravação que o mesmo realizou. A gravação é exibida para toda Londres, onde V discursa para o povo inglês, admite que explodiu a Palácio da Justiça e promete que irá explodir o Parlamento no próximo 5 de novembro, convida aqueles que estão, assim como ele, cansados da situação que o país se encontra, para assistir o espetáculo, e diz que as pessoas vão se lembra de como o país um dia já teve sua dignidade. A polícia chega ao local enquanto a gravação estava sendo exibida, dois detetives procuravam por Evey, já que esta era uma suspeita de cúmplice do “terrorista” V, e outra equipe tinha o objetivo de capturar o anarquista, o destino dos personagens se cruzam novamente, durante a fuga dos dois. V é surpreendido por um policial, por sua vez Evey decide salvá-lo, atirando spray de pimenta nos olhos do homem, que acaba revidando deixando a moça desacordada. No fim, V desnorteia o policial e leva Evey consigo para sua Galeria das Sombras, seu esconderijo.
Ao acordar em um local estranho, Evey entra em choque ao perceber que iria ter que permanecer naquele lugar por um ano, ela acaba descontando sua frustração em V, mas se arrepende da forma que agiu, e percebe que ele só estava tentando ajudá- la, uma vez que, ela seria considera sua cúmplice e seria interrogada da forma mais cruel se ele tivesse à deixando. É neste momento que a garota revela o seu desejo de não querer possuir medo, ela conta a sua trajetória de vida para o anarquista, seu pai e sua mãe haviam lutado contra o governo e pagaram um preço muito alto por isso, e que ela ao menos queria ser como eles. A história começa a ganhar um toque mais de mistério, uma vez que V começa a se vingar dos envolvidos em sua criação, começando pela “voz mais ouvida de Londres” O general. O mascarado pede ajuda de Evey para seu próximo alvo, mas esta acaba o traído e foge para casa de Gordon, um conhecido amigo de trabalho. A trama ganha um ar de suspense, quando os policiais invadem a casa do apresentador de TV por conta da sátira que este havia feito em seu programa contra a imagem de Adam Sutler. Gordon é levado, mas a jovem consegue escapar, mas é capturada por um homem.
A partir deste ponto, Evey passa por uma série de torturas análogas ao holocausto. Enquanto estava presa, ela encontrou uma carta de uma ex-prisoneira em um vão na parede, havia sido escrita por Violet, na escritura, feita de papel higiênico, a garota narra uma autobiografia e relata como ela foi perseguida e presa por ser homossexual. Após uma série de interrogatórios, é feito um ultimato, mas Evey admite que prefere morrer do que falar qualquer coisa sobre o anarquista V, é neste momento que a jovem é liberta, e é revelado que V estava fazendo torturando Evey o tempo todo, para que ela pudesse ter a experiência que o anarquista teve, torna-se forte e que não tivesse mais medo. A reação da jovem, com certeza não seria das melhores, no entanto, fica evidente de como tudo aquilo foi importante para a “metamorfose” da personagem, e que agora ela é uma pessoa forte e livre de medos. No entanto ela resolve abandonar a Galeria das Sombras, mas promete ver V antes do 5 de novembro chegar.
V continua realizando seus atos de vingança, desta vez contra a doutora responsável diretamente pela criação da figura mascarada. A história ganha mais impacto quando o detetive escolhido para investigar o caso do terrorista mascarado, começa a duvidar do próprio partido a qual fazer parte, a partir do momento que lê o diário da doutora, sobre o passado de V, e é impedido de utilizar aquele documento como algum tipo de prova e recebe ordens para que esqueça do conteúdo do documento. Quando o detetive começa a se questionar sobre o passado e os métodos que seu partido usou para ascender o poder, a história ganha um peso muito mais sólido ao retratar humanamente um personagem convicto que o partido no qual faz parte sempre fez o que era certo e necessário, que começa aos poucos perder essa convicção e ir atrás da verdade. Este é o ponto crucial da trama: o governo vigente planejou a criação de um vírus com potência para que se instaurasse uma pandemia, no qual eles criaram a cura, e a partir disso, eles conseguiram ascender o poder da Inglaterra e governariam impondo seus ideias homofóbicos, racistas e fascistas.
