QUÉ ES ESTO DEL ARTE

He lanzado esta pregunta al ciberespacio, en concreto a una web y foro de artistas y amantes del arte (talleronline). Estas han sido sus reflexiones:

 

"No creo que haya un concepto como tal de Arte, ¿por qué? porque el arte es sentimiento en expresion, algo subjetivo. No se puede fijar nada.
Pero claro en el mundo mercantilista que vivimos, tenemos que tener unos baremos para calificar, y estos ya van segun modas y modismos..." (Pecado)

 

"Arte sería aquél estado hipnótico que merced a la contemplación, nos permitiese abstraernos de toda la ruindad y miseria que hay en el mundo y centrarnos sólo en la belleza y en lo que realmente merece la pena" (Igancio)

 

"El término ARTE es tan amplio y complejo que por sí solo ya nos impide llegar a una definición concreta. La pintura, la música, la literatura, nacen como una visión personal, por tanto ya lleva implícito el ser subjetiva, y de ahí que su interpretación también lo sea, que genere tanta controversia decir si algo es arte o no lo es."
"Si a esto unimos el hecho de que el arte es crear, es innovar, ocurre a menudo que algo que hoy no sigue unas pautas y por tanto no se puede “catalogar”como ARTE, mañana sea perfectamente válido y aplaudido por todos.
En resumen, definir algo tan cambiante y en constante evolución me resulta cuanto menos arriesgado". (Karmen)

 

"Para mí el arte es justo lo que apunta Igancio, o sea, arte en un sentido muy subjetivo, una forma de vida. Arte, es un estado en el que entras en trance, y durante ese tiempo te ausentas de todo y vives solo para el arte". (Martirio)

 

"El arte...es la actividad de la inteligencia por excelencia, y por la que podemos expresar la CREATIVIDAD a través de señales, signos, acciones o actividades no sometidos a ningún tipo de reglas concretas...para intentar así una comunicación a infinitos niveles....
Por tanto hago incapié...en lo de que debe SER MÚLTIPLE Y TOTALMENTE CARENTE DE REGLAS y modas...De ésta forma sólo está sujeta a la percepción del espectador que lo contempla." (Nube)

 

"Arte, es la forma de expresar e interpretar nuestras visiones reales o imaginativas por medio de recursos plásticos, en el caso de la pintura. Sonoros en la música etc.
El arte nos permite expresar y mostrar nuestros sentimientos." (Amelia)

 

"Arte para mí es la representación por distintos medios de la expresión de sentimientos. Totalmente subjetivo tanto para el artista como para el observador u oyente.
Creo que sí es preciso una preparación (aprendizaje) y unas pautas (no todo vale!).
Me refiero al arte en general, que alberga las disciplinas de arquitectura, escultura, pintura, música ...... " (Meli)

 

"El arte es la expansión de nuestro ser mas allá de nosotros mismos, por medio de nuestra inteligencia y habilidad.
Desde mi visión, el arte no debe estar sujeto a la interpretación del espectador, o a la intención deliberada de gustar, debe ser la expresión libre del artista, de su creatividad, de sus conocimientos." (Jorge Mateos)

 

 

LAS MENINAS DE VELÁZQUEZ

 

Muy interesante e impactante esa teoría que concibe Las Meninas casi como un criptex o un triángulo. Si bien, además me gustaría señalar otros espectos que quizás como pintores, y viniendo de uno de los más grandes, nos atañen de manera íntima.

 

No parece posible suponer que Velázquez esté pintando un retrato de los reyes;

¡¡Esto es barroco puro!!:

 

1. Voy a realizar en primer lugar una lectura Iconográfica:

Velázquez aparece pintando a la izquierda de la escena -no se sabe el qué- literalmente en el cuarto del principe del segundo piso del Alcazar de los Austrias de Madrid (utlizado como Despacho de verano por el pintor) desaparecido en un incendio –seguramente provocado por los borbones e iniciado en las cocinas- en el 1700. Los planos que se han estudiado al respecto confirman  que se trata de la representación exacta –e intencionada- de un lugar real, ese cuarto del principe.

Le acompañan:

-la infanta Margarita: representada en un momento de distracción con las travesuras realizadas por Nicolasillo Pertusato jugando con el perro, por lo que tiene su cabeza en esa dirección, esboza una sonrisa que se ha cortado, si bien sus ojos miran hacia el frente.

