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Durante el siglo XVII, mientras los Europeos colonizaban América, escaseaba la mano de obra. Los terratenientes blancos necesitaban un gran número de trabajadores para producir arroz, azúzar y otros cultivos, y superaron sus problemas comprando esclavos. Estos esclavos eran hombres, mujeres y niños de la costa oeste africana, raptados de sus hogares y llevados a América en barcos donde eran encadenados y hacinados en las bodegas; allí padecían por la falta de agua y enfermaban. De los 40 millones de esclavos que fueron raptados de esta manera, solo 15 millones llegaron a América. Allí eran comprados y vendidos y obligados a trabajar y a vivir en condiciones de miseria. Los castigos eran horribles y los colonos hacían todo lo posible para impedirles que tocaran y cantaran su propia música africana. Sin embargo, no lo lograron y finalmente surgieron nuevos estilos musicales que resultaron de la mezcla que los esclavos hacían de sus propias tradiciones africanas con la música europea de los colonos. Ejemplos de estos nuevos estilos se encuentran en sus Cantos de Trabajo y sus Espirituales. CANTOS DE TRABAJO
Las canciones de trabajo se inventaron para ayudar a sobrellevar el aburrimiento de faenas duras y monótonas. Tenían una pulsación regular que se adaptaba al ritmo de las tareas. En las canteras, o en las cuadrillas que construían carreteras, gran parte del trabajo se realizaba manejando picos, martillos y palas que seguían un ritmo constante. Los cantos de trabajo se adaptaban a la velocidad de los martillos y eran liderados por un miembro de la cuadrilla, al que después se unían los demás. Ésta es una forma de cantar canciones típicamente africana y está basada en un patrón que se podría describir como de "llamada y respuesta".
ESPIRITUALES
Las ideas de las músicas africanas y europeas también se mezclaron en la música religiosa. Los dueños de las plantaciones trataron de convertir a sus esclavos al cristianismo.
En los espirituales se mezclaban las síncopas y las polirítmias de África con las melodías de los himnos que los esclavos tomaron de los colonos blancos. Los espirituales estaban basados en el patrón africano de llamada respuesta, con un líder (en este caso el sacerdote) cantando primero, y contestado por el resto (la congregación) en coro.
El canto de los espirituales a menudo se convirtió en un evento a gran escala con todo el mundo bailando y dando palmas al compás de la música, como en África.
Un término posterior para designar a los espirituales negros y otros cantos religiosos es música Gospel.
LAS MARCHAS
Uno de los estilos de música europeos que habían sido populares durante el siglo XIX fue el de las bandas de desfile.
Como resultado de la victoria de los estados del Norte en la Guerra Civil Americana, los esclavos fueron liberados. Con el fin de la guerra, muchas de las bandas de desfile que habían llevado soldados a la batalla se deshicieron de sus instrumentos y fueron vendidos a precio de gangas. Muchos negros se quedaron con estos instrumentos, formaron sus propias bandas y tocaron sus propias versiones de las solemnes marchas europeas. Al introducir rítmos sincopados, y al cambiar las notas de la melodía cuando les convenía, las hicieron más divertidas de tocar.
RAGTIME
El Ragtime se desarrolló durante la década de 1890 en los salones, garitos de juego, cafés y burdeles de las ciudades de los estados del sur de Estados Unidos. Fué la primera música negra en ser aceptada por la gente blanca, y los blancos terminaron por tocarla y escribirla ellos mismos. Se parece a la música clásica en el sentido de que está compuesta y escrita, no se desarrolla durante la interpretación.
También es parecida a la música de marcha por el pulso constante de corcheas tocado por la mano izquierda del pianista, que marca el ritmo del bombo y de los platillos.
Su característica principal es el ritmo sincopado de la mano derecha (notas que no suenan en el pulso fuerte, sino que empiezan en los pulsos débiles y se prolongan hasta los pulsos fuertes del compás).
Scott Joplin es el compositor de Ragtime más conocido. Tocó el piano durante años en burdeles y salones. Al final tuvo éxito con melodías como MAPLE LEAF TAG y The Entertainer.
EL BLUES
Otro estilo de música negra de principios de siglo fue el Blues. Se trataba de música popular que surgió de la misma mezcla de ideas africanas y europeas que habían dado lugar a los cantos de trabajo y a los espirituales. Como éstos, el Blues contaba los sentimientos, temores y esperanzas de los cantantes, pero lo hacía de una forma más personal. Comenzó, al igual que gran parte de la música negra, en las zonas rurales del sur, pero al poco tiempo también podían encontrarse cantantes de blues en las ciudades.