O 5 de novembro finalmente chegou, a anarquia já está instaurada, é hora de explodir o parlamento, acabar de vez com Adam Sutler, e depois a ordem irá se instaurar e a democracia novamente vai voltar. O desfecho ocorre, com V entregando tudo o que tinha para Evey, e deixando a decisão de explodir o Parlamento com ela, a jovem finalmente releva seus sentimentos por ele e pede para que eles fujam juntos, mas V sabe o deve ser feito e vai em direção ao seu destino, matar Adam Sutler e ser morto em seguida. Evey ver V dar seu último suspiro, ela não tira sua máscara por respeitar e entender que V era mais que um homem, ele era uma ideia, ela o coloca no vagão de trem que estava recheado de explosivos e decide assim puxa a alavanca e explodir o Parlamento. Então a obra se encerra com vários personagens assistindo a explosão do parlamento, alguns rostos eram conhecidos, como o próprio Gordon ou uma garotinha que havia sido morta no decorrer do filme, demostrando que ideias são aprova de balas.
A obra traz diversos pontos acerca do protagonista V, uma vez que o codinome do anarquista está relacionado com o número 5 em algarismo romano e com a conspiração da pólvora, feriado nacional comemorado na Inglaterra. V utiliza o significado do feriado com o propósito de instaurar uma ideia e um objetivo, explodir o Parlamento, tal qual Guy Fawkes e seus companheiros tentaram fazer, mas desta vez, não é para matar o monarca, mas sim para derrubar uma ditadura. O Parlamento sempre foi um símbolo do governo na Inglaterra, sendo assim, explodi-lo o tornaria um novo símbolo, este faria a população acordar e buscar pelos direitos fundamentais que foram negados por muito tempo.
Outrossim, a narração deixa certas lacunas sem preenchimento, como a história incompleta do anarquista mascarado e o porquê da necessidade do mesmo morrer, mas isto acaba se tornando necessário para o filme, e lhe dar um toque a mais, uma vez que permite com que o telespectador reflita e traga explicações baseadas nas informações sólidas que a obra transmite. De certa forma, este fato enriquece a adaptação. Além disso, a metamorfose da personagem Evey, é bem trabalhada e humanizada, em função de demonstrar como o ser humano se fortalece ao passar por uma situação extrema jamais vivida. A narração deixa evidente que ela não se tornou igual ao V, pois a jovem não saiu atravessando o fogo, mas sim a chuva, este detalhe exalta a força diferenciada que Evey conseguiu passando por um experiência análoga a que V passou.
Embora a adaptação não seja fiel ao roteiro original dos quadrinhos, ela ainda consegue contribuir com temáticas que precisam ser debatidas na contemporaneidade, se baseia em fatos históricos para construir o universo distópico britânico, traz reflexões referentes a história, no qual faz com que ela ganhe um brilho tão forte quanto a obra original e ainda consegue encantar, impressionar e fascinar quem assiste. Tanto o filme, quanto os quadrinhos serve de inspiração para protesto políticos nos tempos atuais, e com certeza é algo que deve ser prestigiado.
"V de Vingança" por Kevin Queiroz Campião
"V de Vingança" por Kevin Queiroz Campião
De modo geral, acho este um filme muito assertivo, amparado por fortes atuações (com uma grande performance vocal e corporal de Hugo Weaving e a impressionante transformação de Natalie Portman), um visual habilmente trabalhado, uma trilha marcante, uma riqueza cultural (proporcionada por um de seus protagonistas) e uma trama envolvente, que mesmo inferior politicamente à original, é bem estruturada em si própria.
Já relevante no aspecto social desde a graphic novel de Alan Moore, V de Vingança obteve ainda mais visibilidade com o filme de 2005, que popularizou citações como "o povo não deve temer seu governo; o governo é que deve ter medo de seu povo" e transformou a máscara de Guy Fawkes em um símbolo político, mesmo que por vezes deturpado. Creio que isto ocorra pelo fato de que a adaptação tornou as críticas sociopolíticas contidas na obra menos intensas e objetivas do que na HQ, dando maior destaque para as cenas de ação (carregadas de estilo e bem executadas, diga-se de passagem).