-las Meninas (palabra portuguesa que hace alusión a las acompañantes):

*María Agustina Sarmiento: la infanta ha sentido sed y ella le trae una jarrita con agua. Aparece de perfil en actitud servil. No se ha dado cuenta de quién tiene delante.

*Isabel de Velasco: aparece a la derecha de la infanta, mira al frente  y parece comenzar una genuflexión.

*Bufón holandes: Nicolasillo Pertusato juega con el impresionante y magistral perro acostumbrado a que le hagan esas perrerías.

*Perro: suele representar fidelidad

*Enana alemana: Mari Bárbola. Mira de frente sin atender al bufón.

*Detrás dos amas en conversación si bien una mira también hacia el frente. Se trata de Marcela de Ulloa, señora de honor, y un guardadamas sin identificar

*José Nieto: aposentador de la reina. Aparece al fondo en lo que era la torre del alcazar. Debido a su posición debe siempre ir una estancia por delante abriendo las puertas.

*Los Reyes: aparecen reflejados en un espejo en la pared del fondo del cuarto. Lo que quiere decir que los reyes se encuentran en realidad delante de la escena y mirando de frente a todos lo personajes descritos. No están posando, acaban de llegar, pero están de paso pues José Nieto va por delante.

Velázquez en plena actividad pictórica, la cual no deja –o aun no le ha dado tiempo por lo repentino de la aparición- a pesar de que han aparecido de pronto en la sala los reyes, si bien sí se ladea para mirarles. No olvidemos que Felipe IV es su rey, pero sobre todo es su amigo, si no jamás se le habría permitido pintar este cuadro.

Al fondo aparecen cuadros con carácter mitológico.

La luz entra por la derecha.

 

2. Descripción Iconológica:

Velázquez persiguió toda su vida ser nombrado caballero de la orden de Santiago, algo sólo posible para los cristianos viejos, no conversos y no trabajadores a mano. A esto hace alusión esa cruz de la orden que aparece en su pecho ya que le fue otorgada poco antes de morir en 1660, si bien pintada con posterioridad parece ser por mandato expreso del rey.

 

Y qué tiene que ver todo esto con lo que supuestamente aparece representado en el cuadro.

Veamos:

En la historia de la pintura sólo ha habido tres pintores –hasta la época de Velázquez- cuya labor les haya elevado a la categoría de nobles: Apeles (pintor de Alejandro Magno), Tiziano y Rubens (contemporáneo de Velázquez). Algo insólito debido a que era un trabajo manual equiparable al de cualquier artesano.

 

Ligando con esto tenemos que acudir a una obra anterior hermana de las Meninas: Las Hilanderas. Allí Velázquez representa una escena mitológica referente al castigo de Atenea a Aracne por su soberbia. Si bien al fondo aparece un tapiz que representa "El rapto de Europa" obra de Tiziano copiada a su vez por Rubens (y que ahora el propio Velázquez de nuevo copia, equiparándose de alguna manera con estos pintores).

 

Lo que parece una sencilla escena de taller de hilado se convierte de pronto en una escena mitológica llena de contenido y para la que hay que tener una FORMACIÓN INTELECTUAL y a su vez contiene un mensaje aun más personal a través de ese tapiz del fondo.

 

Es decir la labor pictórica no es un trabajo manual, si no un ARTE LIBERAL, intelectual… y que tanto para su realización como para su observación y comprensión hay que ser un intelectual. Se trata sin duda de un apología de la PINTURA como ARTE LIBERAL, y por lo tanto un ennoblecimiento del PINTOR, aquí respaldado por la "presencia" de Tiziano y Rubens y de alguna manera el grigo Apeles a través de este tema de la mitología griega.

 

Y denuevo aparece este mensaje en Las Meninas utilizando magistralmente los artificios más sofisticados del pleno Barroco: la luz, lo verosimil, la ilusión, lo teatral…

 

El mensaje que se encierra tras la representación es una reafirmación de lo ya comentado con Las Hilanderas: EL ENNOBLECIMIENTO DE LA PINTURA Y DEL PINTOR. Conseguido impresionante y perpetuamente con la creación de un espacio ilusorio entre nuestro espacio y el pictórico y que estará por siempre ocupado por los que más pueden ennoblecer cualquier cosa con su presencia: Los REYES (espectadores eternos de lujo). ¡¡¡GENIAL!!! Por eso tanta preocupación porque la escena se desarrolle en un espacio real, a tamaño natural. En la pared del fondo hay dos copias pintadas por Juan Bautista del Mazo -alumno y yerno de Velázquez- de ¡¡dos cuadros mitológicos de Rubens (Minerva y Aracne) y de Jordaens (Apolo y Pan)!!