En sus orígenes el blues era interpretado por un cantante acompañado generalmente por una guitarra, un banjo o, eventualmente, por un piano. Era una música de sonido poco elaborado, llena de emoción, y la escala sobre la que se basaban las melodías y armonías acabó por llamarse la Escala del blues.
Esta es una versión de la escala en la que los grados tercero y séptimo se tocaban o se cantaban un semitono más bajo. Esto produce un efecto de desafinación intencionada que ayuda a darle al blues ese sabor tan especial.
 ESTRUCTURA DEL BLUES
Numerosas canciones de blues siguen la forma del blues de 12 compases y las letras tienen tres frases, siendo las dos primeras iguales. Utiliza tres acordes: tónica I, dominante V y subdominante IV.
 Hay muchos cantantes muy conocidos de la época rural del blues. Quizás el más admirado por los músicos modernos sea Robert Johnson, quién sólo grabó unos 30 blues, acompañándose con una guitarra. Murió envenenado en 1938, a la edad de 26 años.
Aunque sus inicios estuvieran en las canciones de trabajo, la evolución del Blues ha corrido paralelamente a la del Jazz, y desde los años 20 ha tenido una difusión espectacular a todos los niveles.
Un ejemplo de ello lo constituye el Booggie-Woogie, estilo muy popular durante los años 30 y 40. También el Blues tendrá una gran influencia sobre las orquestas de baile de esas décadas y sobre los creadores del Rhythm and Blues, mezcla de Blues combinado con un ritmo especial, el Swing.
Del mismo modo, el Blues influirá sobre el Rock and Roll.
ESTILO NUEVA ORLEANS Y DIXIELAND
 Lo emocionante de la música de las bandas que actuaban en los salones de los bares era el hecho de que gran parte de lo que tocaban era improvisado. Esto no significa que las melodías no tuvieran forma, ni que cada cuál puediera tocar lo que quisiera. Cada pieza de música estaba basada en una canción que tenía como fundamento un ritmo de marcha. Tanto los acordes que formaban el acompañamiento como las escalas que podían usarse, eran ya familiares. Los músicos jugaban con notas de la melodía, y también añadían contramelodías; así se alejaban cada vez más del original sin que lo que tocaban dejara de ser reconocible.
De esta forma, junto al puerto de Nueva Orleans, nace un nuevo estilo musical, llamado Estilo Nueva Orleans y en el que destaca King Oliver y su Creole Jazz Band.
Era habitual que estas bandas tocaran en desfiles de celebraciones como en los funerales. Esta costumbre venía de una tradición cultural africana y consistía en que las bandas acompañaban los cortejos fúnebres hacia el cementerio tocando música de circunstancias; pero a la vuelta iban por las calles tocando canciones festivas y todo el cortejo marchaba bailando. Entre las canciones más célebres está When the Saints go marching in, que posteriormente se convirtió en un clásico del Jazz, sobre todo en las versiones de Louis Armstrong.
Sin embargo, el Jazz no era sólo exclusivo de las bandas de músicos negros, ya que desde su nacimiento también existían bandas de músicos blancos que interpretaban este tipo de música.
Fué una banda de blancos - la Original Dixieland Jazz Band- la que hizo la primera grabación de Jazz en 1916. La música interpretada por las formaciones blancas es conocida con el nombre de Dixieland y se trataba de un tipo de música menos expresiva que la interpretada por las bandas negras, debido al empleo de un sonido más cuidado y a un mayor dominio de la técnica instrumental.
Los barcos fluviales que recorrían el Mississippi desde Nueva Orleans llevaron el Jazz rio arriba hasta Chicago. A medida que la población negra emigraba al norte en busca de trabajo, la música negra emigraba con ellos.
Louis Armstrong llevó su jazz de Nueva Orleans a Chicago en 1922. Era un brillante trompetista y sus improvisaciones pronto dominaron la música de las bandas en las que tocaba.
SWING
La emigración de gente negra hacia el norte, en particular a las ciudades, continuó a lo largo de los años 20 y de los 30, acelerada por la gran depresión de 1929. Durante la depresión, los trabajos escaseaban y los negros siguieron viviendo en la pobreza. No obstante, fueron éstas las circunstancias en las que iban a desarrollarse nuevos estilos de música negra.
Durante los años 20, Fletcher Henderson, el líder de banda negro, comenzó la tendencia que llevaría a formar bandas de Jazz numerosas. Con 10 o más músicos, éstas bandas necesitaban una mayor organización. Así, un miembro de la banda hacía de arreglista, escribiendo mucha de la música, de modo que pudieran tocarse sin los choques o conflictos que se hubieran producido si todos los músicos hubieran improvisado a la vez.
Muchos líderes de bandas blancos siguieron su ejemplo y los locales de baile se hicieron más grandes para poder albergar a las nuevas " Big Bands". El Jazz que tocaban se adaptaba muy bien al baile y el sonido de las bandas era menos energético que el de las formaciones anteriores. El nuevo sonido de Jazz se llamó SWING.