Ainda assim, uma porção de temas relevantes são comentados aqui, como autoritarismo, censura, ética em experimentos científicos e homofobia. Porém, os que eu mais diria que posso "levar para a minha vida" são integridade (tratada de modo honesto por Valerie como um dos princípios fundamentais do indivíduo) e manipulação midiática (considerando os tempos de "fake news" em que vivemos e um maior alcance das informações).
Por fim, conclui-se que, mesmo com seus problemas, ainda podemos extrair muito deste fantástico filme, o que foi feito de maneira brilhante em nosso debate.
"A Montanha dos sete Abutres' e a questão da veracidade" por Karen Mainardes
A montanha dos sete Abutres é de fato uma obra cinematográfica produzida para expor e criticar um determinado aspecto do jornalismo: o sensacionalismo. Entretanto, o filme não só cumpre seu objetivo de forma eficiente sobre seu objetivo, com uma premissa satisfatória, como também faz com que os telespectadores reflitam sobre a questão da verdade nos meios midiáticos, assunto ultra repercutido na contemporaneidade. Com a presença de um roteiro lento, que gradativamente, ganha um curso de suspense, no qual resulta em uma narrativa surpreendente e chocante, a obra em questão consegue ser cautelosa, inovadora e realista.
Chuck Tatum chega na cidade de Albuquerque no Novo México em busca de uma oportunidade de emprego em um jornal local por um preço relativamente baixo, logo no inicio do filme o telespectador consegue traçar a personalidade negativa do protagonista a partir de seu gesto ofensivo para um empregado indígena que se encontrava na entrada do jornal, a forma que ele fala com os escritores, bem como a maneira que o mesmo se caba para o proprietário. A obra cinematográfica começa a desenvolver o caráter de Tatum no momento que ele diz “se não há notícia, eu vou e mordo um cachorro” e explica que havia sido demitido de onze jornais e que precisava de uma oportunidade para transformar sua vida e começaria em um “jornalzinho” como aquele e depois voltaria para Nova York.
Um ano se passa e Tatum ainda não achou sua grande oportunidade para ganhar a atenção dos holofotes, contudo ao ser transferido temporariamente para uma cidade próxima de Albuquerque para trabalhar no evento de caça às cobras ao lado de, o jornalista acaba conhecendo Leo Minosa, um homem esta preso na famosa Montanha dos sete Abutres, e a partir deste encontro, Tatum encontra sua passagem de volta à Nova York, assim, começa manipular as informações relacionadas ao caso de Leo, utilizando as crenças locais sobre os espíritos indígenas “malignos” da montanha, consequentemente o que poderia ser apenas um acidente isolado, se transforma em um evento de comoção nacional. Tatum consegue o apoio do Xerife local e consegue manipular o regate de Leo Minosa, o que poderia ser resolvido em apenas 48 horas, se estende para mais de uma semana, o que resulta na morte do rapaz por tuberculose, o grande final ocorre com a morte de Tatum, devido a uma suposta hemorragia causada pelo ferimento do corte de tesoura realizado pela esposa de Leo como defesa de um estrangulamento.
Em primeiro plano, tem-se diversos elementos que criticam a forma de consumir e produzir noticias ao logo do filme: “Noticias ruins vendem mais que as boas” e “Diga a verdade” são exemplos marcantes disso. A obra releva que o causador do sensacionalismo não é somente o autor, mas também aqueles que consomem, pois estes colocam a luz dos holofotes para notícias e acontecimentos transmitidos de forma exagerada e de teor falso o que corrobora para que o sensacionalismo vire um mercado. Outrossim, o filme transmite que o jornalista sensacionalista é uma pessoa sem bom senso e caráter, podendo ter uma personalidade corrompida pela ganância.
Em segundo plano, observa-se que o filme tem a intenção de fazer os seus telespectadores refletirem sobre a questão da veracidade nos meios midiáticos, com intuito de incentivar alterações no modo e no olhar ao ler notícias, pois desta forma informações falsas e sensacionalista pode ser extintas por um processo gradativo se todos parassem dconsumir esse tipo de produto.