 Esto es barroco puro y al máximo nivel.

 

Y Velázquez consiguió su objetivo: ennoblecer su oficio y ennoblecerse a sí mismo alcanzando su ingreso en una de las más prestigiosas y nobles órdenes del momento, la Orden de Santiago.

Para realizar esta obra y para entenderla como observadores, por lo tanto, hay que tener FORMACIÓN, pues si no su verdadero mensaje aparece oculto tras lo representado, lo cual quiere decir que esto no es una labor manual, si no INTELECTUAL.

 

Las Meninas son la ¡¡APOLOGÍA DE LA PINTURA!!

 

¡¡GRACIAS MAESTRO!!

 

Tomás Santos (Tomi). 31/X/2007

 

 

CONTENIDO Y EMOCIÓN

 

 

Ayer estuve escuchando tu anterior programa y me gustó mucho. Esa combinación entre los textos de ese teórico oriental, las piezas musicales al arpa y las alusiones a nuestra actividad en Teladepintor resultó muy agradable e interesante.

 

¿Sabes? Cuando era alumno de la carrera de historia del arte -y me ocurrió a lo largo de toda la carrera- me sentía como un intruso pero justamente de lo que se estudiaba allí...es decir, como uno de los personajes a que se dedicaba el estudio entre aquellas paredes. Mi vocación desde siempre es ser pintor, no estudiar a los pintores ni las teorías e interpretaciones. Así que continuamente tenía un enfrentamiento interno al escuchar a aquellos teóricos e historiadores, o sea mis profesores y a los que aludían,  y mi yo "artista". Me fue - y sigue siendo- muy dificil llegar a un acuerdo conmigo mismo para asumir por un lado el rol nuevo de historiador del arte y por otro el de artista creador de arte, el más poderoso en mi. Incluso alguna vez me atreví a comentárselo a alguna profesora... lógicamente no lo entendió. El historiador del arte -teórico, crítico, etc- en cierto modo es un científico, con un método, un procedimiento y una recopilación de datos interconectados a partir de cuyo material desarrolla su interpretación "objetiva" y documentada. El artista "puro", por lo menos hasta donde yo lo veía y sigo haciéndolo en cierta medida, obedece a su instinto y su pulsión creadora. El historiador desmenuzaría esa instintividad dándole un origen, un porqué y sus interrelaciones anteriores y posteriores y con otras obras y artistas. Al artista simplemente le surge. A día de hoy me alegro de poseer ambas visiones pues me hace aceptar como historiador del arte lo que como artista no lo haría, e incluso en ocasiones me sorprendo de ciertos pensamientos e ideas que me aparecen. Ayer ese teórico japones decía que había que mirar el cuadro sólo como tal, sin buscar una interpretación o un contenido más allá de lo que se ve, y así disfrutar del arte por sí mismo, por su experimentación personal. Curiosamente mientras lo escuchaba emergió mi yo historiador del arte y justo recordé la explicación que escribí para Teladepintor  acerca del significado de Las Meninas... y ¡bang! surgió denuevo ese enfrentamiento interno con mi yo artista. Menos mal que nos empezamos a llevar bien ¡jejejej! y ahora se que ver Las Meninas como pintor es un sentimiento indescriptible, y además disfrutarlas como historiador del arte supone un complemento perfecto para una percepción de la obra más intensa y densa. Por lo tanto creo que si además se le añade contenido a la simple experiencia visual, el disfrute es mayor, o por lo menos más completo y si no al menos calma o atiende a nuestra curiosidad innata... "la mayoría de las veces".

 

Un fuerte abrazo.

 

Tomi.

 

 

    DE LO ESPONTÁNEO EN EL ARTE

 

¿Qué tal Roberto?

 

Hoy he estado escuchando tu programa de ayer... y ¡¡sorpresa!! he sido uno de los protagonistas ¡¡accidentales!! nunca mejor dicho ¡¡Jjejejeje!! Gracias por tu mención y el interés que muestras hacia mi.