BE-BOP
En el apogeo del Swing en los años 30, muchas de las bandas que tocaban en las salas de baile atraían a grandes audiencias; de hecho, algunas veces era difícil oír los instrumentos sobre los gritos de los fans. Pero al final de la Segunda Guerra Mundial (1945) el momento del Swing había pasado. Jóvenes músicos negros sintieron que el jazz había perdido su espontaneidad, y crearon un nuevo estilo llamado BE- BOP, que llegó a ser popular durante los años 40 y 50.
El Be-bop se tocaba en bandas pequeñas y se basaba en improvisaciones rápidas y complicadas.
Como fundador del Be-Bop figura Dizzy Gillespie (trompetista) quien transformó los clásicos temas del Jazz mediante la incorporación de armonías complejas y ritmo afroamericanos. Sin embargo, el líder de este nuevo estilo es Charlie Parker (saxofonista) quién creó bellas melodías de una manera muy elaborada y con una gran variedad rítmica.
COOL JAZZ
Se trata de un estilo que surge para reemplazar la nerviosa intranquilidad del Be-Bop. Por esto presenta una sensación de seguridad y de equilibrio con contrastes rítmicos y tímbricos moderados. El sonido relajado de este estilo se obtiene a veces creando la melodía con instrumentos que tradicionalmente han formado parte de la sección rítmica, como por ejemplo, el contrabajo.
El Cool Jazz también lo solían tocar pequeños grupos de músicos y tampoco consiguió alcanzar una gran popularidad.
Músicos importantes fueron Dave Brubeck o Gerry Mulligan.
HARD BOP
Su nombre es el símbolo de la reacción de un grupo de jóvenes músicos negros ante el equilibrio y el control que refleja el Cool-Jazz. Este estilo se desarrolló a partir del Be-Bop durante los primeros años de la década de los 50. Sus ritmos son estimulantes y sincopados, además de unas texturas más complejas y frases improvisadas más cortas, así como reminiscencias del Blues. Dentro de este estilo destacan en sus inicios John Coltrane y Miles Davis, entre otros. FREE JAZZ En la década de los 60, Estados Unidos vive una época marcada por los enfrentamientos raciales y por un gran descontento social que se refleja a través de un nuevo estilo musical llamado Free Jazz, que intenta concienciar a la sociedad americana de la necesidad de autoidentificarse con la población negra. Este nuevo estilo representa una ruptura total con todo lo anterior y plantea una vuelta a los antiguos años 20, donde el Jazz se consideraba como algo alocado, incierto y emocionante. Para ello, a través de la improvisación, se busca el choque deliberado de varias líneas melódicas, duras y salvajes interpretadas a la vez, a un gran volumen sonoro. Para ello se deja influenciar por las grandes culturas étnicas, sobre todo de la india, y comienza a hacer uso del ruido, como elemento musical esencial dentro de las composiciones. Dentro de este estilo destacan músicos como Ornette Coleman (saxo alto) o Charlie Mingus (contrabajo). FUSIONES CON JAZZ Como su nombre indica, muestra la fusión de elementos ajenos al jazz, del que toma sus parámetros, mezclándose con todo tipo de influencias derivadas de las más diversas corrientes culturales, como el rock, flamenco, salsa, música afrocubana y música étnicas, folk,clásica, new age, pop... Jazz Rock Se trata de un nuevo estilo en el que se produce la combinación del Jazz con elementos del Rock. Utiliza las melodías y el ritmo tradicional del Jazz combinado con los instrumentos electrónicos del Rock como bajos, guitarras, sintetizadores y el empleo de diversos efectos sonoros: ecos, distorsionadores.. Dentro de este estilo destacan Al Di Meola, Pat Metheny y John Scofield. SMOOTH JAZZ Surge en la década de los 70. Mezcla melodías del Funk ligero, acoedes del Cool Jazz y líneas de bajo sencilla. Sus melodías se hicieron muy populares en los bares y otros locales donde se buscaba una música ambiental, algo parecido al Chill-out. Entre los músicos más destacados están George Benson y Kenny Gorelick. JAZZ LATINO Es una fusión entre las melodías del Jazz con la improvisación y los ritmos típicos de percusión latino-americanos. Destacan Arturo Sandoval (trompeta), Paquito de Rivera (saxo) y Tito Puente (percusión).
ACID JAZZ Combina elementos del jazz, el Funk (en los sonidos del bajo), el Hip-Hop y los ritmos de la música Dance. Este estilo empezó a popularizarse a principios de los noventa con grupos como The Brand New Heavis, Jamiroquai y Galliano.
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