A obra cinematografia A montanha dos sete Abutres é uma experiência que todos deveriam experimentar, pois além de alterar a visão do telespectador sobre a questão da veracidade nos meios midiáticos, o filme transmite de forma realista a monstruosidade que o homem pode assumir em busca de status e de uma vida privilegiada, demonstra o preconceito de cidadãos de cidades metropolitanas com as interioranas e exemplifica como a corrupção movimenta as relações sociais.
"Sinédoque, Nova Yorque" por Kevin Queiroz Campião
"Sinédoque, Nova Yorque" por Kevin Queiroz Campião
Fui assistir sem saber muito o que esperar, e terminei surpreso com o que tinha acabado de ver. A priori, vale trazer algumas observações um tanto técnicas.
Todos os elementos da obra convergem para a visão de Charlie Kaufman: a bela e marcante trilha de Jon Brion (Something You Can't Return To continua na minha cabeça), a fotografia condizente com a melancolia proposta, o excepcional trabalho de maquiagem que ressalta os grandes saltos temporais (papel também desempenhado pela esperta montagem) e o design de produção inventivo responsável por intensificar a imersão do espectador nesta transição entre vida real e ficção que é o filme. Tudo isso sem contar com o elenco aqui reunido, que é de ouro (com destaque, claro, para atuação magistral de Philip Seymour Hoffman, incorporando muita verdade e coração em toda a profundidade do protagonista).
O roteiro merece uma atenção especial, pois certamente é um dos mais densos que já vi. Ele trata sobre basicamente tudo: a morte, a vida, o amor, o tempo, a memória, a dor, o sofrimento. Exatamente o que Coden pretendia contar com sua peça. Há muitas metáforas presentes durante toda a projeção, que rendem inúmeras interpretações. Lá vão apenas alguns exemplos:
• O sobrenome do protagonista (Cotard) se refere a uma síndrome, na qual a pessoa pensa que já está morta. Alguns diálogos, como um da psicóloga e outro de Ellen, evidenciam isso.
• A casa de Hazel está em um incêndio constante. As chamas podem representar seu espírito, sempre vivo, enquanto o exterior da moradia seria seu corpo físico, que no começo era vibrante mas acaba arrasado pelo tempo.
• Em um momento, o diretor de teatro dá aos seus atores instruções que vêm de sua cabeça (o que poderia ser um sinal de esquizofrenia). Uma dessas seria "ver em sua esposa uma estranha". Isto é conhecido como Síndrome do Impostor, algo que possivelmente o protagonista teria. Esta conclusão pode ser tomada quando usamos a lógica da própria peça - cada personagem era interpretado por um outro, como por exemplo, Coden, que era interpretado por Sammy. No entanto, Claire interpretava a si mesma (assim, "ela seria sua própria sósia").
• Com tantas doenças sem um diagnóstico claro, Cotard provavelmente era hipocondríaco.
• Há a possibilidade de que o protagonista tenha sido um homossexual reprimido, tendo tido um caso com Eric, marido de Ellen.
• As anotações no diário de Olive provavelmente eram feitas por Coden.
• A voz ouvida por Cotard durante a sequência final do filme pode ser outro sinal de esquizofrenia.
• Ele se via constantemente em propagandas e desenhos animados. Mais um indício.
• A catarse artística de Adele ocorre por meio do minimalismo, enquanto a de Coden pelo maximalismo.
• Sinédoque é uma figura de linguagem caracterizada pela relação entre a parte e o todo. O termo se encaixa precisamente com a proposta da peça central - retratar a vida do protagonista representando a de toda a humanidade.
Somente algumas das diversas interpretações possíveis. Sem dúvidas, aqui há um prato cheio para os psicanalistas.
Por fim, o que podemos levar desta obra para a vida?
Ela traz uma mensagem muito clara: a existência é finita. Este pensamento é passado com um certo niilismo. Pessoalmente, não compactuo com esta linha de pensamento; como diria um dos assistentes de Cotard, "vejo algo esperançoso". Ainda que a morte chegue mais cedo ou mais tarde, devemos aproveitar ao máximo esta vida, e tornar nosso (extremamente curto) período de existência o mais proveitoso possível.