 

Mientras escuchaba, esta mente inquieta y desbocada que me acompaña, se ha puesto a meditar y reflexionar motivado por lo escuchado pero también en relación con algunos interrogantes y cuestiones que andan rondándome últimamente.

 

¿Cuánto hay de espontáneo y cuánto de meditado en el proceso creativo?:

 

1.- ¿Deberíamos decir que arte es sólo aquello que ha sido meditado previamente cual científico en su laboratorio? ¿Que los accidentes no pueden formar parte del proceso artístico?:

 

En este sentido, y lejos de tener respuestas absolutas a lo que aquí y desde el principio estoy planteando, podemos, eso sí, indagar a ver qué pasa.

 

Es evidente que hay obras que un artista se PLANTEA hacer por lo que asume un proceso en el que quizás todo es más evidente: hay unos pasos hasta la consecución de la obra. Pero, esto no quita para que durante ese proceso de realización sí existan "accidentes" (bien reflexivos o bien formales) que colaboran sin lugar a dudas en la definición de la obra final, en su resultado final. Y esto sigue siendo igual de científico pues de todos es conocido cuánto ha habido de accidental en algunos de los grandes descubrimientos de la humanidad, por mucho que se partiera de un interés de estudio distinto en inicio. Ahí estaría el "encontrar" en el arte.

 

Es imposible controlar absolutamente todo el proceso: todos los materiales, mi estado de ánimo, la climatología que afecta a la obra, etc. Lo cual no quita para que ese hecho "accidental" sea beneficioso -e incluso llegue a ser, a darse en sí mismo- partiendo, eso sí, de un trabajo constante y esforzado. Es decir, "que la inspiración - y lo accidental- me pille trabajando". Corre el rumor de que siendo Miguel Bosé un niño, y estando en la casa de Picasso (eran familias muy amigas) éste garabateó sobre una obra en proceso de Picasso lo cual, lejos de irritar al genio, motivó a aprovechar esos garabatos "intrusos" en la obra que estaba realizando.

Roberto, las obras de arte no son procesos terminados, en absoluto; cuando salen de las manos del artista son recién nacidos: y tienen toda una vida independiente por delante... y como toda vida, llena de sucesos (a la Gioconda la acuchillaron, el Grito de Munch lo robaron, etc, etc) y eso forma parte de la obra, de sí misma de su propio bagaje, independientemente de aquel proyecto inicial y la motivación antes de su realización. Cuántos artistas en el teatro aprovechan una situación dada, momentánea, para introducir alguna novedad en esa obra de la que llevan ya cientos de representaciones dándole así otro aire, remozándola, pero eso sí, para que sea así han de estar representando la obra (y esto por lo tanto va más allá de la obra y del escritor que la escribió: la obra vive su propia vida en otros ojos, otras bocas, otras miradas, etc)

 

2. ¿Puede haber obras de arte espontáneas, surgidas, aparecidas?

Hagamos el mismo análisis que anteriormente. Si quiero hacer un cuadro sobre la guerra de la indepencia española contra los franceses lógicamente se acercará mucho más a lo que entendemos por una obra planeada a priori. Pero, si estoy hablando contigo mientras tomamos unas cañas en una terraza en  verano, a eso de las ocho de la tarde y mientras hablamos, de repente se me presenta la obra de arte sin haberla planteado, ¿no será también arte?. Y es que el "meollo" de la cuestión no está en el tipo de obra, si no en el que la genera o es capaz de verla y de llevarla a cabo, el artista. Resulta que mientras hablamos te has girado hacia tu derecha al ver pasar a una preciosa joven la cual a su vez te ha mirado y la postura que has adoptado -la mano sobre la mesa, el brillo de la cerveza con la luz de la tarde, tu rostro casi de espaldas pero tu cuerpo casi de frente a mi, la conexión entre vuestras miradas ella y tú, y el rodar y agitación de la calle-, forman un motivo Perfecto para ser fotografiado, pintado, para inspirar toda una historia dramática, etc, etc... Y cuando la obra haya sido realizada: ¿será o no arte?. ¿Es planteada o accidental?. ¿No será que depende más del continuo estado de vigilia del artista, de su propia e intimísima vivencia y su posicionamiento en la vida, es decir lo que yo llamo su mirada?

 

Si no lo admitimos entonces seremos artistas autocensurados, ya que todo aquello que no haya imaginado previamente, no tendrá cabida en mi arte: bien, entonces como la Guerra de la Indepencia española con todos sus escabrosos acontecimientos no ha sido perviamente concebida por Goya, toda su espectacular obra desde Los Caprichos hasta Las Pinturas Negras, NO SON ARTE Y NO TIENEN CABIDA. Creo, amigo Roberto, que esto no tiene sentido, pues la vida es en gran medida azar o situaciones inesperadas y aquello que nos vamos encontrando y nos va sucediendo accidentalmente o inesperadamente. Y si esto es así con la elección del  Motivo, imagínate durante el proceso de elaboración. Sinceramente: ¿pero es que controlamos estrictamente los resultados de nuestro pincel al aplicar la pintura? Yo no, gracias a Dios, y mira que básicamente soy pintor realista -ya conoces mi obra-, pues eso le añade una libertad a mi trabajo que quizás sea la "Grazie" la Gracia de mi obra... aquello personal y armonioso de mí, propio.

 

De este análisis, por lo tanto para mí se concreta, que en el proceso creativo se vinculan inseparablementa ambos aspectos: lo planificado y lo inesperado o accidental, no pudiéndose negar ni lo uno ni lo otro... por nuestra propia LIBERTAD y la ALEGRÍA de nuestro trabajo como artistas. 

 

Para mi no puede tener únicamente validez lo realizado bajo un excesivo análisis procesual, una mentalización total; no, me niego, se niegan mis células porque les quito su misión en la vida, ese trabajo forma parte de cada célula del ARTISTA y si no se dá de por sí, entonces simplemente no se es artista y no pasa nada de nada, sí se será un correcto pintor, pero no ARTISTA. Es como si tuvieramos que seguir un manual para respirar ¡Imagínate!... qué sucedería ¡¡Que nos ahogaríamos!! Y todo esto es con la pintura... imagínate con la música, la más abstracta, etérea y pura de las artes. 

 

Seguiré meditando al respecto mientras pinto.

 

Un abrazo muy fuerte.

 

Tomás Santos (Tomi). 22/XI/2007

 

 

 

PINTURA DEL NATURAL Y PINTURA DE FOTOGRAFÍAS

 

Leo por ahí que pintar de fotografía no tiene el valor que tiene pintar del natural, de hecho más bien que prácticamente no tiene valor.

 

Es decir que para pintar un paisaje nevado y nevando en medio de la sierra (las montañas), que me ha gustado el 30 de diciembre a las 20:00 ¿debería pintarlo allí? o ¿pintarlo de memoria? Y que si le hago una foto y luego lo pinto: ¿no vale? ¿no tiene valor? No lo entiendo. Si el pintor cuando pinta además está utilizando todo lo que tiene en la memoria y todo su ser en cuerpo y alma: ¿cuál es el problema para pintar con base en una foto que yo mismo he hecho? ¿O es que quizás debería de No pintarlo porque no lo puedo hacer allí?... Pero esa fotografía que tengo en mis manos ¿no es un objeto real?

 

Desde siempre se han utilizado medios para apoyar el proceso pictórico. Desde siempre.

Leonardo ya empleaba la cámara oscura en la que por esas cosas de la luz, el motivo a pintar aparecía reflejado en el soporte a pintar (esto se parece muchísimo a esos pintores que proyectan las diapositivas o utilizan el cañón sobre los lienzos para pintarlas): Al practicar en una habitación previamente oscurecida un pequeño orificio en una de sus paredes, los rayos de luz procedentes del exterior proyectan en la pared opuesta a la del orificio, formando la imagen invertida de lo que se halla en el exterior de la habitación.

Este fenómeno, conocido con el nombre de cámara oscura, es el principio óptico básico de la fotografía. De hecho, desde las antiguas cámaras de cajón hasta las más sofisticadas máquinas fotográficas actuales, todas sin excepción representan variantes más o menos perfeccionadas de la primitiva cámara oscura.

Canaletto ya utilizaba la cámara oscura para “calcar” sus impresionantes canales de Venecia.

Miguel Angel, Goya, etc y todos aquellos que han realizado frescos los calcaban directamente en los muros utilizando grandes pliegos de papel donde habían previamente dibujado el motivo el cual estaba agujereado en su contorno para poder “calcarse” al pasar el carboncillo por encima.