Mais uma vez, este foi um excelente debate. Sinceramente, me ajudou a ter uma compreensão muito maior desse filme sensacional.
"Grandes Olhos" por Kevin Queiroz Campião
"Grandes Olhos" por Kevin Queiroz Campião
Aclamado por alguns, odiado por outros, Tim Burton possui uma carreira de sucesso em Hollywood. Nos clássicos que emplacou, como Edward Mãos de Tesoura e Batman, uma característica principal: atmosfera gótica. Era justamente isso que eu esperava encontrar no filme que debatemos. Porém, me surpreendi com uma vívida (e belíssima) fotografia, completamente diferente de tudo que este artista nos proporcionou até então. Aliás, o filme como um todo é um ponto fora da curva na carreira do diretor. Na minha opinião, um ponto positivo; Tim Burton foge de seu estilo habitual, mas sem perder qualidade. A obra é bem conduzida, de modo que nos mantemos interessados até o fim pelo que está sendo apresentado. O design de produção e o figurino contribuem para a precisão histórica do período representado e a trilha de Danny Elfman (recorrente colaborador de Burton) se mostra um bom acompanhamento para o que estamos vendo em tela.
De maneira geral, o filme se sai bem em todos os aspectos. Entretanto, o destaque vai mesmo para a área da atuação. A dupla protagonista dá um show aqui: Christoph Waltz interpreta um mestre na arte da mentira, que usa de todo o seu carisma e lábia para ganhar fama em cima das pinturas da personagem de Amy Adams, uma artista talentosa, porém reprimida (o que é reforçado de forma sutil em um desempenho digno do Globo de Ouro que ganhou). O roteiro ainda ajuda a alavancar as performances, trazendo situações impactantes que colaboram no profundo desenvolvimento dos personagens (como a grande revelação sobre Walter e as miragens de Margaret).
A obra discute sobre diversos temas, como verdade, arte e relacionamentos. Há muito para se extrair aqui, e certamente o que eu buscarei trazer para minha vida é a questão da autoconfiança. assim como Walter fazia com Margaret, o mundo quase sempre tenta nos calar e nos por para baixo, mas devemos superar isso e soltarmos nossa voz.
"Limite" por Kevin Queiroz
"Limite" por Kevin Queiroz
Um dos primeiros filmes do cinema brasileiro, revolucionou a 7ª arte não apenas em âmbito nacional, como também internacional, tendo sido reconhecido por grandes nomes como Martin Scorsese e Orson Welles (supostamente). O que Edgar Brasil fez com a câmera aqui (os ângulos e o uso do efeito negativo) é sublime, deliciosamente experimental e muito à frente de seu tempo. As imagens capturadas por ele são conectadas de modo engenhoso por uma montagem semelhante à que Eisenstein fazia no cinema soviético, permitindo a criação de metáforas (como por exemplo, uma brilhante relação entre um homem e um peixe fora d'água). As belas trilhas escolhidas (a primeira, particularmente, é minha favorita) contribuem para o nosso envolvimento com o filme. Ademais, a narrativa também se destaca como um ponto fora da curva. De modo muito pouco usual (pessoalmente, nunca vi um projeto como este), a história nos leva a acompanhar três diferentes sujeitos, um homem e duas mulheres (interpretados com muita expressividade), que estão juntos em um barquinho prestes a afundar (em contraste com o gigante mar que os cerca; aliás, todo o mundo é infinitamente maior do que eles). Na trajetória que os fez chegar até ali, uma semelhança: os três lutavam, de diferentes modos, por sua liberdade, e nenhum deles a encontrou plenamente. Afinal... Como chegaram até ali? No fim, isso parece pouco importar.
Nenhum dos três personagens possuem um nome, o que contribui para a universalidade do que está sendo contado. É fácil nos enxergarmos neles. Pessoas que vivem buscando a plena liberdade, e que nunca a encontrarão de fato. Pessoas presas em um barquinho prestes a afundar. Um barquinho minúsculo se comparado ao mar que o cerca. Um mar de problemas. Mas não podemos desistir jamais. Devemos navegar incessantemente pelas ondas da vida, lutando pela liberdade, felicidade, e tudo o que faça esta jornada valer a pena.