 

Tiziano tenía una auténtica factoria de cuadros donde como mucho él haría algo de la idea inicial y alguna pincelada final, el resto de la obra era obra de sus discípulos y ayudantes.

 

¡¡Louis-Jacques Daguerre fue pintor y decorador y fue el coinventor del Daguerrotipo en 1838!!

 

Monet y todos los impresionistas se valieron del genial invento de la fotografía para la realización de muchas de sus obras.

 

Sorolla, nuestro gran iluminista, “fue iluminador de un fotografo” en su juventud, y se valió de la fotografía para muchos de sus cuadros como hemos podido ver en la última expo de su Casa-Museo este verano.

 

La fotografía ha ayudado a la evolución de la pintura, y mucho si hablamos de la pintura realista:

Guillermo Muñoz Vera normalmente pinta de fotografía. Sí, el mismísimo Muñoz Vera, el que ha hecho el retrato del Rey Juan Carlos, Cazador.

 

Antonio López  también utiliza para ayudarse fotografías (se ve en esa foto en la que está pintando el gran cuadro para la Asamblea de la Comunidad de Madrid en la torre de los bomberos de Vallecas en la que por detrás de él se ve una FOTO)

 

Los escultores emplean el método de sacar puntos, o es que nadie lo sabe. Rodin seguramente no tendría apenas idea de esculpir, él modelaba la arcilla, y sus discípulos, sacando puntos, lo pasaban a marmol. También utilizan las “máscaras” y los moldes de escayola.

 

¡¡Cómo le hubiera gustado a Vermeer comprarse una Nikon para retener ese instante de luz, ese y no otro!! ¡¡Y como les hubiese gustado a todos los demás para así haber podido pintar mucho más, mejor y NO HABER MALVIVIDO como lo han tenido que hacer la grandísima mayoría… me acuerdo sobre todo de los paisajistas holandeses del siglo XVII!!

 

Entonces chicos y chicas ya sabéis, a partir de ahora tampoco compréis botes de pintura: ¡¡fabricaosla cada uno con tierras, vegetales, linaza, etc!! Tampoco lienzos: haced la preparación a la creta, o a la media creta cocinándola y luego, ¡ale! a dar 6 ó 7 capas hasta que tengáis el lino preparado. Ni se os ocurra utilizar ¡¡ACRÍLICO… ¿PERO QUÉ ES ESO? o ¡¡¡¿acuarela?!! Olvidaros de los lápices: venga todo el mundo a fabricarse unos grafitos… y a fabricarse el PAPEL para dibujar

 

Aunque esperad un momento. Creo que hay que retroceder un poco más para ser puristas absolutos: ALTAMIRA, hace 14.500 años. ¡¡Vaya!! Sólo valen como soportes cuevas o abrigos cavernosos, óxido y pigmento natural, carbón vegetal, agua, buril de mano hecho por percusión de nucleo de silex y un trocito de piel de animal, y para iluminar una lamparilla hecha con algo con forma concava donde pondréis tuetano de vuestra caza de ese día huntado en retama y prendida con fuego previamente hecho por frotación de dos palos o percusión de dos piedras. Pero… hay un problema… ¡¡vaya!! resulta además que en la cercana Cueva del Castillo con pinturas de hace unos 12.500 años la mayor parte de las representaciones ¡¡SON NEGATIVOS DE LAS MANOS DE SUS OCUPADORES!! ¿Pero cómo han podido? ¡¡Han puesto sus manos, y han soplado por un “canutillo”pulverizando las pintura!! ¡¡Esto no vale!! ¡¡Esto es copiar, calcar y no utilizar lo que está en la memoria ni visto del natural!! ¡¡Oh Dios mio!! Pero aun peor, el resto de las representaciones son ¡¡FORMAS ABSTRACTAS: PUNTOS Y RETÍCULAS!! ¡¡¿Pero si esto no vale, no lo han sacado del NATURAL?!! ¡¡HACE 12.500 AÑOS!!

 

Y digo yo, sabiendo todo esto:

 

¿Cómo es posible que se nos juzgue por utilizar o no nuestras fotografías para realizar nuestras obras? ¿cómo se puede dudar de su valor o validez, dudar de nuestro valor y validez como artistas y pintores? Para mí es simple y llanamente una duda absurda.

 

Tomi 4/XII/2007