Com pouquíssimas palavras, Mário Peixoto nos faz refletir sobre tudo isso. Sem dúvidas, essa se trata de uma grande obra-prima.
"Um Estranho no Ninho" por Kevin Queiroz Campião
"Um Estranho no Ninho" por Kevin Queiroz Campião
Este é um filme de muito prestígio, vencedor de nada menos do que cinco Oscars. Após assisti-lo, fica claro o porquê. A obra se sai muitíssimo bem em todos os aspectos. Possui uma bela trilha (caracterizada por um ritmo um tanto indígena, algo condizente com a conclusão) e uma fotografia precisa, que torna a ambientação (um hospício de verdade) ainda mais angustiante. O roteiro é bem instigante, trazendo diálogos interessantes e conseguindo dar espaço para todos os protagonistas e suas diversas e únicas manias. Eles são vividos por um elenco que é um show a parte, com nomes que viriam a ganhar mais fama posteriormente, como Danny DeVito e Brad Dourif. Na área da atuação, o destaque obviamente vai para Jack Nicholson, o qual dá vida ao protagonista, um personagem cheio de camadas (ele é um líder, um sujeito inspirador, inconformado, revoltado, carismático e ainda empático com seus companheiros), e Louise Fletcher, a qual interpreta uma enfermeira perversa e calculista, de crueldade explícita e sutil (um paradoxo que só pode ser apreciado em uma grande performance). Tudo isso está amarrado por uma montagem sagaz e conduzido engenhosamente por Miloš Forman, de modo que ficamos completamente imersos desde a primeira cena até a última (que possuem uma interessante conexão poética, por sinal).
No livro que baseia o filme, Kesey, o autor, constrói uma crítica aos acontecimentos bárbaros que se presenciavam nos hospícios de sua época. A obra cinematográfica mantém esse teor crítico. Ao término da projeção, fica claro para o público o quão desumanos eram os procedimentos pelos quais passavam os pacientes (certamente, a lobotomia era o mais aterrorizante deles). No entanto, se formos além, é possível desenvolver uma análise ainda mais ampla. De modo semelhante ao que ocorria nessas instalações, a sociedade e suas instituições sociais impõem a cada um de nós rígidas regras a fim de que de nos manter dentro de uma certa "normalidade"; os que se desviam deste padrão, são taxados como loucos. Por fim, a obra é um convite para questionarmos o nosso meio e tudo o que ele nos determina, a olhar para o que há de errado nele e buscar mudanças. E o que eu levaria para minha vida seria basicamente isso: o inconformismo de McMurphy para com as injustiças e erros do sistema e da sociedade de modo geral. Em outras palavras, me meio que tornaria em um estranho no ninho.
"Os dez primeiros filmes do FilosoFilmando" por Kevin Queiroz Campião
"Os dez primeiros filmes do FilosoFilmando" por Kevin Queiroz Campião
Esse filme fecha nossos (primeiros) 10 debates. Discutimos sobre obras diversas, passando pelo cinema brasileiro, francês, americano, russo, italiano e mesmo iraniano. Vivenciamos novas culturas e visões de mundo por meio dessas películas. Abordamos comédias leves e dramas existenciais, road movies e distopias. Chegamos em temas vastos, questões de ética e da condição humana, que envolvem a todos. As discussões que desenvolvemos e os filmes sobre os quais comentamos ajudaram a ampliar e muito a nossa percepção com relação ao cinema e à outros tópicos (afinal, esta é uma arte que engloba basicamente todas as temáticas possíveis). Cada dia de debate foi uma experiência enriquecedora, e fico muito contente e honrado por ter sido convidado a participar dessa iniciativa.
Prosseguimos com "Limite" (em outra excelente conversa, diga-se de passagem) e desejo de verdade que possamos ver e discutir sobre mais outras dezenas de filmes.
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Filosofia e Cinema - uma antologia - Jônadas Techio e Flávio Williges.pdfCinema - a criação de uma nova linguagem - tese de mestrado de Alessandro Reina.pdfPage updated
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